Dějiny umění - History of art

Tento článek pojednává o přehledu dějin umění na celém světě. Pro akademickou disciplínu dějin umění viz Historie umění.
Detail z obrazů jeskyní Lascaux
Dějiny umění
Historie umění

The dějiny umění se zaměřuje na objekty vyrobené lidmi ve vizuální podobě pro estetický účely. Vizuální umění lze zařadit do různými způsoby, například oddělování výtvarné umění z aplikované umění; inkluzivní zaměření na lidskou kreativitu; nebo se zaměřením na různá média jako např architektura, sochařství, malování, film, fotografování, a grafika. V posledních letech došlo k technologickému pokroku video umění, počítačové umění, performance art, animace, televize, a videohry.

Dějiny umění jsou často vyprávěny jako chronologie mistrovská díla vytvořené během každého civilizace. Lze jej tedy zarámovat jako příběh vysoká kultura, ztělesněný Zázraky světa. Na druhou stranu, lidový umělecké výrazy lze také integrovat do uměleckohistorických příběhů, označovaných jako lidové umění nebo řemeslo. Čím blíže se historik umění zabývá těmito posledními formami nízká kultura, tím je pravděpodobnější, že svou práci identifikují jako zkoušku vizuální kultura nebo hmotná kultura, nebo jako příspěvek do oborů souvisejících s historií umění, jako např antropologie nebo archeologie. V posledních případech mohou být umělecké předměty označovány jako archeologické artefakty.

Pravěk

Hlavní článek: Prehistorické umění
Tento Homo erectus skořápka s geometrickými řezy, byla prohlášena za první známé umělecké dílo; cca 500 000 BP; Z Trinil (Jáva ); Centrum biologické rozmanitosti Naturalis (Holandsko )[1][2]
Vyřezávání koně se stopami okr malování; 40 000–18 500 BP; z Jeskyně Hayonim, Levantský aurignacien; Izraelské muzeum (Jeruzalém ).[3][4][5][6] To může být jeden z prvních známých projevů lidského umění spolu s okrové kousky z Jeskyně Blombos v Jižní Afrika, před vylitím temenní umění v Evropě.[7][8]

Ryté skořápky vytvořené uživatelem Homo erectus datování již před 500 000 lety, přestože odborníci nesouhlasí s tím, zda lze tyto rytiny správně klasifikovat jako „umění“.[1][2] Řada pohledávek neandrtálec bylo vyrobeno umění, ozdoba a struktury, které se datují zhruba od 130 000 před současností a naznačují, že neandertálci mohli být schopni symbolické myšlení,[9][10] ale žádné z těchto tvrzení není široce přijímáno.[11]

Paleolitické

Hlavní články: Umění mladého paleolitu a Seznam umění z doby kamenné

Nejstarší bezpečné lidské umění, které bylo nalezeno, pochází z doby Pozdní doba kamenná Během Svrchní paleolit, pravděpodobně od asi 70 000 před naším letopočtem[8] ale s jistotou kolem 40 000 před naším letopočtem, kdy první tvůrčí práce byly vyrobeny ze skořápky, kamene a barvy Homo sapiens pomocí symbolického myšlení.[12] Během Svrchní paleolit (50 000–10 000 př. N. L.), Lidé cvičili lov a shromažďování a žil v jeskyně, kde jeskynní malba bylo vyvinuto.[13] Během Neolitické období (10 000–3 000 př. Nl), produkce ruční práce zahájeno.

Vzhled tvůrčí kapacity v těchto raných společnostech je příkladem evolučně selektivní výhody pro umělecké jednotlivce. Vzhledem k tomu, že přežití není podmíněno produkcí umění, předváděli jednotlivci produkující umění ve svém prostředí agenturu tím, že měli volný čas na vytvoření, jakmile byly splněny jejich základní povinnosti, jako je lov a shromažďování.[14] Tito předběžní umělci byli ve svých komunitách vzácní a „vysoce nadaní“.[15] Naznačovali pokrok v poznávání a chápání symboliky.[16]

Nejčasnější lidské artefakty, které svědčí o řemeslném zpracování s uměleckým účelem, jsou však předmětem některých debat. Je zřejmé, že takové zpracování existovalo před 40 000 lety v EU Svrchní paleolit éry, i když je docela možné, že to začalo dříve.

Umělecké projevy vrchního paleolitu dosáhly svého vrcholu v Magdalénština období (± 15 000–8 000 př. n. l.). Tento nárůst kreativních výlevů je známá jako „svrchní paleolitická revoluce“ nebo „kreativní exploze“.[17] Přežívající umění z tohoto období zahrnuje malé řezby do kamene nebo kostí a jeskynní malba. První stopy objektů vytvořených člověkem se objevily na jihu Afrika, Západní Středomoří, Centrální a východní Evropa (Jaderské moře ), Sibiř (Bajkalské jezero ), Indie a Austrálie. Tyto první stopy jsou obvykle opracovaný kámen (pazourek, obsidián ), dřevo nebo kost nástroje. Na malovat v Červené, oxid železa byl použit. Barva, vzor a vizuální podoba byly součástmi paleolitického umění. Použité vzory zahrnovaly klikatá, křížová a paralelní linie.[18]

Jeskynní malby byly nalezeny v Franco-Cantabrian region. Existují obrázky, které jsou abstraktní stejně jako obrázky, které jsou naturalistický. Jeskynní malby symbolicky představovaly aktivity, které vyžadovaly učené účastníky - byly používány jako učební pomůcky a ukázaly zvýšenou potřebu komunikace a odborných dovedností pro rané lidi.[19] Zvířata byla namalována v jeskyních Altamira, Trois Frères, Chauvet a Lascaux. Sochařství je reprezentován tzv Venuše figurky, ženské postavy, které mohly být použity v kulty plodnosti, tak jako Venuše z Willendorfu. [20] Existuje teorie, že tyto údaje mohly být vytvořeny ženami jako výrazy jejich vlastního těla.[21] Dalšími reprezentativními díly tohoto období jsou Muž z Brno[22] a Venuše z Brassempouy.[23]

Funkce paleolitického umění byla magická a používala se v rituálech. Paleolitičtí umělci byli zvláštní lidé, v komunitě respektovaní, protože jejich umělecká díla byla spojena s náboženskou vírou. Tímto způsobem byly artefakty symboly určitých božstev nebo duchů.[24]

Mezolit

Hlavní článek: Mezolit
The Ain Sakhri milenci; cca 9000 před naším letopočtem (pozdě Epipalaeolithic Blízký východ ); kalcit; výška: 10,2 cm, šířka: 6,3 cm; od Ain Sakhri (poblíž Betlém, Izrael ); britské muzeum (Londýn)

Ve archeologii starého světa mezolithic (řecký: μέσος, mesos "střední"; λίθος, lithos "kámen") je období mezi Svrchní paleolit a Neolitický. Termín Epipaleolitické se často používá jako synonyma, zejména pro venkovní použití Severní Evropa, a za odpovídající období v Levant a Kavkaz. Mezolit má různé časové úseky v různých částech Eurasie. Odkazuje na poslední období roku 2006 lovec-sběrač kultury v Evropě a západní Asii, mezi koncem Poslední ledové maximum a Neolitická revoluce. V Evropě se rozprostírá zhruba 15 000 až 5 000 před naším letopočtem, v jihozápadní Asii ( Epipalaeolithic Blízký východ ) zhruba 20 000 až 8 000 před naším letopočtem. Termín je méně používán v oblastech dále na východ a už vůbec ne za Eurasií a severní Afrikou.

Neolitický

Hlavní článek: Neolitický

Neolitické období začalo asi 10 000 před naším letopočtem. The skalní umění Pyrenejského Středomoří —Datováno mezi mezolitickými a neolitickými epochami - obsahovalo malé, schematické obrazy lidských postav s pozoruhodnými příklady v El Cogul, Valltorta, Alpera a Minateda.

Neolitická malba je podobná malbě nalezené v severní Africe (Atlas, Sahara) a v oblasti moderního Zimbabwe. Neolitická malba je často schematická, provádí se základními tahy (muži v podobě a přejít a ženy v trojúhelníkový tvar). V jeskyni jsou také jeskynní malby Řeka Pinturas v Argentina, zejména Cueva de las Manos. v přenosné umění, styl zvaný Kardiová keramika bylo vyrobeno, zdobeno otisky mušle. V umění se používaly nové materiály, jako např jantar, krystal, a jaspis. V tomto období se objevily první stopy městského plánování, například pozůstatky v Řekni to jako sultán (Jericho ), Jarmo (Irák ) a Çatalhöyük (Anatolie ).[26] V jihovýchodní Evropě se objevilo mnoho kultur, například Kultura Cucuteni-Trypillia (z Rumunsko, Moldavská republika a Ukrajina ) a Kultura Hamangia (z Rumunsko a Bulharsko ). Dalšími regiony s mnoha kulturami jsou Čína, nejpozoruhodnější je Čína Kultura Yangshao a Longshanská kultura; a Egypt, s Badarian, Naqada I., II a III kultur.

Běžné materiály neolitických soch z Anatolie, jsou ze slonoviny, kamene, hlíny a kostí. Mnoho jich je antropomorfní, zejména žena, zoomorfní ty jsou vzácné. Ženské figurky jsou tlusté i štíhlé. Byly objeveny jak zoomorfní, tak antropomorfní řezby Sibiř, Afghánistán, Pákistán a Čína.[27]

Metal Age

Hlavní článek: Metal Age
Trundholm sluneční vůz; C. 1400 př.nl; bronz; výška: 35 cm (14 palců), šířka: 54 cm (21 palců); Dánské národní muzeum (Kodaň )

Poslední prehistorickou fází je Metal Age (nebo Tříletý systém ), během kterého je používání měď, bronz a žehlička transformované starověké společnosti. Když lidé mohli cítit a kovat, z kovových nástrojů bylo možné vyrábět nové nástroje, zbraně a umění.

V Chalcolithic (Copper Age), megality vynořil se. Mezi příklady patří dolmen, menhir a Angličtina kromlech, jak je vidět v komplexech na Newgrange a Stonehenge.[28] Ve Španělsku Los Millares kulturu, kterou charakterizoval Kádinková kultura, byl vytvořen. v Malta, chrámové komplexy skládá se z Ħaġar Qim, Mnajdra, Tarxien a Antgantija bylo postaveno. V Baleárské ostrovy Byly vyvinuty pozoruhodné megalitické kultury s různými typy památek: naveta, hrob ve tvaru komolého pyramida s podlouhlou pohřební komorou; the taula, dva velké kameny, jeden položený svisle a druhý vodorovně nad sebou; a talaiot, věž s krytou komorou a falešnou kupole.[29]

V Doba železná, kultury Hallstatt (Rakousko ) a Laténská (Švýcarsko ) se objevily v Evropě. První z nich byl vyvinut mezi 7. a 5. stoletím před naším letopočtem, představoval nekropole s tumulárními hrobkami a dřevěnou pohřební komorou v podobě domu, často doprovázenou čtyřkolovým vozíkem. Keramika byla polychromní, s geometrický dekorace a aplikace kovových ozdob. La Tène byla vyvinuta mezi 5. a 4. stoletím před naším letopočtem a je populárněji známá již brzy Keltské umění. Vyrábělo mnoho železných předmětů, jako např meče a kopí, které kvůli rzi nepřežily dobře do 2000. let.[Citace je zapotřebí ]

The Doba bronzová odkazuje na období, kdy byl bronz nejlepším dostupným materiálem. Bronz byl použit pro vysoce zdobené štíty, lýtkové kosti a další objekty s různými fázemi vývoje stylu. Dekorace byla ovlivněna řecký, Etruské a Scythian umění.[30]

Starověk

Hlavní článek: Starověké umění
Socha Gudea I., zasvěcený bohu Ningishzida; 2120 př. N.l. Neo-sumerský doba); diorit; výška: 46 cm, šířka: 33 cm, hloubka: 22,5 cm; Louvre

V prvním období zaznamenané historie se umění shodovalo s psaní. Velké civilizace Blízký východ: Egypt a Mezopotámie vstal. Celosvětově se během tohoto období objevila první velká města poblíž hlavních řek: Nil, Tigris a Eufrat, Indus a Žlutá řeka.

Jedním z velkých pokroků tohoto období bylo psaní, které vycházelo z tradice komunikace pomocí obrázků. První formou psaní byly Symboly Jiahu z Neolitická Čína, ale první opravdové psaní bylo klínové písmo, který se objevil v Mezopotámie C. 3500 př. Nl, napsáno dne jíl tablety. Bylo založeno na piktografické a ideografický prvky, zatímco později Sumerové rozvinutý slabiky pro psaní, odrážející fonologie a syntax z Sumerský jazyk. V Egyptě hieroglyfické písmo byl vyvinut také pomocí obrázků, které se objevily na umění, jako je Narmerova paleta (3100 př. N. L.). The Civilizace Indus Valley tvarované pečeti s krátkými texty a zdobené znázorněním zvířat a lidí. Mezitím Olmecs vyřezával kolosální hlavy a zdobil další sochy jejich vlastní hieroglyfy. V těchto dobách bylo psaní přístupné pouze elitám.

Mezopotámie

Hlavní článek: Mezopotámské umění

Mezopotámské umění byl vyvinut v oblasti mezi Tigris a Eufrat Řeky v dnešní Sýrii a Iráku, kde od 4. tisíciletí před naším letopočtem existovalo mnoho různých kultur, jako např Sumer, Akkad, Amorite a Chaldea. Mezopotámská architektura bylo charakterizováno použitím cihly, překlady, a kuželová mozaika. Pozoruhodné příklady jsou zikkuraty, velký chrámy ve formě krokové pyramidy. Hrobka byla komora pokrytá falešnou kupole, jako v některých příkladech nalezených na Ur. Byly tam také paláce zděná s terasou ve formě zikkuratu, kde byly zahrady důležitým prvkem. The Visuté zahrady v Babylonu byl jedním z Sedm divů starověkého světa.

Úleva socha byla vyvinuta v dřevo a kámen. Sochařství zobrazovalo náboženské, vojenské a lovecké scény, včetně lidských i zvířecích postav. V Sumerské období, byly vyrobeny malé sochy lidí. Tyto sochy měly hranatý tvar a byly vyrobeny z barevného kamene. Postavy měly obvykle holou hlavu se založenýma rukama na hrudi. V Akkadské období, sochy zobrazovaly postavy s dlouhými vlasy a vousy, jako například stéla z Naram-Sin. V Amoritské období (nebo Neosumerian ), sochy představovaly krále z Gudea z Lagash s pláštěm a turbany na hlavách a rukama na hrudi. V době Babylonian pravidlo, stéla Hammurabi bylo důležité, protože zobrazovalo velkého krále Hammurabi výše písemnou kopii zákonů, které zavedl. Asyrské sochařství je pozoruhodný jeho antropomorfismus skotu a okřídlený džin, který je zobrazen létající v mnoha reliéfech zobrazujících válečné a lovecké scény, jako například v Černý obelisk z Shalmaneser III.[31]

Egypt

Hlavní článek: Staroegyptské umění

V roce vznikla jedna z prvních velkých civilizací Egypt, která měla propracovaná a složitá umělecká díla od profesionálních umělců a řemeslníků. Egyptské umění bylo náboženské a symbolické. Vzhledem k tomu, že kultura měla vysoce centralizovanou mocenskou strukturu a hierarchii, bylo na počest vytvořeno velké množství umění faraon, včetně velkých památek. Egyptské umění a kultura zdůrazňovaly náboženský koncept nesmrtelnosti. Později zahrnuje egyptské umění Koptský a byzantský umění.

The architektura se vyznačuje monumentálními stavbami postavenými z velkých kamenných bloků, překladů a pevných sloupce. Pohřební památky v ceně mastaba, hrobky obdélníkového tvaru; pyramidy, který zahrnoval krokové pyramidy (Saqqarah ) nebo pyramidy s hladkými stranami (Gíza ); a hypogeum, podzemní hrobky (Údolí králů ). Dalšími velkými budovami byly chrám, které měly tendenci být monumentálními komplexy, jimž předcházela alej sfingy a obelisky. Použité chrámy stožáry a lichoběžník stěny s hypaethros a hypostyle haly a svatyně. Chrámy Karnak, Luxor, Philae a Edfu jsou dobré příklady. Dalším typem chrámu je skalní chrám ve formě a hypogeum, nalezen v Abu Simbel a Deir el-Bahari.

Malba egyptské éry používala vedle sebe překrývající se letadla. Obrázky byly zastoupeny hierarchicky, tj. Faraon je větší než běžní poddaní nebo nepřátelé vyobrazení po jeho boku. Egypťané namalovali obrys hlavy a končetin z profilu, zatímco trup, ruce a oči byly namalovány zepředu. Aplikované umění byly vyvinuty zejména v Egyptě dřevo a zámečnické práce. Existují vynikající příklady jako cedr nábytek vykládaný s eben a slonová kost které lze vidět v hrobkách u Egyptské muzeum. Mezi další příklady patří kusy nalezené v Tutanchamon hrobka, která má velkou uměleckou hodnotu.[32]

Civilizace Indus Valley (Harappan)

Hlavní článek: Civilizace Indus Valley § Umění a řemesla
Viz také: Mehrgarh
The Tanečnice; 2400–1900 před naším letopočtem; bronz; výška: 10,8 cm (41⁄4 v.); národní muzeum (Nové Dillí, Indie)

Objeveno dlouho po současných civilizacích v Mezopotámie a Egypt, Civilizace Indus Valley nebo Harappan civilizace (c. 2400–1900 př. n. l.) je nyní uznáván jako mimořádně pokročilý, v mnoha ohledech srovnatelný s těmito kulturami.

Různé sochy, pečetě, bronzové nádoby hrnčířství, zlaté šperky a anatomicky detailní figurky v terakota, bronz a steatit byly nalezeny na vykopávkách.[33]

Řada zlatých, terakotových a kamenných figurek dívek v tanečních pózách odhaluje přítomnost nějaké taneční formy. Mezi tyto terakotové figurky patřily krávy, medvědi, opice a psi. Zvíře zobrazené na většině tuleňů v místech dospělého období nebylo jasně identifikováno. Část býka, část zebry, s majestátním rohem, to bylo zdrojem spekulací. Dosud neexistují dostatečné důkazy, které by dokazovaly tvrzení, že obraz měl náboženský nebo kultovní význam, ale prevalence obrazu vyvolává otázku, zda jsou zvířata na obrazech civilizace náboženskými symboly.[34]

Realistické sošky byly nalezeny na místě v civilizaci údolí Indu. Jedním z nich je slavná bronzová soška štíhlé končetiny Tanečnice zdobené náramky, nalezené v Mohendžo-daro. Dvě další realistické sošky byly nalezeny v Harappa ve správných stratifikovaných výkopech, které zobrazují téměřKlasický zacházení s lidským tvarem: soška tanečnice který se zdá být mužem a mužský trup z červeného jaspisu, oba nyní v Dillí národní muzeum. Archeolog Sir John Marshall zareagoval překvapením, když uviděl tyto dvě sošky od Harappy:[35]

Když jsem je poprvé viděl, bylo těžké uvěřit, že jsou prehistoričtí; zdálo se, že úplně rozrušili všechny zavedené představy o raném umění a kultuře. Takové modelování nebylo ve starověkém světě až do helénského věku Řecka neznámé, a proto jsem si myslel, že jistě muselo dojít k nějaké chybě; že si tyto postavy našly cestu na úrovně asi o 3000 let starší než ty, ke kterým patřily ... Nyní, v těchto soškách, je právě tato anatomická pravda tak zarážející; to nás nutí zajímat se, zda by v této velmi důležité záležitosti bylo možné, že by sochaři vzdáleného věku na břehu Indu mohli očekávat řecké umění.[35]

Tyto sošky zůstávají kontroverzní kvůli jejich pokročilým technikám. Co se týče trupu červeného jaspisu, objevitele, Kádě tvrdí Harappan, ale Marshall považoval tuto sošku za pravděpodobně historickou, která se datuje k Gupta období, ve srovnání s mnohem později Lohanipur trup.[36][37] Druhá, poměrně podobná soška šedého kamene tančícího muže, byla také nalezena asi 150 metrů od sebe v bezpečné zralé vrstvě Harappan. Celkově antropolog Gregory Possehl má tendenci se domnívat, že tyto sošky pravděpodobně tvoří vrchol induského umění během období zralého harappanu.[36]

V Mohendžodaru byly nalezeny pečetě zobrazující postavu stojící na její hlavě a další sedící se zkříženýma nohama v tom, co někteří nazývají jóga - jako póza, jako je tzv Pashupati. Tento údaj byl různě identifikován. Sir John Marshall identifikoval podobnost s hinduistickým bohem, Shiva.[38] Pokud to lze ověřit, bylo by to důkazem, že některé aspekty hinduismu předcházejí nejranější texty, Veda.[Citace je zapotřebí ]

Starověká Čína

Hlavní články: Čínské umění § Bronzový odlitek, Čínské rituální bronzy, a Sanxingdui
Další informace: Dynastie Shang a Zhou dynastie

Během Čínská doba bronzová (dále jen Shang a Zhou dynastie) přímluvy u soudu a komunikaci s duchovním světem prováděl šaman (pravděpodobně sám král). V Dynastie Shang (asi 1600–1050 př. n. l.) bylo nejvyšším božstvem Shangdi, ale šlechtické rodiny raději kontaktovaly duchy svých předků. Připravili pro ně komplikované hostiny s jídlem a pitím, ohřívali a podávali bronzové rituální nádoby. Bronzové nádoby byly použity v náboženských rituálech k upevnění dhangské autority, a když padlo hlavní město Šang, kolem roku 1050 př. N.l., jeho dobyvatelé, Zhou (kolem 1050–156 př. spíše než pít. Shangský dvůr byl obviněn z nadměrného opilosti a Zhou propagující císaře Tian („Nebe“) jako hlavní duchovní síla, spíše než předkové, omezovala víno v náboženských obřadech ve prospěch jídla. Používání rituálních bronzů pokračovalo do počátku Dynastie Han (206 př. N. L. - 220 n. L.).

Jedním z nejčastěji používaných motivů byl taotie, stylizovaná tvář rozdělená centrálně na dvě téměř zrcadlové poloviny, s nozdrami, očima, obočím, čelistmi, tvářemi a rohy, obklopená vyříznutými vzory. Zda taotie zastoupená skutečná, mytologická nebo zcela imaginární stvoření nelze určit.

Záhadné bronzy z Sanxingdui, blízko Guanghan (v Provincie S'-čchuan ), jsou důkazem tajemného obětavého náboženského systému, na rozdíl od čehokoli jinde v starověká Čína a zcela odlišný od umění současného Shanga v Anyang. Výkopy v Sanxingdui od roku 1986 odhalily 4 jámy obsahující artefakty z bronz, nefrit a zlato. Byla zde nalezena velká bronzová socha lidské postavy, která stojí na soklu zdobeném abstraktními hlavami slonů. Kromě stojící postavy obsahovaly první 2 jamky přes 50 bronzových hlav, některé na sobě pokrývky hlavy a 3 s čelním potahem zlatý list.

řecký

Hlavní článek: Starověké řecké umění

Dokonce i ve starověku byla umění Řecka uznána jinými kulturami jako přední. Latinský básník Horace, psaní ve věku římský císař Augustus (1. století př. N. L. Až 1. století n. L.), Skvěle poznamenal, že ač bylo dobyto na bitevním poli, „zajaté Řecko zvítězilo nad svým divokým dobyvatelem a přivedlo umění do venkovského Říma“. Síla řeckého umění spočívá v jeho reprezentaci lidské postavy a v jejím zaměření na lidské bytosti a antropomorfní bohy jako hlavní subjekty. Během Klasické období (5. a 4. století př. N. L.) Byly realismus a idealismus křehce vyvážené. Pro srovnání, práce starších geometrických (9. až 8. století před naším letopočtem) a archaických (7. až 6. století před naším letopočtem) dob se někdy jeví jako primitivní, ale tito umělci měli jiné cíle: naturalistické vyjádření nebylo nutně jejich cílem. Římské umění milenec shromáždil starořecké originály, římské repliky řeckého umění nebo nově vytvořené obrazy a sochy vyráběné v různých řeckých stylech, čímž uchoval umělecká díla jinak ztracená. Nástěnné a deskové obrazy, sochy a mozaiky zdobily veřejné prostory a dobře situované soukromé domy. Řecké obrazy se objevily také na římských špercích, nádobách ze zlata, stříbra, bronzu a terakoty a dokonce i na zbraních a obchodních vahách. Protože renesance, umění starověkého Řecka, přenášené prostřednictvím římská říše, sloužily jako základ západního umění.[39]

Pre-Classical

Další informace: Kykladské umění a Minojské umění

řecký a Etruské umělci stavěli na uměleckých základech Egypta a dále rozvíjeli umění sochařství, malířství, architektury a keramiky. Řecké umění začalo jako menší a jednodušší než egyptské umění a vliv egyptského umění na Řeky začal na Kykladských ostrovech v letech 3300 až 3200 před naším letopočtem. Kykladský sochy byly jednoduché a postrádaly rysy obličeje, kromě nosu.

  • Harfistka, nejznámější Kykladský umělecká díla; 2750-2200 př.nl; mramor; výška: 29,5 cm; řekl, že je z Keros (dále jen Kyklady ); Národní archeologické muzeum (Athény )

  • Ženská kykladská figurka; 2700–2600 př. N.l .; mramor; výška: 37,1 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Kamares nádobí zobákový džbán; 1850-1675 př.nl; keramický; výška: 27 cm; z Phaistos (Kréta, Řecko); Heraklionské archeologické muzeum (Řecko)

  • The Maska Agamemnona, nejznámější Mykénské umělecká díla; 1675-1600 př.nl; zlato; výška: 25 cm, šířka: 27 cm, hmotnost: 169 g; Národní archeologické muzeum (Atény)

  • The Minoan freska pojmenovaná Býčí freska; 1675-1460 př.nl; vápenná omítka; výška: 0,8 m, šířka: 1 m; z paláce v Knossos (Kréta); Heraklionské archeologické muzeum

  • Minoan hadí bohyně; 1460-1410 př. N.l. (z minojského neo-palácového období); fajáns; výška: 29,5 cm; z úložiště chrámů v Knossosu; Heraklionské archeologické muzeum

  • Tři mykénské ženské postavy; 1400-1300 př.nl; terakota; výšky: 10,8 cm, 10,8 cm a 10,5 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Mykénský náhrdelník; 1400-1050 př.nl; zlacená terakota; průměr rozet: 2,7 cm, se změnami přibližně 0,1 cm, délka přívěsku 3,7 cm; Metropolitní muzeum umění

Geometrický

Po zhroucení Mykénská společnost se objevil styl řeckého umění, který jasně ilustruje přerušení kultury a umění mezi Doba bronzová a následující Doba železná. The Protogeometrické (kolem 1050–900 př. n. l.) a uspěje Geometrický Styly (kolem 900–700 př. n. l.) se vyznačují ostrou jednoduchostí dekorace, protože starší květinové a mořské motivy byly nahrazeny abstraktními vzory. V nových stylech byl vzor důsledně aplikován na tvar, přičemž každý dekorativní prvek byl podřízen, ale vylepšoval celek. Povrchy byly zdobeny trojúhelníky, čarami a půlkruhy a soustřednými kruhy vytvořenými pomocí vícenásobného štětce připojeného k kompasu. The meandr (řecký klíč) vzor byl populární, stejně jako chequerboardy, diamanty, krokve a hvězdy. Geometrické postavy, ať už malované nebo vyřezávané, odpovídají abstraktní estetice. I když mají lidé rozeznatelné formy, jsou složeni z kombinace kruhů, trojúhelníků a obdélníků, spíše než organických, realistických tvarů.[40]

  • Krater s víkem převyšovaným malým hydria; 750-740 př.nl; terakota; výška: 114,9 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Krater; 750-735 př.nl; terakota; výška: 108,3 cm, průměr: 72,4 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Soška koně; 750-700 př.nl; bronz; celkově: 11,5 × 10 × 2,6 cm; Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, USA)

  • Soška koně; kolem 740 př. n.l .; bronz; výška: 6,5 cm; Louvre

Klasická a helénistická

Hlavní články: Klasické Řecko a Helénistické umění

Lidská postava zůstala nejvýznamnějším obrazem řecké plastiky klasického období (5. a 4. století př. N. L.). Umělci se snažili vyvážit idealizovanou tělesnou krásu a stále realističtější anatomii a napodobovat přírodu přesným vykreslením vazů, svalstva a křivek lidské podoby.[41]

fénický

Hlavní článek: Fénicie § čl
The Byblos figurky, Fénické sošky z Byblos; 19. – 18. Století před naším letopočtem; bronz, pravděpodobně pozlacený; Národní muzeum v Bejrútu (Libanon)

Fénické umění postrádá jedinečné vlastnosti, které by ho odlišovaly od jeho současníků. Je to způsobeno tím, že je velmi ovlivněno zahraničními uměleckými kulturami: především Egypt, Řecko a Asýrie. Féničané, kteří byli vyučováni na břehu řeky Nil a Eufrat získali široké umělecké zkušenosti a nakonec přišli k vytvoření vlastního umění, které bylo spojením zahraničních modelů a perspektiv.[43] V článku od The New York Times publikováno 5. ledna 1879, fénické umění bylo popsáno následujícím způsobem:

Vstoupil do práce jiných mužů a využil většinu svého dědictví. The Sfinga Egypta se stal asijský a jeho nová forma byla transplantována do Ninive na jedné straně a do Řecka na straně druhé. Rozety a další vzory Babylonian válce byly zavedeny do ruční práce Fénicie, a tak předány na Západ, zatímco hrdina starověku Chaldejský epos se stal prvním Tyrian Melkarth a poté Herakles z Hellas.

Etruské

Hlavní články: Etruské umění a Etruská malba vázy

Etruské umění byl vyroben Etruská civilizace v střední Itálie mezi 9. a 2. stoletím před naším letopočtem. Asi od roku 600 př. Nl byl silně ovlivněn Řecké umění, který byl importován Etrusky, ale vždy si zachovával odlišné vlastnosti. V této tradici byly obzvláště silné figurální plastiky v terakotě (zejména v životní velikosti) sarkofágy nebo chrámy), nástěnné malby a obrábění kovů zejména v bronzu. Šperky a ryté drahokamy byly vyrobeny vysoké kvality.[44]

Etruská socha z litého bronzu byla slavná a široce vyvážená, ale zachovalo se relativně málo velkých příkladů (materiál byl příliš cenný a později recyklován). Na rozdíl od terakoty a bronzu bylo v kameni relativně málo etruské sochy, přestože Etruskové ovládali jemné zdroje mramoru, včetně Carrara mramor, což se zdá být využito až do Římané.

Velká většina přeživších pocházela z hrobek, které byly obvykle nacpané sarkofágy a hrobové zboží a terakotové fragmenty architektonického sochařství, většinou kolem chrámů. Hrobky vyrobily vše freska nástěnné malby, které ukazují scény hodování a některé narativní mytologické předměty.

Dacian

Hlavní článek: Dacian umění
Viz také: Dácké náramky

Dacian umění je umění spojené s národy známé jako Dacians nebo Severní Thrákové (Getae); Dacians vytvořil umělecký styl, ve kterém vlivy Scythians a Řekové mohou být viděni. Byli vysoce zruční ve zpracování zlata a stříbra a ve výrobě keramiky. Keramika byla bílá s červenými dekoracemi v květinových, geometrických a stylizovaných zvířecích motivech. Podobné ozdoby byly zpracovány v kovu, zejména postava koně, která byla běžná na dáckých mincích.[45] Dnes je v Dacic velká sbírka mistrovských děl Národní muzeum rumunské historie (Bukurešť ), jeden z nejslavnějších bytí Přilba Coțofenești.

Geto-Dacians žil na velmi velkém území, táhnoucí se od Balkán na severní Karpaty a od Černé moře a řeka Tyras do Tisa prostý, někdy dokonce i do Střední Dunaj.[46] Mezi 15. – 12. Stol. Byla kultura Dacian-Getae ovlivněna dobou bronzovou Tumulus -Urnfield válečníci.[47]

Předromský iberský

Viz také: Pyrenejské sochařství

Pre-římské iberské umění odkazuje na styly vyvinuté Iberians z Doba bronzová až po Římské dobytí. Z tohoto důvodu se někdy označuje jako „iberské umění“.

Téměř všechna existující díla iberského sochařství viditelně odrážejí řecký a fénický vlivy a Asyrský, Hittite a Egyptský vlivy, od kterých se odvozují; přesto mají svůj vlastní jedinečný charakter. V rámci tohoto složitého stylistického dědictví mohou být jednotlivá díla umístěna do spektra vlivů - některé mají zjevnější fenický původ a některé jsou tak podobné řeckým dílům, že mohly být přímo importovány z tohoto regionu. Celkově míra vlivu koreluje s oblastí původu práce, a proto jsou na tomto základě rozděleny do skupin.

Hittite

Hlavní článek: Chetitské umění

Chetitské umění bylo vyrobeno Chetitská civilizace ve starověku Anatolie, v dnešní době krocan, a také se táhnou do Sýrie během druhého tisíciletí před naším letopočtem od devatenáctého století až do dvanáctého století před naším letopočtem. Toto období spadá pod Anatolian Doba bronzová. Vyznačuje se dlouhou tradicí kanonizovaných obrazů a motivů, které umělci předělali, i když jsou stále rozeznatelné, sdělit význam převážně negramotné populaci:

Vzhledem k omezené slovní zásobě figurálních typů [a motivů] bylo vynálezem chetitského umělce obvykle otázkou kombinování a manipulace s jednotkami pro vytvoření složitějších kompozic.[48]

Mnoho z těchto opakujících se obrazů se točí kolem vyobrazení Chetitští božstva a rituální praktiky. Převládá také lovecká scéna v chetitském reliéfu a reprezentativních zvířecích formách. Hodně z umění pochází z osad jako Alaca Höyük nebo chetitské hlavní město Hattusa blízko moderní doby Boğazkale. Vědci mají potíže s datováním velké části chetitského umění s odvoláním na skutečnost, že chybí nápis a většina nalezeného materiálu, zejména z pohřebišť, byla přesunuta z původních míst a distribuována mezi muzea v průběhu devatenáctého století.

Bactrian

Hlavní článek: Archeologický komplex Bactria – Margiana § čl

The Bactria – Margiana Archaeological Complex (také znám jako civilizace Oxus) je moderní archeologické označení pro a Doba bronzová civilizace z Střední Asie, datováno k c. 2300–1700 před naším letopočtem, na dnešním severu Afghánistán, východní Turkmenistán, jižní Uzbekistán a západní Tádžikistán, se středem v horní části Amu Darya (Řeka Oxus). Jeho stránky byly objeveny a pojmenovány sovětský archeolog Viktor Sarianidi (1976).[Citace je zapotřebí ] Byly odkryty monumentální městská centra, paláce a kultovní budovy, zejména v Gonur depe v Turkmenistánu.

Materiály BMAC byly nalezeny v Civilizace Indus Valley, na Íránská plošina a v Perský záliv.[49] Nálezy na stránkách BMAC poskytují další důkazy o obchodních a kulturních kontaktech. Zahrnují Elamit -typ těsnění válce a Harappan pečeť se razítkem se slonem a indusovým písmem nalezená v Gonur-depe.[50] Vztah mezi Altyn-Depe a údolí Indu se zdá být obzvláště silné. Mezi nálezy byli dva Harappan těsnění a předměty ze slonoviny. Harappanská osada Shortugai v severním Afghánistánu na břehu řeky Amu Darya pravděpodobně sloužil jako obchodní stanice.[51]

Slavným typem Bactrianských uměleckých děl jsou „Bactrianské princezny“ (neboli „Oxus dámy“). Nosit velké stylizované šaty s nafouknutými rukávy a pokrývky hlavy, které splývají s vlasy, ztělesňují hodnotící bohyni, charakter středoasijské mytologie, která hraje regulační roli a uklidňuje neskrotné síly. Tyto sošky jsou vyrobeny kombinací a sestavením materiálů kontrastních barev. Výhodné materiály jsou chloritan (nebo podobné tmavě zelené kameny), bělavý vápenec nebo skvrnitý alabastr nebo mořské mušle z Indický oceán.[52] Různé prvky těla a kostýmu byly vyřezány zvlášť a spojeny, jako v puzzle, lepidlem na čepy a dlahy.

  • Sekera s démonem s orlí hlavou a zvířaty; pozdní 3. tisíciletí - začátek 2. tisíciletí před naším letopočtem; pozlacené stříbro; délka: 15 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Velbloudí figurka; pozdní 3. – začátek 2. tisíciletí před naším letopočtem; slitina mědi; 8,89 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Monstrózní mužská postava; pozdní 3. – začátek 2. tisíciletí před naším letopočtem; chloritan, kalcit, zlato a železo; výška: 10,1 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Ženská figurka typu „Bactrianská princezna“; 2500–1500 př.nl; chloritan (šaty a čelenka) a vápenec (hlava, ruce a noha); výška: 13,33 cm; Muzeum umění v okrese Los Angeles (NÁS)

keltský

Hlavní článek: Keltské umění

Keltské umění je spojováno s národy známými jako Keltové; ti, kteří mluvili Keltské jazyky v Evropě od prehistorie až po moderní období. Odkazuje také na umění starověkých národů, jejichž jazyk je nejistý, ale mají kulturní a stylistické podobnosti s mluvčími keltských jazyků.

Keltské umění je obtížně definovatelný termín, který pokrývá obrovskou dobu, geografii a kultury. Pro uměleckou kontinuitu v Evropě byl vytvořen případ z Doba bronzová a skutečně předchozí Neolitický věk; nicméně archeologové obecně používají "keltský" k označení kultury Evropská doba železná přibližně od roku 1000 př. n. l. až do dobytí římská říše většiny dotčeného území a historici umění obvykle začínají hovořit o „keltském umění“ až od Laténská období (zhruba od 5. do 1. století př. n. l.).[53] Rané keltské umění je další termín používaný pro toto období, který se v Británii táhne kolem roku 150 n. L.[54] The Raně středověké umění Británie a Irska, které produkovalo Book of Kells a další mistrovská díla a to, co „keltské umění“ evokuje pro většinu široké veřejnosti v anglicky mluvícím světě, se nazývá Ostrovní umění v dějinách umění. Toto je nejznámější část keltského umění raného středověku, ale ne celá, která zahrnuje také Obrazové umění Skotska.[55]

Achaemenid

Hlavní článek: Perské umění § Achaemenids

Achajmenovské umění zahrnuje vlys reliéfy, zámečnické práce, dekorace paláců, glazované cihlové zdivo, jemné řemeslné zpracování (zdivo, tesařství atd.) a zahradnictví. Většina přeživších dvorního umění je především monumentální sochařství úlevy, dvojitá zvířecí hlava Perský sloup hlavní města a jiné sochy Persepolis.[56]

Ačkoli Peršané vzali umělce se svými styly a technikami ze všech koutů své říše, nevytvořili jen kombinaci stylů, ale syntézu nového jedinečného perského stylu.[57] Kýros Veliký ve skutečnosti měl za sebou rozsáhlé starověké íránské dědictví; bohaté achajmenovské zlaté dílo, které podle nápisů mohlo být specializací na Medes, bylo například v tradici dřívějších stránek.

There are a number of very fine pieces of jewellery or inlay in precious metal, also mostly featuring animals, and the Oxusův poklad has a wide selection of types. Small pieces, typically in gold, were sewn to clothing by the elite, and a number of gold torc přežili.[56]

Řím

Hlavní článek: Římské umění
The Maison Carrée v Nîmes (France), one of the best conserved Ancient Roman temples, photoed from two angles

Římské umění is sometimes viewed as derived from Greek precedents, but also has its own distinguishing features. Roman sculpture is often less idealized than the Greek precedents, being very realistic. Roman architecture often used beton, and features such as the round oblouk a kupole were invented. Luxury objects in metal-work, gravírování drahokamů, řezby ze slonoviny, a sklenka are sometimes considered in modern terms to be minor forms of Roman art,[58] although this would not necessarily have been the case for contemporaries.

Roman artwork was influenced by the nation-state's interaction with other people's, such as ancient Judea. A major monument is the Titův oblouk, which was erected by the Emperor Titus. Scenes of Romans looting the Jewish chrám v Jeruzalémě are depicted in low-relief sculptures around the arch's perimeter.

Starověká římská keramika was not a luxury product, but a vast production of "fine wares" in terra sigillata were decorated with reliefs that reflected the latest taste, and provided a large group in society with stylish objects at what was evidently an affordable price. Římské mince were an important means of propaganda, and have survived in enormous numbers.

Olmec

Hlavní článek: Olmecs § Art

The olmecs were the earliest known major civilization in Střední Amerika following a progressive development in Soconusco. Olmec is the first to be elaborate as a pre-Columbian civilization of Mesoamerica (c. 1200–400 BC) and one that is thought to have set many of the fundamental patterns evinced by later American Indian cultures of Mexico and Central America, notably the Maya and the Aztec.

They lived in the tropical lowlands of south-central Mexico, in the present-day states of Veracruz a Tabasco. It has been speculated that the Olmecs derive in part from neighboring Mokaya nebo Mixe - Zoque. The Olmecs flourished during Střední Amerika je formative period, dating roughly from as early as 1500 BC to about 400 BC. Pre-Olmec cultures had flourished in the area since about 2500 BC, but by 1600–1500 BC, early Olmec culture had emerged, centered on the San Lorenzo Tenochtitlán site near the coast in southeast Veracruz.[59] They were the first Mesoamerican civilization, and laid many of the foundations for the civilizations that followed.

The Olmec culture was first defined as an art style, and this continues to be the hallmark of the culture.[60] Wrought in a large number of media – jade, clay, basalt, and greenstone among others – much Olmec art, such as Zápasník, is naturalistic. Other art expresses fantastic antropomorfní creatures, often highly stylized, using an iconography reflective of a religious meaning.[61] Běžný motivy include downturned mouths and a cleft head, both of which are seen in representations of were-jaguars.[60]

  • Colossal Head N° 1 of San Lorenzo, 1200 to 900 BCE, 2.9 metres (9 ft 6 in) high and 2.1 metres (6 ft 11 in) wide. A historical person, likely an Olmec leader, is depicted in this monumental sculpture found at San Lorenzo (v Tabasco, Mexiko ), a principal olmec center

  • Seated figurine; 12th–9th century BC; painted ceramic; height: 34 cm, width: 31.8 cm, depth: 14.6 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Bird-shaped vessel; 12th–9th century BC; ceramic with red okr; výška: 16,5 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Kunz axe; 1200–400 BC; polished green quartz (aventurin ); height: 29 cm, width: 13.5 cm; britské muzeum (Londýn)

Středního východu

Preislámská Arábie

Hlavní články: Pre-Islamic Arabia § Art, a Starověké jihoarabské umění
Pre-Islamic Arabian art in the britské muzeum (Londýn)

Umění Preislámská Arábie is related to that of neighbouring cultures. Předislámský Jemen produced stylized alabastr heads of great aesthetic and historic charm. Most of the pre-Islamic sculptures are made of alabastr.

Archeologie has revealed some early settled civilizations in Saudská arábie: Dilmun civilization on the east of the Arabian Peninsula, Thamud severně od Hejaz, a Kindah království a Al-Magar civilization in the central of Arabian Peninsula.The earliest known events in Arabian history are migrations from the peninsula into neighbouring areas.[62] In antiquity, the role of Jihoarabský societies such as Saba (Sheba ) in the production and trade of aromatics not only brought such kingdoms wealth but also tied the Arabský poloostrov into trade networks, resulting in far-ranging artistic influences.

It seems probable that before around 4000 BC the Arabian climate was somewhat wetter than today, benefitting from a monsoon system that has since moved south.[Citace je zapotřebí ] During the late fourth millennium BC permanent settlements began to appear, and inhabitants adjusted to the emerging dryer conditions. In south-west Arabia (modern Jemen ) a moister climate supported several kingdoms during the second and first millennia BC. The most famos of these is Sheba, the kingdom of the biblical Královna ze Sáby. These societies used a combination of trade in spices and the natural resources of the region, including aromatics such as frankincense and myrrh, to build wealthy kingdoms. Mārib, Sabaean capital, was well positioned to tap into Mediterranean as well as Near Eastern trade, and in kingdoms to the east, in what is today Omán, trading links with Mezopotámie, Persie and even India were possible. The area was never a part of the Asyrský nebo Perské říše, a dokonce Babylonian control of north-west Arabia seems to have been relatively short-lived. Later Roman attempts to control the region's lucrative trade foundered. This impenetrability to foreign armies doubtless augmented ancient rulers' bargaining power in the spice and incense trade.

Although subject to external influences, south Arabia retained characteristics particular to itself. The human figure is typically based on strong, square shapes, the fine modeling of detail contrasting with a stylized simplicity of form.

  • Stele of a male wearing a baldric; 4th millennium BC; pískovec; height: 92 cm; z Al-`Ula (Saudská arábie ); in a temporary exhibition in the Korejské národní muzeum (Soul ), named Roads of Arabia: Archaeological Treasures of Saudi Arabia

  • Standing female figure wearing a strap and a necklace; 3rd–2nd millennium BC; pískovec a křemenec; height: 27.5 cm, width: 14.3 cm, depth: 14.3 cm; z Mareb (Jemen ); Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Incense burner; mid-1st millennium BC; bronz; height: 27.6 cm, width: 23.7 cm; depth: 23.3 cm; from Southwestern Arabia; Metropolitní muzeum umění

  • South Arabian head; 300-1 BC; alabaster; height: 20.5 cm, length: 11 cm, depth: 8.5 cm; Louvre

  • Decorated capital of a pillar from the royal palace of Shabwa; stratigraphic context: first half of the 3rd century BC; Národní muzeum Jemenu (Doupě )

  • Funerary stele; 1st-3rd centuries AD; alabaster; height: 55 cm, width: 29 cm, depth: 8 cm; Louvre

  • Perfume-burner with an ibex; 1st–3rd century AD; vápenec; z Jemen; height: 30 cm, width: 24 cm, depth: 24 cm; Louvre

  • Bahraini figurative funerary stele; about 2nd-3rd century; the Bahrain pavilion of Expo 2015 (Milán, Itálie)

islámský

Hlavní článek: Islámské umění
Viz také: Arabeska, Muqarnas, Islámské geometrické vzory, Příspěvky islámského světa do středověké Evropy, a Čínské vlivy na islámskou keramiku

Some branches of Islam forbid depictions of people and other sentient beings, as they may be misused as idols. Religious ideas are thus often represented through geometric designs and kaligrafie. However, there are many Islamic paintings which display religious themes and scenes of stories common among the three Abrahamic monoteistický faiths of islám, křesťanství, a judaismus.

Vliv Čínská keramika je třeba nahlížet v širším kontextu velkého významu čínské kultury Islámské umění obecně.[63] The İznik keramika (pojmenoval podle Iznik, město z krocan ) is one of the best well-known types of Islamic pottery. Its famous combination between blue and white is a result of that Osmanský soud v Istanbul who greatly valued Chinese blue-and-white porcelain.

  • Manuscript page; 950–1000; paper, ink, gold, watercolours and leather; height: 55 cm, width: 38 cm; Al-Sabah Collection (Kuvajt )

  • Box with a Kufic inscription on the lid offering wishes and the date; 966; carved ivory and engraved silver; Louvre

  • Brazier; second half of the 13th century; brass, cast, chased, inlaid with silver and black compound; height: 35.2 cm, width: 39.4 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Mosque lamp; shortly after 1285; enameled and gilded glass; height: 26.4 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Mihrab (prayer niche); 1354–1355; mosaic of polychrome-glazed cut tiles on stonepaste body, set into mortar; 343.1 × 288.7 cm, weight: 2041.2 kg; z Isfahan (Írán ); Metropolitní muzeum umění

  • Perská miniatura z Mi'raj of the Prophet by Sultan Mohammed, showing Chinese-influenced clouds and angels; 1539–1543; gouache and ink on paper; height: 28.7 cm; Britská knihovna (Londýn)

  • Iznik dish; 16th century; stonepaste, polychrome-painted under transparent glaze; height: 6 cm, diameter: 27.9 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Carpet; 17. století; cotton (warp and weft) and wool (pile), asymmetrically knotted pile; length: 247.65 cm, width: 142.87 cm; Metropolitní muzeum umění

Siberian-Eskimo

Viz také: Old Bering Sea; Sibiřský Yupik; Domorodé malé počty obyvatel Severu, Sibiře a Dálného východu; Ruský Dálný východ; a Domorodé národy Sibiře
Yupik maska; 19th century; z Aljaška; Musée du Quai Branly (Paříž)

The art of the Eskimo people from Siberia is in the same style as the Inuitské umění z Aljaška and north Canada. This is because the Native Americans traveled through Siberia to Alaska, and later to the rest of the Americas.[Citace je zapotřebí ]

V Ruský Dálný východ, populace Sibiř numbers just above 40 million people. As a result of the 17th-to-19th-century Ruské dobytí Sibiře a následující population movements during the Soviet era, demographics of Siberia today is dominated by native speakers of ruština. There remain a considerable number of domorodý groups, between them accounting for below 10% of total Siberian population, which are also genetically related to Domorodé národy Ameriky.

Amerika

Hlavní články: Předkolumbovské umění, Indiánské umění, a Malba v Americe před kolonizací
Kunz Axe; 1000–400 BC; jadeit; height: 31 cm (12​3⁄16 in.), width 16 cm (6​5⁄16 in.), 11 cm (4​5⁄16 v.); Americké muzeum přírodní historie (Washington DC ). The jade Kunz Axe, first described by George Kunz in 1890. Although shaped like an axe head, with an edge along the bottom, it is unlikely that this artifact was used except in ritual settings. At a height of 28 cm (11 in), it is one of the largest jade objects ever found in Mesoamerica.[64]

The history of art in the Americas begins in předkolumbovský times with Domorodé kultury. Art historians have focused particularly closely on Střední Amerika during this early era, because a series of stratified cultures arose there that erected grand architecture and produced objects of fine workmanship that are comparable to the arts of Western Europe.

Preclassic

The art-making tradition of Mesoamerican people begins with the Olmec around 1400 BC, during the Preclassic era. These people are best known for making kolosální hlavy but also carved nefrit, erected monumental architecture, made small-scale sculpture, and designed mosaic floors. Two of the most well-studied sites artistically are San Lorenzo Tenochtitlán a La Venta. After the Olmec culture declined, the Mayská civilizace became prominent in the region. Sometimes a transitional Epi-Olmec period is described, which is a hybrid of Olmec and Maya. A particularly well-studied Epi-Olmec site is La Mojarra, which includes hieroglyphic carvings that have been partially deciphered.

Klasický

Zapotec bat effigy; circa 50 BC; jadeit and shell; height: 28 cm; Národní muzeum antropologie (Mexico City )[65]

By the late pre-Classic era, beginning around 400 BC, the Olmec culture had declined but both Central Mexican and Maya peoples were thriving. Throughout much of the Classic period in Central Mexico, the city of Teotihuacán was thriving, as were Xochicalco a El Tajin. These sites boasted grand sculpture and architecture. Other Central Mexican peoples included the Mixtecs, Zapotecs, and people in the Údolí Oaxaca. Maya umění was at its height during the "Classic" period—a name that mirrors that of Classical European antiquity —and which began around 200 CE. Major Maya sites from this era include Copan, where numerous stelae were carved, and Quirigua where the largest stelae of Mesoamerica are located along with zoomorfní oltáře. Komplex systém psaní byl vyvinut a Maya osvětlil rukopisy byly vyrobeny ve velkém počtu na papíře vyrobeném z kůra stromu. Mnoho webů „zhroutil“ kolem 1000 n. l.

Postklasický

V době Španělské dobytí Yucatánu během 16. a 17. století byli Mayové stále mocní, ale mnoho komunit jim vzdávalo hold Aztécká společnost. Druhá kultura prosperovala a to zahrnovalo umění jako jsou plastiky, malby a mozaiky z peří. Snad nejznámějším dílem aztéckého umění je kalendářní kámen, který se stal národním symbolem státu Mexiko. Během Španělské dobytí aztécké říše, mnoho z těchto uměleckých předmětů bylo odesláno do Evropy, kde byly umístěny skříňky kuriozit, a později přerozděleny do západních muzeí umění. Aztécká říše sídlila ve městě Tenochtitlán který byl během koloniální éry z velké části zničen. Co z toho zbylo, bylo pohřbeno pod ním Mexico City. Několik budov, například základna Starosta Templo od té doby byly objeveny archeology, ale jsou ve špatném stavu.

Umění v Americe

Umění v Americe od doby dobytí je charakterizováno směsí domorodých a zahraničních tradic, včetně tradic evropských, afrických a asijských osadníků. Po dobytí prosperovala řada domorodých tradic. Například Plains Indians vytvořeno quillwork, beadwork, zimní počítá, kniha umění, a týpí v době před rezervací a poté se asimilovala do světa moderního a současného umění prostřednictvím institucí, jako je Indická škola v Santa Fe což povzbudilo studenty k rozvoji jedinečného indiánského stylu. Mnoho obrazů z této školy, nyní nazývané Studio Style, bylo vystaveno na Philbrook Museum of Art během jeho indického výročního roku 1946 až 1979.

aztécký

Hlavní článek: Aztékové § Umělecká a kulturní produkce
Kukuřice božstvo (Chicomecoatl ); 15. – počátek 16. století; čedič; celkově: 35,56 × 18,11 × 8,89 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

Aztékové, vycházející z nejskromnějších počátků nomádské skupiny „necivilizovaných“ poutníků, vytvořili největší říši ve středoamerické historii, trvající od 1427/1428 do 1521. Pocta dobytých států poskytla ekonomické a umělecké zdroje k transformaci jejich kapitálu Tenochtitlán (0ld.) Mexico City ) do jednoho z divů světa. Umělci z celé Střední Ameriky vytvořili ohromující umělecká díla pro své nové pány, vytvářející jemné zlaté předměty osobní ozdoby a impozantní sochy divokých bohů.

Aztékové vstoupili do údolí Mexika (oblast moderní Mexico City ) v roce 1325 a během jednoho století převzal kontrolu nad touto bujnou oblastí plnou silných městských států. Jejich síla byla založena na neochvějné víře ve vizi jejich božstva patrona Huitzilopochtli, bůh války, a ve své vlastní nepřekonatelné vojenské zdatnosti.

Velkolepost aztéckého státu se odrážela v odhodlání šlechty a válečníků, kteří se vyznamenali v bitvě. Jejich jemně tkané a bohatě zdobené oděvy byly zvýrazněny duhovými tropickými ptačími peřími a zdobenými šperky ze zlata, stříbra, polodrahokamů a vzácných mušlí.

Aztécké umění může být přímé a dramatické nebo jemné a jemné, v závislosti na funkci díla. Nejlepší kusy, od monumentálních soch až po masky a zlaté šperky, vykazují vynikající řemeslné zpracování a estetické vylepšení. Stejná propracovanost charakterizuje aztéckou poezii, která byla známá svou lyrickou krásou a duchovní hloubkou. Aztécké hody nebyly úplné bez konkurenční výměny slovního umění mezi jemně oblečenými ušlechtilými hosty.

Mayové

Hlavní článek: Starověké mayské umění

Starověké mayské umění odkazuje na hmotné umění Mayská civilizace, východní a jihovýchodní Mezoameričan kultura, která se formovala v průběhu později Preklasické období (500 př. N. L. Až 200 n. L.). K jeho největšímu uměleckému rozkvětu došlo během sedmi století Klasické období (c. 200 až 900 nl). Starověké mayské umění poté prošlo prodlouženou postklasickou fází, než otřesy v šestnáctém století zničily dvorskou kulturu a ukončily mayskou uměleckou tradici. Existovalo mnoho regionálních stylů, které se ne vždy shodovaly s měnícími se hranic mayských občanských řádů. Olmecs, Teotihuacán a Toltékové všechny ovlivnily mayské umění. Tradiční umělecké formy přežily hlavně v tkaní a designu rolnických domů.

The nefrit umělecká díla patří mezi nejkrásnější umělecká díla, která nám Mayové zanechali. Většina nalezených položek pochází z Klasické období, ale stále více artefaktů sahajících až do Preclassic jsou objeveny. Nejdříve z nich jsou jednoduché, nezdobené korálky nalezené v pohřbech v Cuello (Belize ) sahá až do období mezi 1200 a 900 před naším letopočtem. V té době již bylo řezání kamene mezi Olmecs, kteří už pracovali s nefritem před Mayy. v Střední Amerika, nefrit se nachází pouze jako jadeit; nefrit, jiná odrůda známá jako nefrit, tam neexistuje. V této oblasti Střední Ameriky je však „nefrit“ souhrnným názvem pro řadu dalších zelených nebo modrých kamenů. Nefritové předměty byly ukládány do pohřebů, používány v rituálech a samozřejmě jako šperky. Kromě toho, že se používaly na korálky, které byly často spojeny k výrobě vysoce ozdobných přívěsků a náhrdelníků, byly také použity na ušní cívky, paže, lýtka a chodidla, opasky, prsní svaly (šperky na hrudi) a na ozdobu oděvů a pokrývek hlavy. .

Starověké mayské umění je známé svou estetickou krásou a vyprávěcím obsahem. Ze všech médií, ve kterých mayští umělci pracovali, jsou jejich malby na keramice jedny z nejpůsobivějších kvůli jejich technické a estetické propracovanosti. Tyto složité obrazové scény doprovázené hieroglyfickými texty líčí historické události klasického období a odhalují náboženskou ideologii, na které Mayové vybudovali velkou civilizaci.

  • Sedící kadidelnice ve tvaru krále; 4. století; keramický; výška: 80 cm, šířka: 31,1 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Jade deska mayského krále; 400-800 (klasické období); výška: 14 cm, šířka: 14 cm; nalezeno na Teotihuacán; britské muzeum (Londýn)

  • Socha zobrazující vázaného vězně; 600-900 nl; vápenec; z Toniná (Mexiko); Musée du quai Branly - Jacques Chirac (Paříž)

  • Portrét K'inicha Janaaba Pakala I; 615–683; štuk; výška: 43 cm; Národní muzeum antropologie (Mexico City)

  • Váza ve stylu kodexu s mytologickou scénou; 7. – 8. Století; keramický; výška: 19 cm, průměr: 11,2 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Plavidlo s trůnovou scénou; pozdní 7. – 8. století; keramický; 21,59 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Jeden z překladů Yaxchilanu, tento s krveprolévacím rituálem provedeným králem Yaxchilanu a jeho manželkou Lady K'ab'al Xook; 723–726; vápenec; výška: 108 cm, šířka: 78 cm; britské muzeum

  • Reliéf ukazující Aj Chak Maaxe, jak předvádí zajatce před vládcem Itzamnaajem B'alamem III Yaxchilan; 22. srpna 783; vápenec se stopami pigmentu; výška: 1,15 m; Muzeum umění Kimbell (hodnota pevnosti, Texas, USA)

Kostarika a Panama

Dynamické společnosti Střední Ameriky, které byly dlouho považovány za kulisu kultury a estetického vyjádření, jsou nyní uznávány jako robustní a inovativní přispěvatelé do umění starověké Ameriky. Lidé předkolumbovského Nikaragua, Kostarika a Panama vyvinuli své vlastní charakteristické styly navzdory tomu, že region byl po tisíciletí křižovatkou. Jeho národy nebyly zahrnuty vnějšími vlivy, ale místo toho vytvářely, přijímaly a přizpůsobovaly všechny nápady a technologie tak, aby vyhovovaly jejich potřebám a povahám. Jedinečné umělecké tradice, náboženské víry a sociopolitické systémy regionu se odráží v jedinečných uměleckých dílech. Základním duchovním principem byl šamanismus, jehož hlavní princip určoval, že v transovém stavu, transformovaném do podoby duchovní společnosti, může člověk vstoupit do nadpřirozené říše a sbírat zvláštní moc ovlivňovat světské záležitosti. Středoameričtí umělci vymysleli důmyslné způsoby, jak tuto transformaci vykreslit sloučením lidských a zvířecích charakteristik do jedné postavy; the jaguár, had a ptačí raport (sokol, orel nebo sup) byly hlavními duchovními formami.

  • Ptačí přívěsek; 1. – 5. Století; jadeit; výška: 6,7 cm, šířka: 1,9 cm, hloubka: 4,7 cm; z Kostarika; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Prsní; 5.-10. Století; slitina zlata; celkově: 25,1 × 26,7 cm; z Sitio Conté (Panama ); Cleveland Museum of Art (Ohio, USA)

  • Plavidlo ve tvaru krunýře želvy; 11.-14. Století; malovaná keramika; celkově: 22,9 × 29,2 cm; z Panamy; Cleveland Museum of Art

  • Přívěsek se 2 válečníky s pálkou, kteří nosí kopí; 11. – 16. Století; zlato; celkově: 7,62 cm (3 palce); z Provincie Chiriqui (Panama ); Metropolitní muzeum umění

Kolumbie

Další informace: Muisca umění

Zlato - trvale brilantní kov postavení, bohatství a moci - inspiroval Španěly k prozkoumání světa a byl základním počinem prestiže, autority a náboženské ideologie mezi obyvateli Střední Ameriky a Kolumbie.

V Kolumbii bylo zlato důležité pro svůj vztah k božské síle slunce. Bylo to součástí komplexní ideologie univerzálních binárních opozic: mužsko-ženský, světlý-temný, země a duchovní světy. Zlaté ozdoby těla byly odlévány ve složitých formách, jejich ikonografie sdělovala sociální, politickou a duchovní moc prostřednictvím portrétů mocných šamanských vládců, liniových totemů a nadpřirozených ochránců.

  • Yotoco přívěsek s figurkou se zvířecí hlavou; 1. – 7. Století; zlato; výška: 6,35 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Quimbaya nádoba na vápno; 5. – 9. Století; zlato; výška: 23 c; Metropolitní muzeum umění

  • Muisca mužská postava (tunjo ); 10. – polovina 16. století; zlato; výška: 14,9 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Tairona přívěšek; 10. – 16. Století; zlato; výška: 14 cm; Metropolitní muzeum umění

Andské oblasti

Další informace: Chavínská kultura § čl, Paracasská kultura, Kultura Nazca, Moche kultura § hmotná kultura, Sicanská kultura § umění a ideologie, Tiwanaku § Struktury, a Incká říše § Umění a technologie

Starověké civilizace Peru a Bolívie živil jedinečné umělecké tradice, včetně jedné z nejvíce esteticky nejpůsobivějších světových uměleckých tradic, viděných na artefaktech od oděvů přes pohřební obaly po architektonické ozdoby. Počátky andské civilizace sahají do doby před 3000 před naším letopočtem. Využití náročných prostředí - které zahrnovaly nejsušší pobřežní poušť na světě, pusté vysočiny a impozantní hory - vynikali andští předkolumbovští lidé v zemědělství, mořském rybolovu a chovu zvířat. V roce 1800 př. N.l. dominovaly rituální a občanské budovy vyvýšené na mohutných nepálených platformách větším osadám, zejména v údolích říčních řek. Dvě z prvních důležitých kultur z této země jsou Chavín a Paracasská kultura.

The Moche ovládal říční údolí severního pobřeží, zatímco Nazca jižní Peru houpali se podél pobřežních pouští a sousedících hor a děděli technologický pokrok - v zemědělství a architektuře - stejně jako umělecké tradice dřívějších Paracasové. Obě kultury vzkvétaly kolem 100–800 nl. Moche keramika je jednou z nejrůznějších na světě. Použití technologie forem je evidentní. To by umožnilo hromadnou výrobu určitých forem. Po úpadku Moche se v Andách objevily dvě velké koexistující říše. Na severu je Wari (nebo Huari) Impérium. Wari jsou známí svou kamennou architekturou a sochařskými úspěchy, ale jejich největší znalost byla keramika. Wari produkovali nádhernou velkou keramiku, z nichž mnohé zobrazovaly obrazy Hůl bože.

Chimúům předcházel jednoduchý keramický styl známý jako Sicán (700–900 n. L.), Které se staly čím dál více dekorativními, až se na počátku druhého tisíciletí stalo rozpoznatelným jako Chimú. Chimú produkoval vynikající portrétní a dekorativní díla z kovu, zejména ze zlata, ale zejména stříbra. Chimú také jsou známí pro své peří, protože vyrobili mnoho standardů a čelenek vyrobených z různých tropických peří, které byly vyráběny do vzorů z ryb a ryb, které si Chimú velmi vážili.

Amazonie a Karibik

Tropické podnebí karibských ostrovů a amazonského deštného pralesa není příznivé pro zachování artefaktů vyrobených ze dřeva a jiných materiálů. To, co přežilo, odhaluje složité společnosti, jejichž lidé vytvořili umění bohaté na mytologický a duchovní význam.

The Taino lidé, kteří po příchodu Španělů obsadili karibské ostrovy, byli zemědělci, jejichž společnost byla zaměřena na dědičné náčelníky zvané caciques. Jejich města zahrnovala působivě postavená slavnostní náměstí, na nichž se hrály míčové hry a náboženské rituály, které spojovaly jejich kulturu s kulturou Mayů z Poloostrov Yucatán. Hodně z umění Taino bylo spojeno se šamanskými rituály a náboženstvím, včetně rituálu, ve kterém šaman nebo cacique vstupuje do hypnotického stavu vdechováním halucinogetika cohoba prášek. Sochy představující boha stvořitele Yocahu často zobrazují nahou mužskou postavu v a pozice v podřepu s mírně konkávní miskou na hlavě, aby držel cohoba prášek. Ostatní postavy (vždy muži) stojí přísně frontálně, honosné zobrazení jejich genitálií zjevně ukazuje na důležitost plodnosti. Účelem těchto rituálů byla komunikace s předky a duchovním světem. Šéfové a šamani (často stejná osoba) se někdy přimlouvali s duchovními bytostmi z vytvarované stolice, nebo duho.

Mezitím Kultura marajoara vzkvétal Ostrov Marajó u ústí Amazonská řeka, v Brazílii. Archeologové shledali sofistikované hrnčířství při vykopávkách na ostrově. Tyto kousky jsou velké a komplikovaně malované a vyřezávané reprezentacemi rostlin a zvířat. Ty poskytly první důkaz, že na Marajó existovala složitá společnost. Důkaz mohylová budova dále navrhuje, aby se na tomto ostrově vytvořily dobře osídlené, složité a sofistikované osady, protože pouze takovéto osady byly považovány za schopné tak rozsáhlých projektů, jako jsou velké zemní práce.[66] Keramika, kterou vyrobili, je zdobena abstraktními liniemi a spirálami, což naznačuje, že pravděpodobně konzumovali halucinogenní rostliny. Kultura marajoara produkovala mnoho druhů nádob, včetně urny, sklenic, lahví, šálků, misek, talířů a nádobí.

  • Špachtle; 10.-15. Století; kapustňák kost; celkově: 19,1 × 3,2 × 11 cm; Cleveland Museum of Art (Ohio, USA)

  • Taino božstvo postava (Zemi ); 15. – 16. Století n. L .; dřevo a skořápka; pravděpodobně z Dominikánská republika; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Marajoara válcová nádoba; 400–1000 n.l .; keramika s krémově bílým skluzem pod červenohnědou barvou; výška: 38,5 cm; z Marajó ostrov (Brazílie)

  • Velké pohřební plavidlo; 400–1400; keramika s krémově bílým skluzem pod červenohnědou barvou; výška: 89 cm; z ostrova Marajó

USA a Kanada

Hlavní články: Keramika původních obyvatel Ameriky, Indiánské šperky, a Indiánská keramika
Další informace: Kwakwaka'wakw umění

Nejslavnější americký umělecký styl z Spojené státy a Kanada je jedním z Severozápadní pobřeží, známý svými totemy a barevnými kombinacemi.

Umění Haida, Tlingit, Heiltsuk, Tsimshian a další menší kmeny žijící v pobřežních oblastech Stát Washington, Oregon, a Britská Kolumbie, se vyznačuje extrémně složitým stylistickým slovníkem vyjádřeným hlavně v řezbářském médiu. Slavné příklady zahrnují totemy, transformační masky a kánoe. Kromě dřeva se po kontaktu s Evropany staly důležitými dvourozměrné malby a stříbrné, zlaté a měděné ryté šperky.

The Východní lesy, nebo jednoduše lesy, kultury obývané regiony Severní Ameriky východně od řeka Mississippi nejméně od roku 2500 př. n.l. I když existovalo mnoho regionálně odlišných kultur, obchod mezi nimi byl běžný a sdíleli praxi pohřbívání svých mrtvých v hliněných kopcích, což si zachovalo velké množství jejich umění. Kvůli této vlastnosti jsou kultury souhrnně označovány jako Stavitelé kopců.

  • Kwakwaka'wakw totem dovnitř Ottawa (Kanada)

  • Mogollon mísa s geometrickým vzorem a pronghornem antilopa; 1000–1150; kamenina; průměr: 31,2 cm, celkově: 12,5 × 32 cm; Cleveland Museum of Art (Ohio, USA)

  • Kwakwaka'wakw velrybí postava; 19. století; cedrové dřevo, kůže, bavlněná šňůra, nehty a pigment; 60 × 72,4 × 206 cm; Brooklynské muzeum (New York City)

  • Transformační maska ​​Thunderbirdu; 19. století; cedr, pigment, kůže, nehty a kovová deska; 121,9 × 180,3 × 38,1 cm; Brooklynské muzeum

  • Model kánoe s doplňky; před 1845; bříza, dřevo, rostlinná vláknina, ptačí brk a hedvábí; výška: 6,4 cm, šířka: 8,3 cm, délka: 40,6 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Bandolierová taška; 80. léta 19. století; vlna a bavlněná tkanina, vlněná příze, sklo a kov; výška: 87,6 cm, šířka: 30,5 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Maska Komokwa; 1880–1890; dřevo a pigment; výška: 38,1 cm, šířka: 30,5 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Chrastítko; počátkem 20. století; dřevo a pigment; celkově: 31,8 × 9,3 × 11,2 cm; Cleveland Museum of Art (Ohio, USA)

Inuit

Hlavní článek: Inuitské umění

Inuitské umění odkazuje na umělecká díla produkovaný Inuit lidé, tedy lidé z Arktidy dříve známí jako Eskymáci, termín, který je nyní často považován za urážlivý venku Aljaška. Historicky bylo jejich preferovaným médiem mrož slonová kost, ale od založení jižních trhů s inuitským uměním v roce 1945, tiskne a figurální díla vytesaná do relativně měkkého kamene, jako např mastek, hadovitý nebo argillit se také staly populární. Rozsah barev je studený, nejvíce se vyskytují: černá, hnědá, šedá, bílá a šedo-modrá.

The Galerie umění Winnipeg má velkou veřejnou sbírku současného inuitského umění.[67] V roce 2007 Muzeum inuitského umění otevřel v Toronto,[68] ale uzavřeno kvůli nedostatku zdrojů v roce 2016.[69] Carvings Nunavut, vlastněná Inuk Lori Idlout, byla otevřena v roce 2008 a rozrostla se na největší soukromou sbírku v Nunavutu. Galerie Inuitů vlastněná a provozovaná zahrnuje široký výběr umění vytvořeného Inuity, které má v inventáři miliony.[70]

Asijské umění

Hlavní článek: Východní dějiny umění

Východní civilizace obecně zahrnuje Asii a zahrnuje také složitou tradici umění. Jeden přístup k Východní dějiny umění rozděluje pole podle národa se zapnutým ohniskem Indické umění, Čínské umění, a Japonské umění. Vzhledem k velikosti kontinentu lze jasně vidět rozdíl mezi východní Asií a jižní Asií v kontextu umění. Ve většině Asie byla keramika převládající formou umění. Keramika je často zdobena geometrickými vzory nebo abstraktními reprezentacemi zvířat, lidí nebo rostlin. Dalšími velmi rozšířenými formami umění byly a jsou sochařství a malířství.

Střední Asie

Umění starověké a středověké Střední Asie odráží bohatou historii této obrovské oblasti, která je domovem obrovské rozmanitosti národů, náboženství a způsobů života. Umělecké pozůstatky regionu vykazují pozoruhodné kombinace vlivů, které jsou příkladem multikulturní povahy středoasijské společnosti.

Od konce druhého tisíciletí před naším letopočtem až do nedávné doby byly travní porosty střední Asie - táhnoucí se od Kaspické moře do střední Číny a z jižního Ruska do severní Indie - byli domovem migrujících pastevců, kteří praktikovali smíšené ekonomiky na okraji sedavých společností. Prehistorické umění „zvířecího stylu“ těchto pastoračních nomádů nejen demonstruje jejich zoomorfní mytologie a šamanské tradice, ale také jejich plynulost při začleňování symbolů sedavé společnosti do jejich vlastních uměleckých děl.

Střední Asie byla vždy křižovatkou kulturní výměny, centrem tzv Hedvábná stezka - složitý systém obchodních cest táhnoucích se z Číny do Středomoří. Již v Doba bronzová (3. a 2. tisíciletí před naším letopočtem) byly rostoucí osady součástí rozsáhlé obchodní sítě spojující Střední Asii s Indus Údolí, Mezopotámie a Egypt.[71]

indický

Hlavní článek: Indické umění

Brzy Buddhisté v Indii vyvinula symboly související s Buddha. Hlavní přežití buddhistického umění začínají v období po Mauryané, v severní Indii Kushan umění, Řecko-buddhistické umění z Gandhara a nakonec „klasické“ období roku 2006 Gupta umění. Dobré množství sochy přežívá z některých klíčových míst, jako je Sanči, Bharhut a Amaravati, z nichž některé zůstávají in situ, s ostatními v muzeích v Indii nebo po celém světě. Stupy byly obklopeny obřadními ploty se čtyřmi hojně vyřezávanými toranas nebo ozdobné brány obrácené ke světovým stranám. Ty jsou z kamene, i když jasně přijímají formy vyvinuté ve dřevě. Oni i samotné stěny stupy mohou být těžce zdobeny reliéfy, většinou ilustrujícími životy Buddhy. Postupně byly tvarovány postavy v životní velikosti, zpočátku s hlubokou úlevou, ale poté volně stojící.[73] Mathura umění bylo nejdůležitějším centrem v tomto vývoji, které se týkalo jak hinduistického a jainského umění, tak buddhismu.[74] Fasády a interiéry kamenné chaitya modlitebny a klášterní viharas přežily lépe než podobné volně stojící konstrukce jinde, které byly dlouho převážně ve dřevě. Jeskyně u Ajanta, Karle, Bhaja a jinde obsahují ranou sochu, často převyšující pozdější díla, jako jsou ikonické postavy Buddhy a bódhisattvové, které nebyly nalezeny nejméně před rokem 100 n. l.

Nepálci, Bhútánci a Tibeťané

Hlavní články: Newa umění, Bhútánské umění, a Tibetské umění

Po více než tisíc let Tibetští umělci hrají klíčovou roli v kulturním životě Tibetu. Od návrhů malovaného nábytku až po komplikované nástěnné malby v náboženských budovách jejich úsilí prostupovalo prakticky všemi aspekty života na Tibetská plošina. Drtivá většina dochovaných uměleckých děl vytvořených před polovinou 20. století je věnována zobrazování náboženských předmětů, přičemž hlavní formy jsou thangka, psinka malby na plátně, Tibetské buddhistické nástěnné malby a malé sochy z bronzu nebo velké sochy z hlíny, štuk nebo dřevo. Byli pověřeni náboženskými zařízeními nebo zbožnými jednotlivci pro použití v praxi Tibetský buddhismus a byly vyráběny ve velkých dílnách mnichy a laickými umělci, kteří jsou většinou neznámí.

Umění Tibetu lze studovat z hlediska vlivů, které k němu v průběhu staletí přispívaly, od jiných čínština, Nepálské, indický, a posvátný styly. Mnoho bronzů v Tibetu to naznačuje Pala Předpokládá se, že byli vytvořeni indickými sochaři nebo přivezeni z Indie.[75]

Bhútánské umění je podobný umění Tibetu. Oba jsou založeny na Vadžrajánový buddhismus, s jeho panteonem božských bytostí. Hlavní objednávky buddhismu v Bhútánu jsou Drukpa Kagjü a Nyingma. První z nich je pobočkou Škola Kagjü a je známá malbami dokumentujícími linii buddhistických mistrů a 70. let Je Khenpo (vůdci bhútánského klášterního establishmentu). Řád Nyingma je známý pro obrazy Padmasambhava, kterému se připisuje zavedení buddhismu do Bhútánu v 7. století. Podle legendy Padmasambhava ukrýval posvátné poklady zejména pro budoucí buddhistické pány Pema Lingpa, najít. The hledače pokladů (tertön ) jsou také častými předměty umění Nyingma.

čínština

Hlavní článek: Čínské umění
Viz také: Čínské vlivy na islámskou keramiku a Čínská buddhistická socha

Ve východní Asii byla malba odvozena z praxe kaligrafie a portréty a krajiny byly malovány na hedvábné plátno. Většina obrazů představuje krajiny nebo portréty. Nejpozoruhodnější sochy jsou rituální bronzy a bronzové sochy z Sanxingdui. Velmi známým příkladem čínského umění je Terakotová armáda, zobrazující armády Qin Shi Huang, první císař Číny. Je to forma pohřební umění pohřben s císařem v letech 210–209 př. n. l., jehož cílem bylo chránit císaře v jeho posmrtném životě.

Čínské umění je jedním z nejstarších nepřetržitých tradičních umění na světě a vyznačuje se neobvyklou mírou kontinuity uvnitř a vědomím této tradice, která postrádá ekvivalent kolapsu Západu a postupného obnovování klasických stylů. Média, která jsou na Západě obvykle klasifikována od renesance jako dekorativní umění jsou v čínském umění nesmírně důležité a mnoho z nejlepších děl bylo vyrobeno ve velkých dílnách nebo továrnách v podstatě neznámými umělci, zejména v Čínská keramika. Rozsah a kvalita zboží, které zdobilo čínské paláce a domácnosti a jejich obyvatele, je oslňující. Materiály pocházely z celé Číny a mnohem dál: zlato a stříbro, perleť, roh ze slonoviny a nosorožce, dřevo a lak, nefrit a mýdlový kámen, hedvábí a papír.

japonský

Hlavní článek: Japonské umění
Kvetoucí třešně a podzimní javory s báseňmi; podle Tosa Mitsuoki; 1654–1681; dvojice obrazovek se šesti panely: inkoust, barva, zlato a stříbro na hedvábí; výška: 144 cm, šířka: 286 cm; Art Institute of Chicago (Chicago, USA)

Japonské umění pokrývá širokou škálu uměleckých stylů a médií, včetně starodávná keramika, sochařství, inkoustová malba a kaligrafie na hedvábí a papíru, ukiyo-e obrazy a otisky dřeva, keramika, origami a nověji manga —Moderní Japonci karikatura a komiksy - spolu s řadou dalších typů.

První japonští osadníci, Jomone lidí (asi 11 000–300 př. n. l.). Vyráběli bohatě zdobené nádoby na keramiku, hliněné figurky zvané dogy. Japonsko bylo vystaveno náhlým invazím nových myšlenek, po nichž následovala dlouhá období minimálního kontaktu s vnějším světem. Postupem času si Japonci vytvořili schopnost absorbovat, napodobovat a nakonec asimilovat ty prvky cizí kultury, které doplňovaly jejich estetické preference. Nejstarší komplexní umění v Japonsku bylo vyrobeno v 7. a 8. století v souvislosti s Buddhismus. V 9. století, kdy se Japonci začali odvracet od Číny a rozvíjet domorodé formy projevu, se světské umění stalo stále důležitějším; až do konce 15. století vzkvétalo jak náboženské, tak světské umění. Po Začátek války (1467–1477) vstoupilo Japonsko do období politického, sociálního a ekonomického narušení, které trvalo více než století. Ve státě, který vznikl pod vedením Tokugawa shogunate, organizované náboženství hrálo v životech lidí mnohem méně důležitou roli a přežívající umění bylo primárně sekulární.

korejština

Hlavní článek: Korejské umění
Přední
Nápis
Královský těsnění s knoflíkem v podobě želvy; konec 16. – 17. století; litý bronz se zlacením; 6,98 × 15,24 × 15,24 cm; Muzeum umění v okrese Los Angeles (Los Angeles, USA)

Korejské umění zahrnují tradice v kaligrafii, hudbě, malířství a hrnčířství, které se často vyznačují použitím přírodních forem, povrchovou výzdobou a výraznými barvami nebo zvuky.

Mezi nejčasnější příklady korejského umění patří Doba kamenná díla z roku 3000 př. n. l. Jedná se hlavně o votivní sochy a nověji petroglyfy, které byly znovuobjeveny. Po tomto raném období následovaly umělecké styly různých korejských království a dynastií. Korejští umělci někdy upraveni Čínské tradice s přirozenou preferencí pro jednoduchou eleganci, spontánnost a ocenění pro čistotu přírody.

The Goryeo Dynastie (918–1392) byla jedním z nejplodnějších období pro širokou škálu oborů, zejména pro keramiku. Korejský trh s uměním je soustředěn v Insadong okres Soul kde vystavuje více než 50 malých galerií a příležitostné aukce výtvarného umění. Galerie jsou provozovány společně, malé a často s kurátorskými a jemně navrženými exponáty. V každém městě jsou menší regionální galerie, kde místní umělci vystupují v tradičních i současných médiích. Umělecké galerie mají obvykle kombinaci médií. Pokusy o uvedení západního konceptuálního umění do popředí měly obvykle největší úspěch mimo Koreji v New Yorku, San Francisku, Londýně a Paříži.

  • Socha Maitreyi v meditaci; 6.-7. Století; zlacený bronz; výška: 83,2 cm; Korejské národní muzeum (Soul )

  • Vodní měsíc Kwanseumǔm; počátek 14. století; zavěšení svitku, inkoustu a barev na hedvábí; 1,14 × 0,55 m; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Rodina tygrů; 17. století; inkoust a barva na papíře; výška: 584,20 mm, šířka: 371,47 mm; Muzeum umění v Denveru (Denver, Colorado, USA)

  • Buddha Seokgamoni (Šákjamuni) kázal shromáždění na vrcholu supů; 1755; nenamontovaný, inkoust a barva na hedvábí; přibližně 335,28 × 406,4 cm; Muzeum umění v okrese Los Angeles

Jihovýchodní Asiat

Další informace: Vietnamské umění, Thajské umění, Kambodžské umění, Khmer sochařství, Indonéské umění, a Umění na Filipínách
Viz také: Khmerské stínové divadlo
Prambanan panel; počátek 9. století; vulkanický kámen; výška: cca 23 cm. Tento panel zdobí chrám Candi Loro Jonggrang neboli Slender Maiden, hlavní památník chrámového komplexu Prambanan ve střední části Jáva (Indonésie ). Je zde socha sochy Durga, choť Shiva v jejím divokém aspektu

Umění jihovýchodní Asie, regionu sahajícího od Barma (aka Myanmar) a indonéský ostrov Sumatra na západě do Papua-Nová Guinea a Filipíny na východě je mimořádně bohatá a rozmanitá, a to zejména díky kulturním vlivům Indie který přišel se zavedením hinduismus a Buddhismus v prvních stoletích našeho letopočtu. Žijí zde populace velmi různorodého etnického původu, které mluví stovkami různých jazyků a existují v různých fázích kulturního vývoje. Až na několik výjimek byly tyto národy v průběhu své dlouhé historie vystaveny vnějším kulturním vlivům různé intenzity od Islámský svět, Čína a ze Západu a také z Indie. Většina umění jihovýchodní Asie má náboženskou povahu. Průnik hinduistických a buddhistických vlivů z Indie byl obzvláště hluboký v kontinentálních zemích Barma, Thajsko, Kambodža a Laos. Křesťanské vlivy převládají v EU Filipíny a Východní Timor. Čínské vlivy byly omezenější, s výjimkou Vietnam, který byl pod čínskou nadvládou od 2. století před naším letopočtem do desátého století našeho letopočtu.

Raní vládci v jihovýchodní Asii stavěli státní chrámy, aby potvrdili svou legitimitu a poskytli materiální vyjádření své moci a autoritě. Ty byly často zdobeny reliéfními plastikami velké vitality a originality, které se přesto vždy shodovaly se zavedenými ikonografickými konvencemi pro zobrazení hinduistických a buddhistických témat.

Umělci z jihovýchodní Asie již dlouho vynikají freskovou malbou a malbou na lak, zejména v buddhistických zemích na pevnině a v hinduistice Bali. Fresky a obvykle malované na vnitřních stěnách galerií obklopujících chrámy, zatímco malovaný lak se nanáší hlavně na dřevěné předměty: panely, skříňky, truhly, dveře a okenice. Námět obou forem malby se obecně omezuje na vyobrazení hinduistických božstev; příběhy z hinduistických eposů, Ramayana a Mahábhárata; epizody ze života historického Buddha a příběhy z jeho předchozích životů (jatakas ); a další hinduistická a buddhistická témata.

Afrika

Hlavní článek: Africké umění
Další informace: Igbo umění, Yoruba umění, Benin umění, Kuba umění, a Luba umění
African artworks exhibited in the Rietberg Museum z Curych (Švýcarsko ), in August 2011

African art includes both sochařství, typified by the brass castings of the Benin people, stejně jako lidové umění. Concurrent with the European Middle Ages, in the eleventh century AD a nation that made grand architecture, gold sculpture, and intricate jewelry was founded in Skvělé Zimbabwe. Impressive sculpture was concurrently being cast from brass by the Jorubové of what is now Nigeria. Such a culture grew and was ultimately transformed to become the Beninské království, where elegant altar tusks, brass heads, plaques of brass, and palatial architecture was created. The Benin Kingdom was ended by the British in 1897, and little of the culture's art now remains in Nigeria. Today, the most significant arts venue in Africa is the Johannesburgské bienále.

Sub-Saharan Africa is characterized by a high density of cultures. Notable are the, Dogon lidé z Mali; Edo, Yoruba, Igbo lidé a Nok civilization z Nigérie; Kuba a Luba lidé z Střední Afrika; Ashanti lidé z Ghana; Zuluští lidé z Jižní Afrika; a Tesáky z Rovníková Guinea (85%), Cameroon and Gabon; the Sao civilizace people from Chad; Kwele lidé from eastern Gabon, Konžská republika a Kamerun.

The myriad forms of African art are components of some of the most vibrant and responsive artistic traditions in the world and are integral to the lives of African people. Created for specific purposes, artworks can reveal their ongoing importance through physical transformations that enhance both their appearance and their potency. Many traditional African art forms are created as conduits to the spirit world and change appearance as materials are added to enhance their beauty and potency. The more a work is used and blessed, the more abstract it becomes with the accretion of sacrificial matter and the wearing down of original details.

Oceánie

Hlavní článek: Umění Oceánie
Viz také: Rongo-rongo

The Art of Oceania includes the geographic areas of Mikronésie, Polynésie, Austrálie, Nový Zéland a Melanésie. One approach treats the area thematically, with foci on původ, warfare, the body, gender, trade, religion, and cestovní ruch. Unfortunately, little ancient art survives from Oceania. Scholars believe that this is likely because artists used perishable materials, such as wood and feathers, which did not survive in the tropical climate, and there are no historical records to refer to most of this material. The understanding of Oceania's artistic cultures thus begins with the documentation of it by Westerners, such as Captain James Cook, v 18. století. At the turn of the 20th century the French artist Paul Gauguin spent significant amounts of time in Tahiti, living with local people and making modern art — a fact that has become intertwined with Tahitian visual culture to the present day.[Citace je zapotřebí ] Domorodý art of Australia often looks like abstract modern art, but it has deep roots in local culture.

Umění Oceánie is the last great tradition of art to be appreciated by the world at large. Despite being one of the longest continuous traditions of art in the world, dating back at least fifty millennia, it remained relatively unknown until the second half of the 20th century.

The often ephemeral materials of Aboriginal art of Australia makes it difficult to determine the antiquity of the majority of the forms of art practised today. The most durable forms are the multitudes of rock engravings and rock paintings which are found across the continent. In the Arnhem Land escarpment, evidence suggests that paintings were being made fifty thousand years ago, antedating the Palaeolithic rock paintings of Altamira & Lascaux v Evropě.

evropský

Hlavní článek: Umění Evropy

Středověký

Hlavní článek: Středověké umění

S poklesem římská říše, Středověká éra began, lasting for a millennium. Raně křesťanské umění begins the period, followed by Byzantské umění, Anglosaské umění, Vikingské umění, Ottonské umění, Románské umění a Gotické umění, s Islámské umění dominating the eastern Mediterranean.

In Byzantine and gotický umění Středověk, the dominance of the church resulted in a large amount of religious art. There was extensive use of gold in paintings, which presented figures in simplified forms.

byzantský

Hlavní článek: Byzantské umění
Two pages of the Gospel Book with Commentaries: Portrait of Mark; 1000–1100; ink, tempera, zlato, pergamen and leather binding; sheet: 28 × 23 cm; Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, USA)
Byzantine collier; late 6th–7th century; gold, an smaragd, a safír, ametysty a perly; diameter: 23 cm; od a Constantinopolitan workshop; Antikensammlung Berlin (Berlín, Německo)

Byzantine art refers to the body of Christian Greek artistic products of the Východní řím (Byzantine) Empire,[81] as well as the nations and states that inherited culturally from the empire. Though the empire itself emerged from Rome's decline and lasted until the Pád Konstantinopole v roce 1453,[82] the start date of the Byzantine period is rather clearer in art history than in political history, if still imprecise. Mnoho Východní ortodoxní státy ve východní Evropě a do určité míry i muslimský státy východní Středomoří, si po staletí uchovala mnoho aspektů kultury a umění říše.

Ikony (z řecký εἰκών eikón "image", "resemblance") are the most important visual elements in Byzantine religious practice, central to Orthodox worship since the end of Obrazoborectví v devátém století. Consistent in their format in order to preserve a sense of portraiture and the familiarity of favoured images, they have nevertheless transformed over time. An unusual characteristic of Byzantine art are the golden backgronds. Clear glass was often backed with gold leafs to create a rich, shimmering effect.

Carried by patriarchs in Eastern processions, read by monks in secluded caves and held by emperors at important ceremonies, sacred books, often beautifully illustrated, were central to Byzantine belief and ritual. Few manuscripts seem to have been produced in the Early Byzantine period between the sixth and eighth centuries CE, but there was a flourishing of painted books in the ninth century, following the end of Iconoclasm.

Jewelry, worn by men, women and children, was a clear indication of rank and wealth in Byzantine society. Styles varied from bold, heavy goldwork with striking large cabochon stones to extraordinarily delicate gold filigree and granulation. Ornament ranged from decorative patterning to floral and animal motifs to complex Christian iconography. Often jewellery was attached to ceremonial dress that did not often require cleaning. A popular technique from the 3rd to 7th centuries was opus interrasile nebo diatrita, in which fine thin sheets of gold were pierced, creating a lace-like effect that is both beautiful and economical, as it reduces the weight of gold used. By the 5th century, stimulated by trade with the East, colored precious and semi-precious stones, polished rather than cut, were incorporated. Decorative designs were picked out in gold priced work, highlighted in dark niello (a silver sulphide that contrasted to gold and silver) or, from the 9th century, depicted in smalt.[83]

Anglosaský

Hlavní článek: Anglosaské umění

Anglo-Saxon art covers art produced within the Anglosaský period of English history, beginning with the Období migrace style that the Anglo-Saxons brought with them from the continent in the 5th century, and ending in 1066 with the Normanské dobytí of a large Anglo-Saxon nation-state whose sophisticated art was influential in much of northern Europe. The two periods of outstanding achievement were the 7th and 8th centuries, with the metalwork and jewellery from Sutton Hoo and a series of magnificent illuminated manuscripts, and the final period after about 950, when there was a revival of English culture after the end of the Viking invaze. By the time of the Conquest the move to the románský style is nearly complete. The important artistic centres, in so far as these can be established, were concentrated in the extremities of England, in Northumbria, especially in the early period, and Wessex a Kent blízko jižního pobřeží.

Ottonian

Hlavní článek: Ottonské umění

Ottonian art is a styl v předrománský Německé umění, covering also some works from the Nizozemí, northern Italy and eastern France. It was named by the art historian Hubert Janitschek po Ottonská dynastie which ruled Germany and northern Italy between 919 and 1024 under the kings Henry I., Otto I., Otto II, Otto III a Jindřich II.[84] S Ottonian architektura, it is a key component of the Ottonian Renaissance (c. 951–1024). However, the style neither began nor ended to neatly coincide with the rule of the dynasty. It emerged some decades into their rule and persisted past the Ottonian emperors into the reigns of the early Salianská dynastie, which lacks an artistic "style label" of its own.[85] In the traditional scheme of art history, Ottonian art follows Karolínské umění a předchází Románské umění, though the transitions at both ends of the period are gradual rather than sudden. Like the former and unlike the latter, it was very largely a style restricted to a few of the small cities of the period, and important kláštery, as well as the court circles of the emperor and his leading vazaly.

Vikingské umění

Hlavní článek: Vikingské umění

Viking art, also known commonly as Norse art, is a term widely accepted for the umění z skandinávský Seveřané a Viking settlements further afield—particularly in the britské ostrovy a Island -Během Vikingský věk of the 8th–11th centuries CE. Viking art has many design elements in common with keltský, germánský, později románský and Eastern European art, sharing many influences with each of these traditions.[86]

románský

Hlavní článek: Románské umění
Celá tapiserie Bayeux
The entire Bayeux Tapestry. Jednotlivé snímky každé scény jsou na Bayeux Tapestry tituli. (Přejeďte doleva nebo doprava.)

The románský was the first pan-European style to emerge after the římská říše, spanning the mid-tenth century to the thirteenth. The period saw a resurgence of monumental stone structures with complex structural programmes.

románský churches are characterized by rigid articulation and geometric clarity, incorporated into a unified volumetric whole. The architecture is austere but enlivened by decorative sculpting of capitals and portals, as well as frescoed interiors. Geometric and foliate patterning gives way to increasingly three-dimensional figurative sculpture.

From the mid-eleventh to the early thirteenth centuries, Romanesque paintings were two-dimensional, defined by bold, linear outlines and geometry, particularly in the handling of drapery; symmetry and frontality were emphasised. Virtually all Western churches were painted, but probably only a few wall painters were monks; instead, itinerant artists carried out most of this work. Basic blocking out was done on wet omítka with earth colours. A limited palette, dominated by white, red, yellow ochres and azure, was employed for maximum visual effect, with dense colouring forming a backdrop of bands, a practice that originated in late Classical art as an attempt to distinguish earth and sky.

During the later eleventh and twelfth centuries, the great age of Western monasticism, Europe experienced unprecedented economic, social and political change, leading to burgeoning wealth among landowners, including monasteries. There was increasing demand for books, and economic wealth allowed many manuscripts to be richly osvětlené.

One of the outstanding artefacts of the age is the 70m long Tapiserie Bayeux.[87][88][89] It depicts the events leading up to the Normanské dobytí Anglie with protagonists William, vévoda z Normandie, a Harold, hrabě z Wessexu, pozdější anglický král, a kulminovat Battle of Hastings. It is thought to date from the 11th century. It tells the story from the point of view of the conquering Normans, but is now agreed to have been made in England most likely by women, although the designer is unknown. It is housed in Francie.

gotický

Hlavní článek: Gotické umění
The Wilton Diptych; 1395–1459; tempera and gold on panel; 53 × 37 cm; národní galerie (Londýn)

Gothic art developed in Northern France out of Romanesque in the 12th century AD, and led by the concurrent development of Gotická architektura. It spread to all of západní Evropa a hodně z Jižní a Střední Evropa, never quite effacing more classical styles in Italy. In the late 14th century, the sophisticated court style of Mezinárodní gotika developed, which continued to evolve until the late 15th century.

The imposing Gothic cathedrals, with their sculptural programmes and stained glass windows, epitomize the Gothic style.[90] It differs from Romanesque through its rib-shaped trezory a použití ogives. Instead of the thick Romanesque walls, Gothic buildings are thin and tall. Spiral stairs in towers are specific to Gothic architecture.[91]

Gothic painting, much of it executed in tempera and, later, oils on panel, as well as fresco, and with an increasingly broad palette of secondary colours, is generally seen as more 'naturalistic' than Romanesque. The humanity of religious narrative was highlighted, and the emotional state of the characters individualized.[92] The increased urbanity of the medieval economy and the rise of the clerical and lay patron saw a change in the nature of the art market, which can be seen in developments in Gothic osvětlení rukopisu. Workshops employed specialists for different elements of the page, such as figures or marginal vine motifs.[93]

  • Part of the Royal Portal; 1145–1155; vápenec; Katedrála v Chartres (Chartres, Francie)

  • North transept windows; circa 1230–1235; stained glass; diameter (rose window): 10.2 m; Katedrála v Chartres

  • French diptych with the coronation of the Virgin and the Last Judgment; 1260–1270; elephant ivory with metal mounts; overall: 12.7 × 13 × 1.9 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • German diptych with religious scenes; 1300–1325; silver gilt with translucent and opaque enamels; overall (opened): 6.1 × 8.6 × 0.8 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Stránka z Très Riches Heures du Duc de Berry depictic the funeral of Raymond Diocrès; 1411-1416 and 1485–1486; tempera na pergamen; height: 29 cm, width: 21 cm; Muzeum Condé (Chantilly, Francie )

  • Dáma a jednorožec, the title given to a series of six tapisérie woven in Flandry, this one being called À Mon Seul Désir; late 15th century; wool and silk; 377 × 473 cm; Musée de Cluny (Paříž)

  • Austrian statue of Enthroned Virgin; 1490–1500; limestone with gesso, painted and gilded; 80.3 × 59.1 × 23.5 cm; Metropolitní muzeum umění

  • Entrance in Jeruzalém; cca 1500; malování; Muzeum výtvarného umění v Lyonu (Lyon, Francie)

Rusky a ukrajinsky

Hlavní článek: Kultura starověké Rus

The architectural history of Russia is conditioned by Ortodoxní Eastern Europe: unlike the West, yet similarly, if tenuously, linked with the traditions of classical antiquity (through Byzanc ). It has experienced from time to time westernising movements that culminated in the comprehensive reforms of Petra Velikého (around 1700). From prehistoric times the material of vernacular Russian architecture was wood. Byzantské kostely a architecture of Kievan Rus were characterized by broader, flatter domes without a special framework erected above the drum. In contrast to this ancient form, each drum of a Russian church is surmounted by a special structure of metal or timber, which is lined with sheet iron or tiles. Russian architecture used the dome shape not only for churches but also for other buildings. Některé vlastnosti převzaté ze slovanských pohanských chrámů jsou vnější galerie a množství věží.

The use and making of icons entered Kyjevská Rus following its conversion to Orthodox Christianity from the Eastern Roman (byzantský ) Empire in 988 CE. As a general rule, these icons strictly followed models and formulas hallowed by usage, some of which had originated in Constantinople. As time passed, the Russians—notably Andrei Rublev a Dionisius —widened the vocabulary of iconic types and styles far beyond anything found elsewhere. The personal, improvisatory and creative traditions of Western European religious art are largely lacking in Russia before the seventeenth century, when Simon Ushakov 's painting became strongly influenced by religious paintings and engravings from Protestant as well as Catholic Europe.

renesance

Hlavní článek: Renesanční umění
Zrození Venuše; podle Sandro Botticelli; 1484–1485; tempera na panelu; výška: 172,5 cm, délka: 278,5 cm; Galerie Uffizi (Florencie, Itálie)

Počínaje 13. stoletím začala Itálie zažívat období velkého uměleckého rozkvětu. Je obtížné, ne-li zbytečné, identifikovat jediný impuls ke změnám, ke kterým došlo, ale přispěla řada faktorů: nové povědomí o starověku a jeho odlišnosti, ekonomická prosperita a shodný smysl pro soutěž mezi mecenáši a umělci a nově nalezené povědomí o přírodním a sekulárním světě.

Středověcí Evropané nevnímali zásadní rozdíl mezi jejich časem a starověkem. Lidé byli do značné míry lhostejní k rozptýleným pozůstatkům minulosti kolem nich, protože starověké památky byly známé až do té míry, že byly neviditelné. Některé z nich byly kvůli své velikosti nebo jemnému řezbářství považovány za „zázraky“, ale to je jen podezřelo. The Panteon například v Římě údajně byli postaveni démony a ten přežil jen proto, že byl přeměněn na kostel.

Obnovená pozornost minulosti, odlišná od přítomnosti, a co je důležitější, touha oživit ji, nastala v sérii vln. Ve 13. století Svatá říše římská Císař Frederick II (vláda 1220–1250), který vládl v jižní Itálii, se snažil oživit slávu císařského Říma, včetně jeho umění. Sochař Nicola Pisano naučil se své řemeslo v tomto prostředí, než se přesunul na sever do Toskánsko a inspirativní místní sochaři. Ve 14. století italský básník Petrarch (1304–1374) předpokládal definitivní zlom mezi zlatým věkem starověku a jeho vlastní dobou kulturního úpadku. V 15. století Leon Battista Alberti (1404–1472), ve svém pojednání Na malování, napsal o talentovaných umělcích starověku, ve srovnání s nimiž žijící malíři a sochaři „nebyli v žádném případě podřadní“. Tento pocit vzdálenosti inspiroval Italy k pohledu na římský minulost s čerstvýma očima, poučit se z úspěchů starověku. Soutěž byla také zásadním motivátorem, protože města, vládci a soukromé osoby se snažily navzájem překonat v patronátu s veřejnými a soukromými uměleckými díly.[94]

The Poslední večeře, olejomalba na plátně 7 x 2 metry, zachovaná v Bazilika Santa Maria Novella, je jediným podepsaným dílem Plautilla Nelli (1524–1588), náboženská samouk (po celá staletí byly ženy v Evropě vyloučeny z hodin anatomie a umění)

Barokní

Hlavní články: Barokní a Styl Ludvík XIV
Znásilnění sabinských žen; podle Nicolas Poussin; 1634–1635; olej na plátně; 154,6 × 209,9 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

Barokní se objevila na konci renesance (16. století), jako reakce na klasická kánony v příštích dvou stoletích, 17. a 18. století. 17. století bylo obdobím nestálých změn. Astronomickým průlomům a vědeckým vynálezům, jako je dalekohled a mikroskop, odpovídal vývoj v geografii, průzkumu, přírodopisu a filozofii. Do mixu se přidaly náboženské otřesy, protože katolická protireformace zpochybňovala rostoucí popularitu protestantské víry. Během období renesance a baroka bylo nejvyšším cílem malby poskytnout morální příklady zobrazením poučných událostí z literatury, historie a mytologie. Tyto práce jsou známé jako historické obrazy. Malíři historie 17. století se zabývali vykreslením emocí v nejvýznamnějším okamžiku příběhu. Tento proces zahrnoval použití gest a mimiky k vyjádření „vášně duše“. To bylo často kombinováno s obavou o jasnost vyprávění a dramatickou koncentraci, zejména v případě Nicolas Poussin. Malíři tak zesílili dramatický dopad narativních scén, jako v Poussinově Únos sabinských žen, ve kterém hrůza a strach projevované ženami kontrastovaly s agresí a odhodláním mužů, což vedlo k obrazům moci a hrozné krásy.[95]

V dekorativní a aplikované umění, Baroko se objevilo jako první v oblasti současnosti Itálie a rozšířil se po celé Evropě. Byl to vysoce ozdobený a často extravagantní styl architektury, hudby, tance, malířství, sochařství a dalších umění.[96] Mezi hlavní dekorativní motivy patří: rohy hojnosti, girlandy, andělé, lví hlavy drží v ústech kovový prsten, samice tváře obklopen girlandami, kartuše, akant listy, klasický sloupy, štíty a další prvky Klasická architektura vyřezávané na některých částech nábytku.[97]

Rokoko a rokajl

Hlavní články: Rokoko, Rokajl, a Styl Ludvík XV
Manželství A-la-Mode; podle William Hogarth; kolem 1743; olej na plátně; národní galerie (Londýn)
Le Salon Oval de la Princesse; Gabriel-Germain Boffrand, Charles-Joseph Natorie a Jean-Baptiste Lemoyne; 1737-1729; cca 9,4 × 7 m; Hôtel de Soubise (Paříž)[100]
Schloss Münster, příklad rokokové architektury, postavený v letech 1767 až 1787 v Münster (Německo)

Jemnost, veselost, mladistvost a smyslnost byly francouzskými ideály Rokoko malování. Frivolita byla ctnost a portrétní malba byla stále více žádaná ve společnosti, v níž byla okouzlující podoba nezbytnou součástí svádění. Rokokový styl, primárně styl povrchového ornamentu, odsunul sochu a malbu na vedlejší role a pomocí zlacení rozdělil stěny, zrcadla a ozdobné panely. Tento styl se rychle rozšířil po celé Evropě a až do osmanského Turecka a Číny, a to díky ozdobným knihám kartuše (křivočaré, často asymetrické, panely), arabesky (vlnité, prokládané formy podobné rostlinám) a práce se skořápkou, stejně jako návrhy stěnových panelů a krbů.[101] Francouzské rokoko se vyvinulo během Regentství (1715-1723), kdy Louis XV (vláda mezi 1715 a 1774) bylo dítě a zemi řídili Philippe d'Orléans. Vyrostlo z těžšího barokního stylu dvora Louis XIV, zahrnující lehčí prvky, jemnější křivky, asymetrii a hravost.[102] V dekorativním umění a architektuře to lze rozpoznat podle obrovského množství křivek a C -tvarovaná voluty, lehkost v barvě a hmotnosti nebo nízká reliéfní práce se stuhami, svitky, mušlemi, květinovými věnci, ptáky a zvířaty.[103] v Francie, vstupuje stylem známým jako Louis Quinze, zde je také známý jako Pompadour. Na rozdíl od baroka se rokoko vzdalo symetrie.[104] Tento styl je vidět nejprve v dekorativním umění a designu, ale svou výškou kolem roku 1730 se rozšířil do malířství a sochařství. Pánev a Venuše vyměnit Apollo a Herkules v znovuzrození bohů, bohyň a hrdinů a na rozdíl od někdy napjaté temnoty spojené s barokním stylem byla vytvořena světelná paleta. Tři francouzští malíři, s nimiž je termín rokoko nejčastěji spojován, jsou François Boucher, Jean-Antoine Watteau a Jean-Honoré Fragonard.[102]

Termín „rokoko“ pochází z francouzštiny rokajl, což znamená „oblázková“, odkazuje na organické obrazy, které zdobí stěny a panely, některé interiéry mají jeskynní podobu, jako oválný salon v Hôtel de Soubise z Paříže.[105]

Interiér Hôtel de Soubise v Paříži patří k nejvíce charakteristicky elegantním a rafinovaným příkladům rokokového dekorativního stylu. Dům je jedním z nejkrásnějších městských domů z 18. století v Paříži. Byl postaven pro prince a princeznu Soubise v roce 1375 a přestavěn v roce 1704 podle pokynů François de Rohan Princ de Soubise. Budova, která je rozdělena do dvou bytů - princova v přízemí a princezny v horním patře, nebo piano nobile - funkce na obou patrech oválné salony s výhledem do zahrady. salóny byly vytvořeny v letech 1735 až 1739 autorem Germain Boffrand, žák francouzského architekta François Mansart. Boffrand změkl linie Salonu Oval de la Princesse klikatými křivkami, čímž znásobil zrcadlový odraz. Stěny se taví do kleneb a nepravidelné výklenky pro sochařství jsou odděleny rokajl mušle. Architektura, sochařství a malířství společně vytvářejí bohatou a harmonickou atmosféru. Osm stropních pláten malovaných Charles-Joseph Natoire v letech 1737 až 1739 ilustrují příběh Amor a psychika. Před svým návratem z Itálie v roce 1730 strávil Natoire několik let v Římě na Académie de France, kde studoval díla Paolo Veronese, Antonio Correggio a zejména Pietro da Cortona, malíř dekorativních fresek ze 17. století. Jejich vliv je patrný v pružných a elegantních kompozicích, světelných efektech a ve způsobu, jakým jsou postavy přizpůsobeny omezením výzdoby. Paleta růžových, modrých a zelených vytváří okouzlující arkádový efekt a zapouzdřuje zralé rokoko.[100]

Portugalci byli prvními Evropany, kteří obchodovali přímo s národy země východní Asie, krátce poté, co v roce 1498 našli přímou cestu kolem Afriky. Británie a Holandsko ji následovaly o něco více než sto let později založením jejich východoindických společností - protestantské výzvy k moci Portugalska a čínské porcelány, indický textil a japonské laky zaplavily trhy Amsterdamu a Londýn. Tyto předměty byly vyhledávány jako předměty prestiže, symbolické nejen pro osobní bohatství, ale také pro vliv národů, které je mohou dovážet. Evropská představivost byla poháněna vnímáním Asie jako místa bohatství a luxusu, a v důsledku toho si patroni od císařů po obchodníky navzájem konkurovali při zdobení jejich obydlí asijským zbožím a jejich zdobení v asijských stylech. Tam, kde bylo obtížné získat asijské předměty, vystoupili evropští řemeslníci a malíři, aby vyplnili toto porušení, a vytvořili směs rokokových forem a autentických asijských postav, motivů a technik. Móda pro Chinoiserie byl všudypřítomný: Asijsky inspirované interiéry se přehnaly Evropou z Švédsko na Sicílie a vzkvétal v Americe od Nová Anglie na Nové Španělsko (Mexiko ), Brazílie na Argentina.[106]

Neoklasicismus

Hlavní články: Neoklasicismus, Styl Ludvíka XVI, a empír
Pohled na tzv. Chrám harmonie s chrámem Saturn, vpravo oblouk Septimius Severus; podle Giovanni Battista Piranesi; 1760–1778; leptání; velikost celého listu: 53,8 × 79,2 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

Oživení klasických stylů ve druhé polovině 18. století bylo do jisté míry reakcí proti vnímané frivolitě a dekadenci rokoka. To bylo stimulováno znovuobjevením starověkých míst v Pompeje a Herculaneum, který inspiroval fascinaci řecký a římský starověk a ovlivnil všechna umění, od malby a sochařství po architekturu, módu, literaturu a hudbu.

Nejoriginálnější fázi neoklasicismu lze spojit s francouzská revoluce z let 1789–1799, kdy umělci a architekti otevřeně srovnávali svou touhu po Liberté, Egalité et Fratenité a co chápali jako politické principy klasického Říma a Řecka.[108] The empír je zástupcem nové francouzské společnosti vznikající z revoluce, která udává tón ve všech oblastech života, včetně umění. Tento styl zavedl koncept průmyslové výroby v dekorativním umění. Mezi další neoklasické styly patří: Adam (Anglicky) a Federální (Americký). Motivy široce používané v neoklasice užité umění jsou: štíty, akant listy, palmety, girlandy, kartuše, starověké trofeje a hudební nástroje, griffiny, chiméry, sfingy, rohy hojnosti, lví hlavy s kovovým prstenem v ústech a někdy okřídlené ženy.[109] Většina z nich je převzata z řecký, Etruské nebo římský objekty, interiéry a architektura; ale někteří z nich, jako kartuše jsou z renesance.

Západní umění po roce 1770

Duch blechy; podle William Blake; 1819; tempera se zlatem na panelu (21,4 × 16,2 cm); Tate Britain, Londýn

Mnoho historiků umění uvádí počátky moderního umění na konci 18. století, jiní v polovině 19. století. Historik umění H. Harvard Arnason uvedl: „během sto let došlo k postupné proměně.“[110] Události jako osvícenství revoluce a demokracie v Amerika a Francie a Průmyslová revoluce měl dalekosáhlé dopady v západní kultuře. Lidé, komodity, nápady a informace mohly cestovat mezi zeměmi a kontinenty nebývalou rychlostí a tyto změny se odrazily v umění. Vynález fotografie ve 30. letech 20. století dále změnil určité aspekty umění, zejména malířství. Na úsvitu 19. století byla dokončena dlouhá a postupná změna paradigmatu, od gotiky, kdy umělci byli považováni za řemeslníky ve službách církve a monarchií, k myšlence umění pro umění, kde byly myšlenky a vize jednotliví umělci byli považováni za vysoce ceněné, s patronátem stále více gramotné, bohaté a městské populace střední a vyšší třídy, která se objevovala po 200 let (zejména v Paříži a Londýně). Koncem 18. století začíná dichotomie mezi neoklasicismem a romantismem, která se rozděluje a prochází prakticky každým novým pohybem moderního umění: „Šíří se jako vlny, tyto„ ismy “vzdorují národním, etnickým a chronologickým hranicím; nikdy nikde dominují dlouho , soutěží nebo se spojují navzájem v nekonečně se měnících vzorcích. “[111]

Moderní umění důsledně směřuje k mezinárodním vlivům a výměnám, od exotické zvědavosti orientalismus, hlubší vliv Japonisme, k umění Oceánie, Afriky a Ameriky. Naopak moderní umění stále více přesahuje západní Evropu. V Rusku a USA se umění rozvíjelo do té míry, že do konce 19. století konkurovalo předním evropským zemím. Mnoho z hlavních hnutí se objevilo také v Latinské Americe, Austrálii a Asii a zeměpis a národnost byly s každým dalším desetiletí stále méně významné. Do 20. století se po celém světě objevovali významní a vlivní umělci: např. Foujita (Japonsko), Arshile Gorky (Arménie), Diego Rivera a Frida Kahlo (Mexiko), Wifredo Lam (Kuba), Edvard Munch (Norština), Roberto Matta (Chilský), Mark Rothko (Litevský-americký), Fernando Botero Angulo (Kolumbie), Constantin Brâncuși a Victor Brauner (Rumunsko).[112][113][114][115][116]

  • Newtonův cenotaph, v noci exteriér; podle Étienne-Louis Boullée; 1784; inkoust a praní, 40,2 × 63,3 cm .; Bibliothèque Nationale, Paříž

  • Pes; Francisco de Goya; ca. 1819–1823; Olejomalba na sádře, přenesená na plátno, 131,5 × 79,3 cm .; Museo del Prado, Madrid

  • Smrt na bledém koni; J. M. W. Turner; C. 1830; olej na plátně, 60 × 76 cm .; Tate Britain, Londýn

  • Bezzubý muž se smíchem, Charles Philipon tvoří Célébrités du Juste milieu; Honoré Daumier; 1832–33; malovaná hlína vysoká 6,12; Musée d'Orsay (Paříž)

  • Zátiší se sochou Jupitera Tonanse; podle Louis Jacques Daguerre; C. 1839; daguerrotyp

19. století

Romantismus (c. 1770–1860)

Hlavní článek: Romantismus § Výtvarné umění
Noční můra; podle John Henry Fuseli; 1781; olej na plátně; 101,6 × 127 cm; Institut umění v Detroitu (Detroit, USA)

Romantismus se objevila na konci 18. století a vzkvétala v první polovině 19. století s významnými a mezinárodními projevy v hudbě, literatuře, poezii a architektuře i ve výtvarném umění. Jeden z prvních projevů romantismu byl v Anglická zahradní krajina, pečlivě navržený tak, aby vypadal přirozeně a stál v dramatickém kontrastu s tehdejšími formálními zahradami. Koncept „přírodní“ anglické zahrady byl přijat v celé Evropě a Americe v následujících desetiletích. V architektuře se romantici často obraceli k alternativním pramenům jiným než řecké a římské příklady obdivované neoklasicistou. Romantická architektura často ožila gotický formy a další styly, například exotické východní modely. The Westminsterský palác (Houses of Parliament), Londýn je příkladem romantické architektury, která se také označuje jako Gothic Revival.[111] V malbě je romantismus ilustrován malbami Francisco Goya ve Španělsku, Eugène Delacroix a Théodore Géricault ve Francii, William Blake, Henry Fuseli, Samuel Palmer, a William Turner v Anglii, Caspar David Friedrich a Philipp Otto Runge v Německu, Francesco Hayez v Itálii, Johan Christian Claussen Dahl v Norsku a Thomas Cole v Americe. Mezi příklady sochařů romantického období patří Antoine-Louis Barye, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Préault, a Francois Rude. Jak romantismus běžel, některé aspekty hnutí se vyvinuly v symboliku.[115][117][118]

„Neoklasicismus je novým oživením klasického starověku ..... zatímco romantismus neodkazuje na konkrétní styl, ale na postoj mysli, který se může projevit mnoha způsoby.“[111] Romantismus se často pokouší oslovit diváka srdcem a psychikou, vyvolává vášně a emoce, často se odráží na vztahu a místě lidstva v průmyslové revoluci; na rozdíl od symetrie, racionální, „kultu rozumu“[119] neoklasicismu.[117][115]

Realismus (c. 1840–1880)

Hlavní článek: Realismus (umělecké hnutí)
The Monarch of the Glen; podle Edwin Henry Landseer; 1851; olej na plátně; 163,80 × 168,90 cm; Skotská národní galerie Edinburgh

Realismus se objevil v polovině devatenáctého století, kolem roku 1840, a měl protějšky v sochařství, literatuře a dramatu, často označovaném jako Naturalismus v literatuře. V malbě devatenáctého století se termín Realismus vztahuje spíše na zobrazovaný předmět než na styl nebo techniku. Realistické obrazy obvykle představují obyčejná místa a lidi zabývající se každodenními činnostmi, na rozdíl od velkolepých, idealizovaných krajin, mytologických bohů, biblických předmětů a historických postav a událostí, které v západní kultuře často dominovaly malbě. Courbet řekl: „Nemohu namalovat anděla, protože jsem ho nikdy neviděl“.[111] Realismus byl také zčásti reakcí na často dramatickou, exotickou a emocionálně nabitou práci romantismu. Termín realismus je aplikován ve vztahu k idealizovanému obrazu neoklasicismu a romantizovanému obrazu romantismu. Umělci jako Jean-Baptiste-Camille Corot a Honoré Daumier měl volné asociace s realismem, stejně jako členové Barbizonská škola, zejména Jean-François Millet, ale bylo to možná Gustave Courbet který byl ústřední postavou hnutí, identifikoval se jako realista, obhajoval realismus a ovlivňoval mladší umělce, jako je Édouard Manet. Jedním z významných aspektů realismu byla praxe malování krajiny en plenér a jeho následný vliv na impresionismus. Mimo Francii je realismus ilustrován umělci jako např Wilhelm Leibl v Německu, Ford Madox Brown v Anglii a Winslow Homer ve Spojených státech. Historik umění H. H. Arnason napsal: „Chronologická posloupnost neoklasicismu, romantismu a realismu je samozřejmě pouze vhodnou stratifikací pohybů nebo tendencí tak neoddělitelně spjatých mezi sebou navzájem as předcházejícími pohyby, že není možné zjistit, kde jeden skončil a začal další ",[110] a toto se stává ještě relevantnějším a komplexnějším, protože člověk sleduje všechny pohyby a „ismy“ do konce 19. a počátku 20. století.[120][121][122][123]

Impresionismus (c. 1860–1890)

Hlavní článek: Impresionismus
Oběd na vodácké párty; podle Pierre-Auguste Renoir; 1881; olej na plátně; 130 × 175 cm; Sbírka Phillips (Washington DC. (USA)

Impresionismus se ve Francii objevil pod vlivem Realismus, Barbizonská škola, a en plenér malíři jako Eugène Boudin, Camille Corot, Charles - Francois Daubigny, a Johan Barthold Jongkind. Od konce padesátých let 19. století několik impresionistů navázalo přátelství a přátelství jako studenti v Paříži, zejména na svobodě Académie Suisse a Charles Gleyre studio. Jejich progresivní práce byla konzervativními porotami prestižní často odmítána Académie des Beaux Arts salony, fórum, kam se mnoho umělců obrátilo, aby si vytvořilo reputaci, a mnoho mladých umělců bylo zahrnuto do velmi propagovaného, ​​ale hodně zesměšňovaného Salon des Refusés v roce 1863. V roce 1874 založili Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs nezávisle na akademii a uspořádali první z několika impresionistických výstav v Paříži až do roku 1886, kdy se konala jejich osmá a poslední výstava. Zahrnuty důležité postavy v hnutí Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte, Mary Cassatt, Paul Cézanne, Edgar Degas, Armand Guillaumin, Édouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, a Alfred Sisley. Ačkoli impresionismus byl primárně hnutím malířů, Degas a Renoir také produkovali sochy a další Auguste Rodin a Medardo Rosso jsou někdy spojeny s impresionismem. V roce 1885 dosáhl impresionismus určité důležitosti, a přesto mladší generace již posouvala hranice za impresionismus. Umělec z Rusko, Austrálie, Amerika a Latinská Amerika brzy přijala impresionistické styly. Někteří z původních impresionistů pokračovali v produkci významné práce do 10. a 20. let 20. století.[124][125][126]

Ačkoli to nebylo bezprecedentní, mnoho použitých technik bylo na rozdíl od tradičních metod. Malby byly často dokončeny během několika hodin nebo dnů mokrým nátěrem aplikovaným na mokrý nátěr (na rozdíl od mokrého na suchý nátěr, dokončeny za týdny a měsíce). Spíše než nanášení glazur a smíšených barev se často nanášely čisté barvy vedle sebe, v hustých, neprůhledných, impasto tahy; prolínání v oku diváka při pozorování z dálky. Černá byla používána velmi střídmě, nebo vůbec, a definování linií bylo nahrazeno nuancemi barevných tahů, které formovaly předměty, kontury a tvary. Historik umění H. W. Janson prohlásil, že „místo přidání iluze skutečného prostoru posiluje jednotu skutečného natřeného povrchu.“[111] Impresionistické obrazy typicky zobrazují krajiny, portréty, zátiší, domácí scény, každodenní volný čas a noční život, vše zpracované realisticky. Skladby byly často založeny na neobvyklých perspektivách, vypadaly spontánně a upřímně. Obrazy byly obvykle bez didaktických, symbolických nebo metaforických významů a zřídka se týkaly biblických, mytologických a historických témat, které byly akademiemi tak vysoce pokládány, nebo temnějšího a psychologického zájmu zkoumaného symbolistou. Byly zkoumány nuance světla, stínu, atmosféry a odrazů barev od povrchů, někdy s důrazem na změny těchto prvků v čase. Samotný obraz byl předmětem obrazu. Bylo to umění kvůli umění, myšlenka, která se vznášela několik desítek let, ale možná dosáhla nové výšky a konzistence v impresionismu.[114][124][125][126]

Symbolika (kolem 1860–1915)

Hlavní článek: Symbolismus (umění)
Thrácká dívka s hlavou Orfea na jeho Lyře; podle Gustave Moreau; 1865; olej; 154 × 99,5 cm; Musée d'Orsay (Paříž)

Symbolika se objevila ve Francii a Belgii ve 3. čtvrtině devatenáctého století a rozšířila se po celé Evropě v 70. letech 19. století a později v menší míře do Ameriky. To se vyvinulo z romantismu bez jasného nebo definujícího demarkačního bodu, ačkoli poezie, literatura a konkrétně publikace Charles Baudelaire Les Fleurs du mal (Květy zla) v roce 1857 byly významné ve vývoji symboliky. Mělo mezinárodní výraz v poezii, literatuře, dramatu a hudbě. V architektuře se symbolika užitého umění a dekorativního umění úzce paralelizovala a překrývala secese. Symbolika je často neoddělitelně spjata s jinými hnutími současného umění, vynořuje se a nachází výraz v jiných stylech, jako je Postimpresionismus, Les Nabis, Dekadentní hnutí, Fin-de Siecle, secese, The Mnichovská secese, The Vídeňská secese, Expresionismus, a dokonce i Prerafaelité, který se formoval dříve a ovlivňoval také symboliku. Umělec tak různorodý jako James McNeill Whistler, Eugène Carrière, Ferdinand Hodler, Fernand Khnopff, Giovanni Segantini, Lucien Lévy-Dhurmer, Jean Delville, a James Ensor všichni měli různou míru asociace se symbolikou. Historik umění Robert L. Delevoy napsal: „Symbolismus byl méně školou než dobová atmosféra.“[127] S nástupem se to rychle začalo vytrácet Fauvismus, Kubismus, Futurismus a do značné míry se rozplynula vypuknutím první světové války, našla však určitý trvalý rozvoj a význam v metafyzická škola, což mělo hluboký vliv na surrealismus.[127][114][128]

Subjekty, témata a významy symbolistického umění jsou často zahalené a nejasné, ale v nejlepším případě stále dokážou hluboce rezonovat na psychologické nebo emocionální úrovni. Subjekty jsou často prezentovány jako metafory nebo alegorie, jehož cílem je vyvolat u diváka vysoce subjektivní, osobní, introspektivní emoce a myšlenky, aniž by jasně definoval nebo přímo oslovil subjekt. Básník Stéphane Mallarmé napsal „líčit ne věc, ale účinek, který produkuje“[129] a „Pojmenovat předmět znamená potlačit tři čtvrtiny potěšení z básně, které je pochopitelné kousek po kousku“.[128] Anglický malíř George Frederic Watts uvedl: „Maluji nápady, ne věci.“[127][114][128]

Hnutí za umění a řemesla (kolem 1860–1915)

Hlavní článek: Hnutí umění a řemesel
Vzorek tapety; podle William Morris; 1915–1917; tištěný papír; 54,6 × 36,8 cm; Brooklynské muzeum (New York City)

The Umění a řemesla Hnutí většinou pracovalo v architektuře a dekorativním umění, kde prosazovalo tradiční řemeslné zpracování, používání místně dostupných materiálů a integritu ve způsobu, jakým se věci vyráběly. Začalo to koncem 19. století Británie, když spisovatelé jako John Ruskin a William Morris odmítl hromadnou výrobu a často nekvalitní strojově vyrobené předměty, které se vyskytovaly v mnoha domácnostech a obchodech. Morris zejména věřil v důležitost individuálního řemeslníka a prosazoval návrat k ručnímu řemeslníkovi, který, jak tvrdil, by nejen produkoval lepší nábytek, keramiku, textil a další předměty, ale také by pomohl lidem lépe vést, více naplňující životy. Tvrdil, že hromadná výroba byla zodpovědná za pokles hodnot. Mnoho návrhářů umění a řemesel čerpalo z vlivu středověkého řemesla a jejich objekty a interiéry využívaly charakteristické vlastnosti přírodních materiálů od krásně dokončených dub na ručně tkané tapiserie. Jiní však hledali inspiraci ještě dál, začleňovali živé barvy inspirované Islámské umění nebo staroegyptský motivy ve své práci. Uzly, víry, Keltské kříže a entrelac (prokládané vzory) inspirované starověkým Keltské umění vystupoval v díle mnoha návrhářů umění a řemesel, zejména Archibald Knox, zejména na kovových konstrukcích.

Widely exhibited in Europe, the Arts and Crafts style's simplicity inspired artists such as Carl Larsson a manželka, Karin Bergöö Larsson, designers like Henry van de Velde and styles such as secese, Nizozemec De Stijl skupina, Vídeňská secese a nakonec Bauhaus styl. Nikolaus Pevsner regarded the style as a prelude to Modernismus, which used simple forms without ornamentation.[130] The Vienna Secession encouraged in part Central European artists and writers under Habsburská vláda to return to their national and folk roots. In Poland this gave rise to the flowering of "Młoda Polska" (Mladé Polsko ), whose noted exponents included Jacek Malczewski, Jan Stanisławski, Józef Mehoffer, Józef Pankiewicz, Leon Wyczółkowski, Olga Boznańska, Stanisław Wyspiański, Wojciech Gerson a Wojciech Kossak.[131]

Postimpresionismus (c. 1885–1905)

Hlavní článek: Postimpresionismus
V Moulin Rouge; podle Henri de Toulouse-Lautrec; 1892; oil on canvas, 123 × 140.5 cm.; Art Institute of Chicago (USA)

Post-Impressionism is a rather imprecise term applied to a diverse generation of artists. In its strictest sense, it pertains to four highly influential artists: Paul Cézanne,[132][133] Paul Gauguin,[134][135] Georges Seurat,[136][137] a Vincent van Gogh.[138][139] Each passed through an impressionist phase, but ultimately emerged with four very original but different styles. Collectively, their work anticipated, and often directly influenced, much of the avantgarda art that appear before the First World War including fauvism, cubism, expressionism, and early abstraction. Cézanne (particularly influential on cubism) and Van Gogh worked in relative isolation, away from Paris, at critical points in their careers, while Seurat and Gauguin worked in groups, more collaboratively, at key points in their development. Another important artist of the period is Toulouse-Lautrec, an influential painter as well as graphic artist.[140][141] In a broader sense, post-impressionism includes a generation of predominantly French and Belgian artist who worked in a range of styles and groups. Most had come under the sway of impressionism at some point, but pushed their work beyond it into a number of factions as early as the mid 1880s, sometimes as a logical development of impressionism, other times as a reaction against it. Post-Impressionists typically depicted impressionist subjects, but the work, particularly synthetism, often contained symbolism, spiritualism, and moody atmospheres that rarely appeared in impressionism. Unnatural colors, patterns, flat plains, odd perspectives and viewpoints pushed to extremes, all moved the center of modernism a step closer to abstraction with a standard for experimentation.[110][142][116]

Neoimpresionismus (Divizionismus nebo Pointilismus, c. 1884–1894) explored light and color based on scientific color theories, creating mosaics of brush strokes in pure colors, sometimes laid out in rhythmic patterns with lines influenced by secese. The leading artists were Georges Seurat a Paul Signac, others include Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce, Albert Dubois-Pillet, and for a period Pissarro a Van Gogh. It was influential on fauvism, and elements of the style appeared in expressionism, cubism, and early abstraction. Syntetismus (Cloisonnism C. 1888–1903) Cloisonnism was conceived by Émile Bernard and immediately taken up and developed by Paul Gauguin and others while at an artists' colony in Pont-Aven (Brittany, France). The style resembled cloisonné enamel nebo vitráže, with flat, bold colors outlined in black or dark colors. Synthetism, exemplified in the work of Gauguin and Paul Sérusier, is slightly a broader term with less emphasis on dark outlines and cloisonné qualities. Other artist include Cuno Amiet, Louis Anquetin, Charles Filiger, Jacob Meyer de Haan, Charles Laval, a Armand Seguin. Their work greatly influenced fauvism and expressionism. Les Nabis (c. 1890–1905: Hebrew for prophets or illuminati) was a larger movement in France and Belgium that eclectically drew on progressive elements in synthetism, neo-impressionism, symbolism, and Art Nouveau. Perhaps more influential than the art, were the numerous theories, manifestoes, and infectious enthusiasm for the avant-garde, setting the tone for the proliferation of movements and "isms" in the first quarter of the 20th century. La Revue Blanche often published Les Nabis and symbolist content. Práce Édouard Vuillard[143][144] a Pierre Bonnard[145][146] ca. 1890–1910 is exemplary of Les Nabis, though both evolved in their styles and produced significant work into the 1940s. Other artist include Maurice Denis, Maxime Dethomas, Meyer de Haan, Henri-Gabriel Ibels, Georges Lacombe, Aristide Maillol, Paul Ranson, Ker-Xavier Roussel, Armand Séguin, Paul Sérusier, Félix Vallotton, Jan Verkade, a další.[110][142][116]

  • Modely (Les Poseuses); podle Georges Seurat; 1886–1888; oil on canvas; 200 × 249.9 cm; Barnes Foundation (Philadelphie, USA)

  • Sunset, Herblay, Opus 206; podle Paul Signac; 1889; oil on canvas, 57 × 90 mm.; Kelvingrove Art Gallery and Museum, Glasgow, Scotland

  • Mont Sainte-Victoire; podle Paul Cezanne; 1904–06; oil on canvas, 65 × 81 cm.; Philadelphia Museum of Art

  • Hvězdná noc; podle Vincent van Gogh; 1889; oil on canvas; height: 73.7 cm; Muzeum moderního umění (New York City)

  • Landscape at Le Pouldu; podle Paul Sérusier; 1890; oil on canvas, 74 × 92 cm; Museum of fine Arts, Houston

  • Ia Orana Maria (We Greet Thee, Mary); podle Paul Gauguin; 1891; oil on canvas, 114 × 89 cm.; Metropolitní muzeum umění, New York

  • The Green Trees 'nebo' The Beeches of Kerduel; podle Maurice Denis; 1893; oil on canvas, 46 × 43 cm.; Musée d'Orsay, Paris, France

  • Figures in the Street; podle Pierre Bonnard; ca. 1894; oil on paper, 24 × 25.5 cm.; Soukromá sbírka

  • Madame Vuillard Cousant nebo Old Lady Examining her Needlework; podle Edouard Vuillard; 1893; oil on board, 29.2 × 27.9 cm.; Private collection, Paris

  • Středozemní; podle Aristide Maillol; 1902–03; bronze, 104 cm. high; Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam, The Netherlands.

Počátek 20. století

Viz také: Západní malířství 20. století

Historie Umění 20. století is a narrative of endless possibilities and the search for new standards, each being torn down in succession by the next. The art movements of Fauvismus, Expresionismus, Kubismus, abstraktní umění, Dadaismus a Surrealismus led to further explorations of new creative styles and manners of expression. Vzrůstající globální interaction during this time saw an equivalent influence of other cultures into Western art, such as Pablo Picasso being influenced by Pyrenejské sochařství, African sculpture a Primitivismus. Japonismus a japonštině dřevoryty (which had themselves been influenced by Western Renaissance draftsmanship) had an immense influence on Impressionism and subsequent artistic developments. The influential example set by Paul Gauguin 's interest in Oceánské umění and the sudden popularity among the cognoscenti in early 20th century Paris of newly discovered African fetish sculptures and other works from non-European cultures were taken up by Picasso, Henri Matisse, and many of their colleagues. Later in the 20th century, Populární umění a Abstraktní expresionismus came to prominence.

Art Nouveau (c. 1890–1915)

Hlavní článek: secese
Peacock Room; podle James McNeil Whistler; 1876–1877; Volnější galerie umění (Washington DC., USA)
Comparison between a mid-19th century Japanese vase from the, in the Muzeum umění v okrese Los Angeles (USA), and a French Art Nouveau vase from circa 1885, in the Metropolitní muzeum umění (New York City)
Comparison between flower clusters of Wisteria frutescens a Tiffany sklo Art Nouveau table Lamp from circa 1902, in the Muzeum výtvarných umění ve Virginii (Richmond, USA)

Art Nouveau is an international styl of art, architecture and užité umění, zejména dekorativní umění, characterised by its two main sources of inspiration: use of plant-shaped ornaments (sinuous curves); and historical art styles (like gotický, keltský, byzantský, Rokoko a Barokní ), zvláště Japonské umění.

The cult of nature, with its sinuous curves and tendrils of ivy that almost appear to take root within an item of furniture or decorative arts, was a popular theme for Art Nouveau. It was through this medium that women were most often portrayed as stylised objects rather than people. Through the use of nature as an idiom, designers hoped to incorporate all aspects of life into a single object or interior: the outside was brought inside and the human relationship with the environment was explored.

In Spain, Italy, Russia and the US artists and designers added to the novel and fascinating interpretations of Art Nouveau. Every culture drew on different sources of inspiration including gotický, keltský, byzantský, Rokoko a Barokní. While historical influences were present they could not be justified unless they were approached with innovation rather than tradition. The portrayal of women in art at the turn of the century highlights another important challenge to contemporary societies. In many instances women were depicted as fantasy figures, interplaying with nature, united with it. By contrast, the gritty realism of paintings by Henri de Toulouse-Lautrec demonstrated that women could be portrayed as genuine people involved in mundane aspects of their daily lives.[147]

The earliest influences of Art Nouveau began to emerge in England among figures such as John Ruskin, Prerafaelitské bratrstvo, Edward Burne-Jones, William Morris a Hnutí umění a řemesel, which paralleled some aspects of symbolist sensibilities in France and Belgium at that time. Art Nouveau is closely allied and intermingled with symbolism. The term Art Nouveau is most often applied to architecture, crafts, and decorative arts, while symbolism is more commonly used for fine arts like painting and sculpture as well as poetry and literature, however there are no hard, defining lines between the two. Art Nouveau was an international movement that spread throughout Europe and North America reaching its peak around 1890–1905. It perhaps found its greatest expressions in architecture, influenced by theorist and historian Eugène Viollet-le-Duc, and seen in the work of Victor Horta, Hector Guimard, Louis Sullivan, a Antoni Gaudí. However extraordinary examples of the style appeared in interior design, furniture, wallpaper, textiles, mosaics, ceramics, metalworking, jewelry, art glass, stain glass windows, and other decorative and applied arts produced by Charles Rennie Mackintosh, Peter Carl Fabergé, Émile Gallé, René Lalique, Louis Comfort Tiffany, a mnoho dalších. Japanese art, particularly the dřevoryty, with design concepts that were new to Europeans began to appear and found receptive audiences there, where graphic artist such as Aubrey Beardsley, Jules Chéret, Walter Crane, Eugène Grasset, Alfons Mucha, a Henri de Toulouse-Lautrec designed innovative posters, advertising, fashions, book binding, frontispieces, and illustrations.[148][149]

Art Nouveau often abandoned geometric forms and angles in favor of arabesque lines suggestive of vegetation, winding vines, and other elements of nature. Many artisans sought to breakdown the divide between fine art, applied art, and decorative art and merge them all into every aspect of daily life. Individual artist frequently moved back and forth between various disciplines and worked in several media. It was not unusual for architects to produce the furniture and other furnishings for the houses and building they designed, for painters to design advertising posters and book illustrations, or jewelers to produce art glass, and stain glass windows.[148][149]

Fauvismus (kolem 1898–1908)

Hlavní článek: Fauvismus
Life Class at the École des Beaux-Arts; podle Albert Marquet; 1898; oil on canvas, 73 × 50 cm; Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, France

Fauvism emerged from post-impressionism, gradually developing into the first major movement of the 20th century. Its genesis was in 1895 when Henri Matisse, the oldest and central figure, entered the studio of Gustave Moreau na Ecole des Beaux-Arts. Tam se setkal Georges Rouault, Charles Camoin, Henri Manguin, a Albert Marquet. Marquet said "As early as 1898 Matisse and I were working in what was later to be called the Fauve manner. The first exhibitions at the Indepéndants in which we were, I believe, the only ones to paint in pure tones, go back to 1901."[151] By 1902–03 the circle of like-minded artist had grown to include Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Othon Friesz, Jean Metzinger, Jean Puy, Louis Valtat, Kees van Dongen, a Maurice de Vlaminck. During this period a number of influential retrospective exhibitions were held in Paris: Seurat (1900, 1905), Van Gogh (1901, 1905), Toulouse-Lautrec (1902), Gauguin (1906), Cezanne (1907), all relatively unknown to the public at that time. Matisse and Derain collected African carvings, a novel but growing curiosity of the time. Matisse spent the summer of 1904 in Saint-Tropez painting with the neo-impressionist Paul Signac a Henri-Edmond Cross, followed in1905 by Camoin, Manguin, and Marquet. The artist exhibited regularity at the Salon des Indepéndants a Salon d'Automne 1903–1908 and in 1905 their work created a sensation and a scandal. Matisse stated "We were exhibiting at the Salon d'Automne, Derain, Manguin, Marquet, Puy, and a few others were hung together in one of the larger galleries. In the center of this room the sculptor Značka exhibited a bust of a child very much in the Italian style. Vauxcelles [art critic for Gil Blas ] entered the room and said, Well! well! Donatello in the mist of wild beasts! [Donatello chez les fauves]."[152] The movement had not been perceived as an entity by the public, but once published the name stuck. Unlike the impressionist and their long struggle for acceptance, the avant-garde had an eager audience by 1906–1907 and the fauvist were attracting collectors from America to Russia. Nicméně fauvismus se do značné míry rozpustil v roce 1908, když se objevil kubismus, většina umělců začala zkoumat jiné styly a pohybovat se různými směry. Pouze Matisse a Dufy pokračovali ve zkoumání fauvismu do 50. let.[151][152][153][154][155]

Fauvista maloval krajiny en plenér, interiéry, postavy a zátiší, následující příklady realismu, impresionismu a postimpresionismu. Nanášeli barvu volnými tahy štětcem, v hustých, nepřirozených, často kontrastních, zářivých barvách, někdy přímo z tuby. Gauguinův vliv, jeho zkoumání výrazových hodnot a prostorových aspektů vzorování s plochými, čistými barvami, stejně jako jeho zájem o primitivismus byly významné, stejně jako neoimpresionismus. Matisse vysvětlil - po dlouhou dobu sloužila barva jako doplněk designu, renesanční malíři zkonstruovali obraz po řádku a poté přidali místní barvu - psaní: „Od Delacroix Van Goghovi a hlavně Gauguinovi, prostřednictvím impresionisty, který uvolnil půdu, a Cézanna, který dal poslední impuls a představil barevné svazky, můžeme sledovat tuto rehabilitaci funkce barvy, obnovení její emoční síly “[151] Fauvismus byl vyvrcholením posunu od kresby a čáry jako základních základů designu v malbě k barvě a zobrazovaly své předměty na pokraji abstrakce.[151][152][153][154][155]

  • Le bonheur de vivre tím, že Henri Matisse; 1905–1906; olej na plátně; 175 × 241 cm; Barnesova nadace

  • Domy na Chatou; podle Maurice de Vlaminck; ca. 1905; olej na plátně, 81 × 101 cm; Art Institute of Chicago (USA)

  • Fauve krajina; podle Louis Valtat; 1905–1906; olej na plátně; Muzeum rychlého umění, Louisville, Kentucky

  • Charing Cross Bridge, Londýn; podle André Derain; 1906; olej na plátně, 80,3 × 100,3 cm .; Národní galerie umění, Washington, DC.

  • La Ciotat; podle Othon Friesz; 1907; olej na plátně, 65,7 x 81 cm .; sbírka neznámá

Expresionismus (c. 1905–1933)

Hlavní článek: Expresionismus
Dívka pod japonským deštníkem; podle Ernst Ludwig Kirchner; 1906; olej na plátně, 36,5 × 31,5; Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Německo

Expresionismus byl mezinárodní hnutí v malířství, sochařství, grafice, poezii, literatuře, divadle, filmu a architektuře. Někteří sdružují Druhá vídeňská škola a další hudba období s pohybem. Většina historiků staví počátek expresionismu v roce 1905 založením Die Brücke. Několik umělců však produkovalo vlivné dílo, které bylo v duchu expresionismu kolem roku 1885–1905 včetně Lovis Corinth, James Ensor, Käthe Kollwitz, Paula Modersohn-Becker, Edvard Munch, Emil Nolde, a Christian Rohlfs mezi ostatními. Mnoho z těchto umělců později vystavovalo a sdružovalo se s různými expresionistickými skupinami. Expresionistická malba se vyznačuje volnou, spontánní, často silnou, impasto rukopis. Často vyjadřovalo, jak se umělec cítí o svém tématu, na rozdíl od toho, jak to vypadalo, a dal intuici a vnitřní pocity přes realistická zobrazení nebo umělecké teorie. Expresionismus byl často naplněn úzkostí nebo radostí a celková angažovanost v současném životě a sociálních otázkách, která často chyběla v zaměření fauvismu na design a barvu aplikovanou na neutrální subjekty. Dřevoryty jsou zvláště pozoruhodné v expresionismu. Expresionismus se někdy může překrývat a integrovat s jinými styly a pohyby, jako např symbolismus, fauvismus, kubismus, futurismus, abstrakce a dada. Několik skupin a frakcí expresionismu se objevilo v různých dobách a místech.[110][116][156][157][158]

Die Brücke (Most: 1905-1913) usiloval o propojení „všech revolučních a prudkých prvků“.[157] Bylo založeno čtyřmi studenty architektury Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, a Fritz Bleyl. Sdílením ateliéru v Drážďanech vyráběli obrazy, řezbářské práce, tisky a organizovali výstavy, které se v létě oddělovaly od samostatné práce. Jejich první exponát byl v roce 1905, později se k nim připojil Emil Nolde a Max Pechstein v roce 1906 a Otto Mueller v roce 1910 mimo jiné. Vlivy zahrnuty Gotické umění, primitivismus, secese a zejména vývoj v Paříži Van Gogh a fauvismus. Skupina se přesunula do Berlína v roce 1911 a později se rozpustila v roce 1913. Der Blaue Reiter (The Blue Rider: 1911–1914), založeno Vasilij Kandinskij a Franz Marc, byla relativně neformální skupina, která organizovala výstavy umění z Paříže a Evropy i své vlastní. Byl to jeden z řady stále progresivnějších skupin rozcházejících se z Akademie umění v Mnichově, včetně Mnichovské secese v roce 1892 (realista a impresionista), Phalanx v roce 1901 (postimpresionistický), Neue Kunstler Vereiningung v roce 1909 a The Blue Rider v roce 1911. Mezi umělce sdružené s posledně jmenovanými dvěma skupinami patřili i Burliuk bratři, Heinrich Campendonk, Alexej von Jawlensky, Paul Klee, August Macke, Gabriele Münter, a Marianne von Werefkin. Eufonický almanach Der Blaue Reiter, sbírka vlivných esejů, a Kandinského O duchovním v umění s jeho myšlenkami na neobjektivní umění byly publikovány v roce 1912. Modrý jezdec skončil vypuknutím první světové války, ve které Macke a Marc oba zemřeli.[110][116][156][157][158]

Matka s mrtvým dítětem; podle Kathe Kollwitz; 1903; leptání; Národní galerie umění, Washington DC.

Ostatní umělci jako např Oskar Kokoschka, Egon Schiele, a Richard Gerstl se objevily v Rakousku. Francouzský umělec Georges Rouault a Chaim Soutine měl spřízněnost s pohybem. Sochaři zahrnují Ernst Barlach, Wilhelm Lehmbruck, Gerhard Marcks, a William Wauer. Mezi architekty spojené s expresionismem patří Max Berg, Hermann Finsterlin, Johann Friedrich Höger, Michel de Klerk, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hans Scharoun, Rudolf Steiner, a Bruno Napnutý. Der Sturm (Storm 1910–1932) byl časopis s velkým expresionistickým obsahem, který založil Herwarth Walden, s přidruženou galerií v Berlíně otevřenou v roce 1912 a divadelní společností a školou v roce 1918. Filmy považované za expresionistické, některé považované za klasiku, zahrnují Kabinet Dr. Caligariho (Robert Wiene, 1920), Nosferatu (F. W. Murnau, 1922) a Metropole (Fritz Lang, 1927).[110][116][156][157][158]

Po první světové válce se objevila tendence ustoupit od avantgardy mnoha umělců, viděná v díle původních fauvistů ve 20. letech, Picasso a Stravinského neoklasická období a De Chirico pozdní práce. Tato tendence byla nazývána Nová objektivita (asi 1919–1933) v Německu se na rozdíl od nostalgické povahy této práce jinde vyznačovala deziluzí a nemilosrdnou sociální kritikou. Noví umělci objektivity většinou vzešli z expresionistických a dada prostředí včetně Otto Dix, Christian Schad, Rudolf Schlichter, Georg Scholz, a Jeanne Mammen. Max Beckmann a George Grosz měl také určitou souvislost s novou objektivitou na určité období. Ačkoli to není skutečně expresivní, Staatliches Bauhaus (School of Building: 1919–1933) byla vlivná německá škola spojující řemesla, dekorativní a výtvarné umění. Po přechodu z Weimaru do Dessau do Berlína se to časem změnilo a vyvinulo. Ředitelé včetně architektů Walter Gropius (1919–1928), Hannes Meyer (1928–1930) a Ludwig Mies van der Rohe (1930–1933). V různých bodech fakulta zahrnovala Josef Albers, Theo van Doesburg, Lyonel Feininger, Johannes Itten, Paul Klee, Vasilij Kandinskij, El Lissitzky, Gerhard Marcks, László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer. Architekti Bauhausu velmi ovlivnili Mezinárodní styl, který se vyznačoval zjednodušenými formami, nedostatkem ornamentů, spojením designu a funkce a myšlenkou, že hromadná výroba může být kompatibilní s osobním uměleckým viděním. Jako Nacistická strana vzrostl k moci, moderní umění bylo nazváno "zdegenerované umění „a Bauhaus byl uzavřen v roce 1933 a několik let podmanil modernismus v Německu.[110][116][156][157][158]

Kubismus

Hlavní článek: Kubismus

Kubismus spočívalo v odmítnutí perspektivy, což vede k nové organizaci prostoru, kde se množí pohledy, které vytvářejí fragmentaci objektu, která činí zjevnou zálibu ve formě nad obsahem reprezentace. Pablo Picasso, Georges Braque a další kubističtí umělci se nechali inspirovat sochami Iberia, Afrika a Oceánie vystaveny v Louvre a etnografické muzeum v Trocadéro, a které byly nabízeny na uprchlých trzích a v prodejních místnostech.

„Picasso studuje předmět tak, jak chirurg pitvá mrtvolu,“ napsal kritik a básník Guillaume Apollinaire v roce 1913. O pět let dříve, Pablo Picasso a Georges Braque - přátelé, kolegové a soupeři - začali odmítat perspektivu realismus pro formu umělecké pitvy: naprosto revoluční malířský styl, který se dívá dovnitř a kolem objektů a prezentuje je analyticky, objektivně a zcela neosobně.[159]

Surrealismus (c. 1924–1950)

The Elephant Celebes; podle Max Ernst; 1921; olej na plátně; 125,4 × 107,9 cm; Tate Modern (Londýn)

Surrealismus se ukázal jako frakce Dada, formálně oznamující jeho vznik v roce 1924 s André Breton Manifest surrealismu.[160] Původně literární skupina básníků a spisovatelů v Paříži se brzy vyvinula v mezinárodní hnutí zahrnující malíře, sochaře, fotografy a filmaře. A Druhý Manifeste du Surréalisme byla zveřejněna v roce 1929.[161] Surrealismus neměl výrazný výraz v užitém nebo dekorativním umění, architektuře nebo hudbě, ačkoli bylo možné identifikovat několik ojedinělých příkladů (např. Šachové soupravy, nábytek a Las Pozas ). Malý a krátkodobý Metafyzická škola (asi 1910–1921), s Giorgio de Chirico jako hlavní postava měla velký vliv na surrealismus. Surrealistka prozkoumala nesčetné množství inovativních technik, některé byly nedávno vyvinuty v kubismu a dadě, jiné byly nové, včetně koláž, nalezené předměty, shromáždění, náhodná náhoda, rayografy (fotogramy), malba na písku, kapající a mrštící barva, dekalkomanie, frotáž, fumage a raclage. Surrealistické umění převládají dva základní přístupy. Automatismus v prvních letech dominoval, což lze vidět v díle umělce jako André Masson a Joan Miró. Jiný umělec, pod vlivem práce Giorgia de Chirica, použil tradiční metody a média k ilustraci nefiltrovaných myšlenek a nepřiměřených vzájemných podob, včetně Salvador dali a René Magritte. Mezi významné umělce patří Jean Arp, Hans Bellmer, Victor Brauner, Luis Buñuel, Joseph Cornell, Óscar Domínguez, Max Ernst, Wifredo Lam, Yves Tanguy, Muž Ray, Alberto Giacometti, Méret Oppenheim, a Roberto Matta. Mezi další významné umělce neformálně oslovené surrealismem patří Marcel Duchamp, Pablo Picasso, a Frida Kahlo. Surrealistické myšlenky a teorie byly diskutovány v po sobě jdoucích sériích časopisů, La Révolution Surréaliste (1924–1929), Le Surrealisme au service de la revoluce (1930–1933), Minotaura (1933–1939), VVV (1942–1944). Automatické obrazy vytvořené André Massonem a Junou Miró, stejně jako zpoždění surrealismu jako Roberto Matta a Arshile Gorky měl značný vliv na abstraktní expresionista na konci 40. let.[162][163][164][165][166][167]

S mírou Dadovy neúcty a pohrdání tradičními politickými, náboženskými a buržoazními hodnotami západní kultury, o nichž věřili, že vedly svět do první světové války (Breton a další zakládající členové byli veteráni); surrealistka prozkoumala možnosti, které se otevřely Sigmund Freud týkající se podvědomí: „Čistý psychický automatismus, kterým má člověk v úmyslu vyjádřit slovně, písemně nebo jakoukoli jinou metodou, skutečné fungování mysli. Diktát myšlenkou, při absenci jakékoli kontroly vykonávané rozumem a mimo jakoukoli jinou estetická nebo morální starost. “ [160] Surrealismus se snažil vyjádřit čistou myšlenku, nefiltrovanou a necenzurovanou politickými, náboženskými, morálními nebo racionálními principy.[162][163][164][165][166][167]

  • Věštec; podle Giorgio de Chirico; 1914–15; olej na plátně, 89,6 × 70,1 cm, Muzeum moderního umění, New York

  • Krajina (Kobylka); podle Joan Miró; 1926; olej na plátně, 114 × 146 cm. Goulandris Museum of Contemporary Art, Athény

  • Časově omezený; podle René Magritte; 1938; olej na plátně, 147 × 98,7 cm .; Art Institute of Chicago, Chicago (USA)

  • Signe (Le vent)tím, že Victor Brauner; 1942; bílý mramor, 31 cm, Cimetière de Montmartre, Paříž

Pozdní 20. a počátek 21. století

Hlavní článek: Soudobé umění
Knihy o umění prodávané v Cărturești Carusel (Bukurešť, Rumunsko ), v dubnu 2019

Rychlý pokrok ve vědě a technologii vedl k pozdní moderní a Postmoderní doba. V těchto obdobích prošlo umění a kultury světa mnoha změnami a mezi kulturami bylo velké množství nových směsí komunikační technologie usnadnil národní i globální šíření hudby, umění a stylu. Oddělení regionálních kultur, které poznamenalo 19. století, bylo nahrazeno globální kulturou. Postmodernismus popisuje široké hnutí, které se vyvinulo v polovině 20. století napříč filozofií, uměním, architekturou a kritikou a které znamenalo odklon od modernismu.[168][169][170] Jeden současný pohled na postmoderní umění ukazuje, že jej lze chápat jako expanzi technologicky založených médií umožňujících více nových forem umění současně.[171] Přechod od lineárních uměleckých směrů moderní éry počátku 20. století k více současným pohybům postmoderny minulého 20. století je uveden v Časová osa umění 20. C a nová média.[172] Mezi umělecká hnutí specifická na konci 20. a na počátku 21. století patří land art, video umění, fotorealismus, hyperrealismus, a digitální umění.

Viz také

Reference

  1. ^ A b Callaway, Ewen (2014). „Homo erectus vyrobil nejstarší sváteční logo na světě před 500 000 lety“. Zprávy o přírodě. doi:10.1038 / příroda.2014.16477. S2CID  164153158.
  2. ^ A b Brahic, Catherine (3. prosince 2014). „Umění„ mušle “vzniklo 300 000 let předtím, než se lidé vyvinuli“. Nový vědec. Citováno 29. září 2018.
  3. ^ Yiśraʼel (Jeruzalém), Muzeʼon; Muzeum (Jeruzalém), Izrael (1986). Poklady Svaté země: Starověké umění z Izraelského muzea. Metropolitní muzeum umění. p. 29. ISBN  9780870994708.
  4. ^ "Kůň z jeskyně Hayonim, Izrael, 30 000 let" v Israel Museum Studies in Archaeology. Samuel Bronfman Biblické a archeologické muzeum Izraelského muzea. 2002. s. 10.
  5. ^ "Hayonimský kůň". museums.gov.il.
  6. ^ Bar-Yosef, Ofer; Belfer-Cohen, Anna (1981). Aurignacien v Hayonimské jeskyni. str. 35–36.
  7. ^ Sale, Kirkpatrick (2006). After Eden: The Evolution of Human Dominance. Duke University Press. p. 57. ISBN  9780822339380.
  8. ^ A b C St. Fleur, Nicholas (12. září 2018). „Nejstarší známá kresba lidskými rukama objevená v jihoafrické jeskyni“. The New York Times. Citováno 15. září 2018.
  9. ^ „Neandertálci nebyli nižší než moderní lidé, studijní nálezy“. ScienceDaily. 30.dubna 2014.
  10. ^ E., de Lazaro (18. ledna 2017). „Neandertálci schopní začlenit do své kultury symbolické předměty, navrhuje objev“. Sci novinky.
  11. ^ N. Branan (2010). „Neandertální symbolika: Důkazy naznačují biologický základ pro symbolické myšlení“. Scientific American.
  12. ^ Blundell, Geoffrey (2006). Origins: The Story of the Emergence of Humans and Humanity in Africa. Juta and Company Ltd. str. 63. ISBN  9781770130401.
  13. ^ Gardner & Kleiner 2009, str. 2.
  14. ^ Dissanayke (1974): DOI: 10,2307 / 1572893
  15. ^ Morriss-Kay (2009: url:https://doi.org/10.1111/j.1469-7580.2009.01160.x )
  16. ^ Morriss-Kay (2009): https://doi.org/10.1111/j.1469-7580.2009.01160.x
  17. ^ Bar-Yosef (2007), s. 3–18: https://doi.org/10.1177/0392192107076869
  18. ^ https://doi.org/10.1111/j.1469-7580.2009.01160.x
  19. ^ Haidle (2014), s. 244–245
  20. ^ Gardner & Kleiner 2009, s. 3–4.
  21. ^ McCoid, Catherine Hodge; McDermott, Leroy D. (1996). „Směrem k dekolonizaci pohlaví: ženské vidění v horním paleolitu“. Americký antropolog. 98 (2): 319–326. doi:10.1525 / aa.1996.98.2.02a00080. JSTOR  682890.
  22. ^ Čest, H .; Fleming, J. (2005). Světové dějiny umění. Laurence King. ISBN  978-1-85669-451-3. Citováno 2015-11-20.
  23. ^ Honor-Fleming (2002), s. 36–44.
  24. ^ Drimba, Ovidiu (1985). Istoria Culturii Civili Civilizației (v rumunštině). Editura științifică și enciclopedică. p. 33.
  25. ^ A b C Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 3. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  26. ^ Onians 2004, s. 20–25.
  27. ^ Drimba, Ovidiu (1985). Istoria Culturii Civili Civilizației (v rumunštině). Editura științifică și enciclopedică. p. 52.
  28. ^ Gardner & Kleiner 2009, str. 12.
  29. ^ Azcárate (1983), s. 24–28.
  30. ^ Onians 2004, s. 30–31.
  31. ^ Azcárate (1983), s. 36–44.
  32. ^ Azcárate (1983), s. 29–34.
  33. ^ McIntosh, Jane (2008). The Ancient Indus Valley: New Perspectives. ABC-CLIO. p. 248. ISBN  978-1-57607-907-2.
  34. ^ Keay, John, Indie, historie. New York: Grove Press, 2000.
  35. ^ A b Marshall, John (1931). Mohenjo Daro and the Indus Civilization Vol-i (1931). p. 45.
  36. ^ A b Gregory L. Possehl (2002). Civilizace Indus: Současná perspektiva. p. 111. ISBN  9780759101722.
  37. ^ Possehl, Gregory L. (2002). Civilizace Indus: Současná perspektiva. Rowman Altamira. 111–112. ISBN  9780759101722.
  38. ^ Marshalle, sire Johne. Mohenjo-Daro and the Indus Civilization, 3 vols, London: Arthur Probsthain, 1931
  39. ^ Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 25. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  40. ^ Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 30. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  41. ^ Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 36. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  42. ^ Mattinson, Lindsay (2019). Porozumění architektuře Průvodce architektonickými styly. Jantarové knihy. p. 21. ISBN  978-1-78274-748-2.
  43. ^ "Fénické umění" (PDF). The New York Times. 1879-01-05. Citováno 2008-06-20.
  44. ^ Boardman, John (1993). Oxfordské dějiny klasického umění. Oxford: Oxford University Press. 350–351. ISBN  0-19-814386-9.
  45. ^ Waldman & Mason 2006, str. 208.
  46. ^ MacKenzie 1986, str. 25.
  47. ^ Mountain 1998, str. 59.
  48. ^ Alexander, Robert L. (1986). Socha a sochaři Yazılıkaya. Newark: University of Delaware Press. p. 122.
  49. ^ C.C. Lamberg-Karlovsky, „Archeologie a jazyk: Indoiránci“, Současná antropologie, sv. 43, č. 1 (únor 2002).
  50. ^ Kohl 2007, s. 196–199.
  51. ^ V. M. Masson, „Doba bronzová v Khorasanu a Transoxianě“, kapitola 10 v A.H. Dani a Vadim Michajlovič Masson (eds.), Dějiny civilizací Střední Asie, hlasitost 1: Úsvit civilizace: nejdříve 700 let před naším letopočtem (1992).
  52. ^ Caubet, Annie (2019). Modly Síla obrázků. Rizzoli International Publications. p. 221. ISBN  978-88-572-3885-2.
  53. ^ Například Megaws; viz jejich úvodní část, kde vysvětlují situaci & že jejich článek bude pokrývat pouze laténské období.
  54. ^ „Technologies of Enchantment: Early Celtic Art in Britain“. britské muzeum. Archivovány od originál dne 04.08.2012. Používá ho také Jacobsthal; ekvivalent „pozdního keltského umění“ pro raně středověké dílo je však mnohem vzácnější a „pozdní keltské umění“ může také znamenat pozdější část prehistorického období.
  55. ^ Laings, 6–12
  56. ^ A b Cotterell, 161–162
  57. ^ Edward Lipiński, Karel van Lerberghe, Antoon Schoors; Karel Van Lerberghe; Antoon Schoors (1995). Imigrace a emigrace na starověkém Blízkém východě. Vydavatelé Peeters. p. 119. ISBN  978-90-6831-727-5.CS1 maint: více jmen: seznam autorů (odkaz); Cotterell, 162
  58. ^ Toynbee, J. M. C. (prosinec 1971). „Římské umění“. Klasický přehled. 21 (3): 439–442. doi:10.1017 / S0009840X00221331. JSTOR  708631.
  59. ^ Diehl, Richard A. (2004). Olmékové: První americká civilizace. Londýn: Temže a Hudson. str.9–25. ISBN  978-0-500-28503-9.
  60. ^ A b Coe (2002), str. 62.
  61. ^ Coe (2002), str. 88 a další.
  62. ^ Philip Khuri Hitti (2002), History of the Arabs, Revised: 10th Edition
  63. ^ Leidy, Denise Patry (14. září 2012). „Vývoj čínské keramiky a její globální vliv jsou tématem zcela nové instalace na balkoně Velké síně Metropolitního muzea“. Metropolitní muzeum umění. Citováno 29. září 2018.
  64. ^ Benson (1996), str. 263.
  65. ^ 32 000 LET UMĚNÍ. Phaidob. 2007. str. 142. ISBN  978-0-7148-7729-7.
  66. ^ Grann, David (2009). The Lost City of Z: A Tale of Deadly Obsession in the Amazon. p.315. ISBN  978-0-385-51353-1.
  67. ^ Historie - Galerie umění Winnipeg
  68. ^ "Muzeum inuitského umění". Archivovány od originál dne 22.04.2018. Citováno 2020-01-15.
  69. ^ „Malé, ale mocné“ kanadské muzeum inuitského umění zavírá své brány
  70. ^ Řezbářské práce Nunavut
  71. ^ A b Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 66. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  72. ^ A b Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 68. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  73. ^ Harle, 26–47, 105–117
  74. ^ Harle, 59–70
  75. ^ "Pala India, Maitreya - stojící". Himalayanbuddhistart. WordPress.com. 16. října 2016. Citováno 29. září 2018.
  76. ^ Catherine Noppe, Jean-François Hubert (2003). Umění Vietnamu. Parkstone Press Ldt. p. 106. ISBN  1-85995-860-5.
  77. ^ Steven R. Fischer. Ostrov na konci světa. Reaktion Books 2005 ISBN  1-86189-282-9
  78. ^ Ostrov na konci světa. Reaktion Books 2005 ISBN  1-86189-282-9
  79. ^ Peter Brunt, Nicholas Thomas (2018). Oceánie. Královská akademie umění. p. 104.
  80. ^ A b Peter Brunt, Nicholas Thomas (2018). Oceánie. Královská akademie umění. p. 299.
  81. ^ Michelis 1946; Weitzmann 1981.
  82. ^ Kitzinger 1977, str. 1‒3.
  83. ^ Fortenberry, Diane (2017). Muzeum umění. Phaidon. p. 115. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  84. ^ „Slovník historiků umění: Janitschek, Hubert“. Citováno 2013-07-18.
  85. ^ Suckale-Redlefsen, 524
  86. ^ * Maurizio Tani, Le origini mediterranee ed eurasiatiche dell’arte vichinga. Casi esemplari dall’Islanda, v Studi Nordici (Roma), XIII, 2006, s. 81–95
  87. ^ Caviness, Madeline H. (2001). Přerámování středověkého umění: rozdíl, okraje, hranice. Medford, MA: Tufts University - via http://dca.lib.tufts.edu/caviness/.
  88. ^ Koslin, Desirée (1990). „Turning Time in the Bayeux Embroidery“. Textil a text. 13: 28–29.
  89. ^ Bertrand, Simone (1966). La tapisserie de Bayeux. La Pierre-qui-Vire: Zodiaque. p. 23. et combien pauvre alors ce nom de broderie nous apparaît-il!
  90. ^ Fortenberry, Diane (2017). Muzeum umění. Phaidon. p. 149. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  91. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 52 a 53.
  92. ^ Fortenberry, Diane (2017). Muzeum umění. Phaidon. p. 151. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  93. ^ Fortenberry, Diane (2017). Muzeum umění. Phaidon. p. 152. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  94. ^ A b Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 156. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  95. ^ Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 243. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  96. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 153.
  97. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 168.
  98. ^ Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 259. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  99. ^ Mattinson, Lindsay (2019). Porozumění architektuře Průvodce architektonickými styly. Jantarové knihy. p. 83. ISBN  978-1-78274-748-2.
  100. ^ A b Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 267. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  101. ^ Bailey, Gauvin Alexander (2012). Baroko a rokoko. Phaidon. p. 272. ISBN  978-0-7148-5742-8.
  102. ^ A b Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 265. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  103. ^ Mattinson, Lindsay (2019). Porozumění architektuře Průvodce architektonickými styly. Jantarové knihy. p. 95. ISBN  978-1-78274-748-2.
  104. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 160.
  105. ^ Peter Delius, Verlag (2017). Arta - ilustrační obrázek - (v rumunštině). Litera. p. 274.
  106. ^ Bailey, Gauvin Alexander (2012). Baroko a rokoko. Phaidon. p. 279 a 281. ISBN  978-0-7148-5742-8.
  107. ^ Jones, Denna (2014). Architektura Celá historie. Temže a Hudson. p. 262. ISBN  978-0-500-29148-1.
  108. ^ Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 273. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  109. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 223 a 224.
  110. ^ A b C d E F G h Arnason, H. H. (1977), 2. vydání. Dějiny moderního umění: malířství, sochařství, architektura. Harry N. Abrams, Inc., New York. 740 stran
  111. ^ A b C d E Janson, H. W. (1977), 2. vydání. Dějiny umění. Harry N. Abrams, Inc., vydavatelé. New York, 767 stran ISBN  0-8109-1052-7
  112. ^ Starobinski, Jean (1964) Umění, nápady, historie: Vynález svobody 1700–1789. Vydání D'Art Albert Skira, Ženeva. 222 stran
  113. ^ Keyser, Eugénie (1965) Umění, nápady, historie: Romantický západ 1789–1850. Vydání D'Art Albert Skira, Ženeva. 210 stran
  114. ^ A b C d Ponente, Nello. (1965) Struktury moderního světa 1850–1900. Editions d'Art Albert Skira, Ženeva, 210 stran
  115. ^ A b C Rolf Toman, editor (2000). Neoklasicismus a romantismus. Könemann Verlaagsgesellschaft mbH, 520 stran
  116. ^ A b C d E F G Daval, Jean-Luc (1979) Moderní umění, rozhodující roky. 1884–1914. Skira / Rizzoli International Publishing. New York, N.Y. 221 s. ISBN  0-8478-0212-4
  117. ^ A b Michel Le Bris (1981). Romantici a romantismus. Skira / Rizzoli International Publications, Inc. New York, 215 stran
  118. ^ Jean Clay (1980). Romantismus. Chartwell Books, Inc. Secaucus, New Jersey, 320 stran
  119. ^ Francis Claudon (1980). Stručná encyklopedie romantismu. Chartwell Books, Inc. Secaucus, New Jersey, str.
  120. ^ Leymarie, Jean (1962) Francouzská malba, devatenácté století. Edice d'Art Albert Skira. Ženeva, 229 stran
  121. ^ Blunden, Maria; Blunden, Godfrey; Daval, Jean-Luc (1976). Impresionisté a impresionismus. New York: Skira / Rizzoli International Publication, Inc. str. 239. ISBN  0-8478-0047-4.
  122. ^ Editors of Réalités pod vedením Jean Clay (1973) Impresionismus. Chartwell Books Inc., Secaucus, 320 stran ISBN  0-399-11039-9
  123. ^ Faunce, Sarah (1993) Courbet. Harry N. Abrams, Inc., vydavatelé. New York, 128 stran ISBN  0-8109-3182-6
  124. ^ A b Blunden, Maria a Godfrey Blunden (1976) Impresionisté a impresionismus. Rizzoli International Publications, Inc. / edice D'Art Albert Skira, Ženeva. 239 stran ISBN  0-8478-0047-4
  125. ^ A b Courthion, Pierre (1979) Impresionismus, Knihovna velkých uměleckých hnutí. Harry N. Abrams, Inc., vydavatelé, New York (USA). 205 stran
  126. ^ A b Leymarie, Jean (1955) Impresionismus, sv. 11 & 12: The Taste of Our Time. Vydání D'Art Albert Skira, Ženeva. 117 a 137 stran.
  127. ^ A b C Delevoy, Robert L. (1978) Symbolisté a symbolismus. Skira / Rizzoli International Publications, Inc., New York, 247 stran ISBN  0-8478-0141-1
  128. ^ A b C Jean Cassou (1979) Stručná encyklopedie symbolismu. Chartwell Books, Inc., Secaucus, New Jersey, 292 stran ISBN  0-89009-706-2
  129. ^ Morris, Roderick Conway. „Nepolapitelné symbolistické hnutí“. International Herald Tribune, 17. března 2007.
  130. ^ Nikolaus Pevsner, Průkopníci moderního designu, Yale University Press, 2005, ISBN  0-300-10571-1
  131. ^ Edyta Barucka (2010). „Předefinování polštářství: Oživení řemesel v Haliči kolem roku 1900“. Acta Slavica Iaponica. 28: 83, 86.
  132. ^ Raynal, M. (1954) Cezanne: Biografická a kritická studie: Chuť naší doby, sv. 8. Edice D'Art Albert Skira, Ženeva, 139 stran
  133. ^ Schapiro, M. (1963) Cézanne: Knihovna velkých malířů. Harry N. Abrams, Inc., Publishers, New York, 127 stran
  134. ^ Estienne, C. (1953) Gauguin: Biografické a kritické studie: Chuť naší doby, sv. 1. Edice D'Art Albert Skira, Ženeva, 115 stran
  135. ^ Goldwater, R. (1972) Gauguin: Knihovna velkých malířů. Harry N. Abrams, Inc., Publishers, New York, 160 stran
  136. ^ Courthion, P. (1968) Seurat: Knihovna velkých malířů. Harry N. Abrams, Inc., Publishers, New York, 160 stran
  137. ^ Alexandrian, S. (1980) Seurat. Crown Publishers, Inc., New York, 96 stran ISBN  0-517-54106-8
  138. ^ Estienne, C. (1953) Van Gogh: Kritická studie: Chuť naší doby, sv. 2. Edice D'Art Albert Skira, Ženeva, 127 stran.
  139. ^ Schapiro, M. (1950) Van Gogh: Knihovna velkých malířů. Harry N. Abrams, Inc., Publishers, New York, 131 stran
  140. ^ Lassaigne, J. (1953) Lautrec: Biografické a kritické studie, Chuť naší doby, sv. 3. Edice D'Art Albert Skira, Ženeva, 121 stran
  141. ^ Cooper, D. (1966) Toulouse-Lautrec: Knihovna velkých malířů. Harry N. Abrams, Inc., Publishers, New York, 152 stran
  142. ^ A b Raynal, Maurice (1953) Moderní malba: Malba, barva, historie. Editions D'Art Albert Skira, Ženeva, 339 stran. [Přeložil Stuart Gilbert do angličtiny]
  143. ^ Preston, S. (1974) Vuillard: Knihovna velkých malířů. Harry N. Abrams, Inc., Publishers, New York, 160 stran
  144. ^ Warnod, J. (1989) Vuillard. Crown Publishers, Inc., New York, 96 stran ISBN  0-517-57277-X
  145. ^ Terrasse, A. (1964) Bonnard: Biografická a kritická studie, Chuť naší doby, sv. 42. Edice D'Art Albert Skira, Ženeva, 115 stran
  146. ^ Fermigier, A. (1969) Bonnard: Knihovna velkých malířů. Harry N. Abrams, Inc., Publishers, New York, 160 stran
  147. ^ de la Bedoyere, Camillia (2017). Secese Největší umění na světě. Publikování Flame Tree. p. 16 a 17. ISBN  978-1-78664-470-1.
  148. ^ A b Bouillon, Jean-Paul. 1985. Secese 1870–1914. Skira / Rizzoli International Publications, Inc. New York, 247 stran ISBN  0-8478-0627-8
  149. ^ A b FahrBecker, Gabriele. 1997. Secese. Könemann Verlaagsgesellschaft mbH, 425 stran. ISBN  3-89508-444-1
  150. ^ Andrew, Graham-Dixon (2018). Art The Definitive Visual Guide. DK. p. 387. ISBN  978-0-2412-5710-4.
  151. ^ A b C d Leymarie, J. (1959) Fauvism: Biografická a kritická studie, Chuť naší doby, sv. 28. Edice D'Art Albert Skira, Ženeva. 165 stran.
  152. ^ A b C Clay, Jean, editor (1978) Od impresionismu k modernímu umění 1890–1918. Chartwell Books Inc. Secaucus, New Jersey, 320 stran ISBN  0-89009-544-2
  153. ^ A b Diehl, Gaston (1972) Fauves: Knihovna velkých uměleckých hnutí. Harry N. Abrams, Inc., vydavatelé, New York. 168 stran ISBN  0-8109-0114-5
  154. ^ A b Lassaigne, J. (1959) Matisse: Biografická a kritická studie, Chuť naší doby, sv. 30, Editions D'Art Albert Skira, Ženeva, 139 stran
  155. ^ A b Jacobus, J. (1973) Matisse: Knihovna velkých malířů. Harry N. Abrams, Inc., Publishers, New York, 184 stran
  156. ^ A b C d Daval, J. L. 1980. Avantgardní umění 1914–1939. Mezinárodní nakladatelství Skira / Rizzoli. New York, N.Y. 223 s. ISBN  0-8478-0334-1
  157. ^ A b C d E Dube, W. D. 1983. Expresionisté a expresionismus. Skira / Rizzoli International Publishing. New York, N. Y. 170 s.
  158. ^ A b C d Richard, L. 1978. Stručná encyklopedie expresionismu. Chartwell Books, Inc. Secaucus, N. J. 288 s. ISBN  0-89009-665-1
  159. ^ Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 330. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  160. ^ A b Breton, André (1924) Manifeste du Surréalisme: Poissòn Soluble. Éditions du Sagittaire, Simon Kra, Paříž.
  161. ^ Breton, André (1929) Druhý Manifeste du Surréalisme. La Révolution Surréaliste, č. 12, 15. prosince [znovu vydáno v roce 1930 Simon Kra, Paříž.]
  162. ^ A b Waldberg, Patrick (1962) Surrealismus, The Taste of Our Time, sv. 37, Editions D'Art Albert Skira, Ženeva, 151 s.
  163. ^ A b Rubin, William S. (1968) Dada a surrealistický čl. Harry N. Abrams, Inc., vydavatelé, New York. 525 stran
  164. ^ A b Uwe, M. Schneede (1973) Surrealismus: Knihovna velkých uměleckých hnutí. Vydavatelé Harry N. Abrams, Inc., New York. 144 stran ISBN  0-8109-0499-3
  165. ^ A b Passeron, René (1975). Stručná encyklopedie surrealismu. Chartwell Books, Inc. Secaucus, New Jersey, 288 stran
  166. ^ A b Picon, Gaëtan (1977) Surrealist a surrealismus 1919–1939. Skira / Rizzoli International Publications, Inc., New York, 231. ISBN  0-8478-0041-5
  167. ^ A b Jean, Marcel (1980) Autobiografie surrealismu. Viking Press, New York. 472 stran ISBN  0-670-14235-2 [publikováno současně v Kanadě společností Penguin Books Canada, Ltd.]
  168. ^ „Postmodernismus“. Oxfordské slovníky. Oxford University Press. Citováno 29. září 2018.
  169. ^ Reichl, Ruth (1989). "postmoderní". Slovník amerického dědictví (4. vydání). Houghton Mifflin. Archivovány od originál dne 9. prosince 2008. Citováno 29. září 2018.
  170. ^ Mura, Andrea (2012). „Symbolická funkce transmodernity“ (PDF). Jazyk a psychoanalýza. 1 (1): 68–87. doi:10,7565 / landp.2012.0005. Archivovány od originál (PDF) dne 8. října 2015.
  171. ^ Hoetzlein, Rama (2009). „Co je umění nových médií?“.
  172. ^ Hoetzlein, Rama (2009). „Časová osa 20. umění a nová média“.

Další čtení

  • Adams, Laurie. Umění napříč časem. 3. vyd. Boston: McGraw-Hill, 2007.
  • Bell, Juliane. Mirror of the World: A New History of Art. 2. vydání, London, Thames & Hudson, 2010. ISBN  978-0-500-28754-5
  • Gardner, Helen; Kleiner, Fred S. (2009). Gardnerovo umění v průběhu věků: Globální historie (13. vydání). Austrálie: Thomson / Wadsworth.
  • Gombrich, E.H. Příběh umění. 15. vydání Englewood Cliffs, NJ: Prentice-Hall, 1990.
  • Honor, Hugh a John Fleming. Výtvarné umění: Historie. 5. vyd. New York: Henry N. Abrams, 1999.
  • Honor, Hugh a John Fleming. Světové dějiny umění. 7. vydání Nakladatelství Laurence King, 2005, ISBN  1-85669-451-8, 978-1-85669-451-3
  • Janson, HW a Penelope J.E. Davies. Janson's History of Art: The Western Tradition. 7. vydání Upper Saddle River, NJ: Pearson Prentice Hall, 2007.
  • Oliver Grau (Vyd.): MediaArtHistories, Cambridge / Mass.: MIT-Press, 2007.
  • La Plante, John D. Asijské umění. 3. vyd. Dubuque, IA: Wm. C. Brown, 1992.
  • Phaidon Redaktoři. 30 000 let umění: Příběh lidské kreativity v čase a prostoru, 2. vyd. Londýn: Phaidon Press, 2015
  • Miller, Mary Ellen. The Art of Mesoamerica: From Olmec to Aztec. 4. vydání, Svět umění. London: Thames & Hudson, 2006.
  • Onians, Johne (2004). Atlas světového umění. Londýn: Laurence King Publishing. ISBN  978-1-85669-377-6.
  • Pierce, James Smith a H.W. Janson. Od Abacus k Zeus: Příručka dějin umění. 7. vydání Horní sedlo, NJ: Pearson Prentice Hall, 2004.
  • Pohl, Frances K. Framing America: A Social History of American Art. New York: Thames & Hudson, 2002.
  • Stokstad, Marilyn. Historie umění. 3. vyd. Upper Saddle River, NJ: Pearson Education, 2008.
  • Thomas, Nicholas. Oceánské umění, Svět umění. New York: Thames and Hudson, 1995.
  • Thuillier, Jacques, Histoire de l'art, Paris: Flammarion, 2002. ISBN  2-08-012535-4
  • Thuillier, Jacques, Dějiny umění, Paris: Flammarion, 2002. ISBN  2-08-010875-1
  • Wilkins, David G., Bernard Schultz a Katheryn M. Linduff. Minulost umění, současnost umění. 6. vyd. Upper Saddle River, NJ: Pearson Education, 2008.

externí odkazy

Časové osy