Barokní - Baroque

Pro další použití viz Barokní (disambiguation).

Baroko
WLA metmuseum Venuše a Adonis od Petera Paula Rubensa.jpg
Extáze sv. Terezy HDR.jpg
Wieskirche 1.2.jpg
Horní: Venuše a Adonis podle Peter Paul Rubens (1635–40); Centrum: Extáze svaté Terezy podle Bernini (1651); Spodní část: Wieskirche v Bavorsku (1754)
Aktivní roky17. – 18. Století

The Barokní (Spojené království: /bəˈrɒk/, NÁS: /bəˈroʊk/; Francouzština:[baʁɔk]) je styl z architektura, hudba, tanec, malování, sochařství a další umění, které v Evropě vzkvétalo od počátku 17. století do 40. let 17. století. Na území španělské a portugalské říše včetně Pyrenejského poloostrova to pokračovalo spolu s novými styly až do prvního desetiletí 19. století. Následovalo to Renesanční umění a Manýrismus a předcházel Rokoko (v minulosti často označované jako „pozdně barokní“) a Neoklasicistní styly. To bylo podporováno katolický kostel jako prostředek boje proti jednoduchosti a strohosti protestant architektura, umění a hudba Lutheran barokní umění vyvinut také v některých částech Evropy.[1]

Barokní styl používal kontrast, pohyb, bujné detaily, sytou barvu, majestátnost a překvapení k dosažení pocitu úcty. Styl začal na počátku 17. století v Římě, poté se rychle rozšířil do Francie, severní Itálie, Španělska a Portugalska, poté do Rakouska, jižního Německa a Ruska. Do třicátých let 20. století se z něj vyvinul ještě okázalejší styl, tzv rokajl nebo Rokoko, který se ve Francii a střední Evropě objevil až do poloviny 18. století.

V dekorativní umění, styl využívá bohatou a složitou výzdobu. Odchod od renesančního klasicismu má v každé zemi své vlastní způsoby. Obecným rysem však je, že všude jsou výchozím bodem ozdobné prvky zavedené renesance. Klasický repertoár je přeplněný, hustý, překrývající se, nabitý, aby vyvolal šokové efekty. Nové motivy zavedené barokem jsou: kartuše, trofeje a zbraně, koše s ovocem nebo květinami a další, vyrobené v intarzie, štuk nebo vyřezávané.[2]

Původ slova

Přívěsek ve formě sirény vyrobený z barokní perla (trup) se smaltovanými zlatými držáky zasazenými do rubínů, pravděpodobně kolem roku 1860, v Metropolitní muzeum umění (New York City)

Anglické slovo barokní pochází přímo z francouzština (jak může naznačovat moderní standardní anglický pravopis). Někteří vědci uvádějí, že francouzské slovo pochází z portugalského výrazu barokní („chybná perla“), ukazuje na[je zapotřebí objasnění ] latina bradavice,[3] („bradavice“) nebo na slovo s příponou -ǒccu (běžné v předrománské Iberii).[4][5][6] Jiné zdroje naznačují a Středověká latina termín používaný v logice, baroko, jako nejpravděpodobnější zdroj.[7]

V 16. století středověké latinské slovo baroko přesáhl školní logiku a začal používat k charakterizaci všeho, co se zdálo absurdně složité. Francouzský filozof Michel de Montaigne (1533–1592) tento termín spojil baroko s „Bizarní a zbytečně komplikované.“[8] Jiné časné zdroje se sdružují baroko s magií, složitostí, zmatkem a přebytkem.[7]

Slovo barokní byl také spojován s nepravidelnými perlami před 18. stoletím. Francouzi barokní a portugalštině barokní byly výrazy často spojené se šperky. Příklad z roku 1531 používá tento výraz k popisu perel v soupisu Charles V Francie je[je zapotřebí objasnění ] poklady.[9] Později se toto slovo objeví ve vydání z roku 1694 Le dictionnaire de l'Académie Française, který popisuje barokní jako „používá se pouze pro perly, které jsou nedokonale kulaté.“[10] Podobně to popisuje portugalský slovník z roku 1728 barokní v souvislosti s „hrubou a nerovnou perlou“.[11]

Alternativní odvození slova barokní poukazuje na jméno italského malíře Federico Barocci (1528–1612).[12]

V 18. století se tento termín začal používat k popisu hudby, nikoli lichotivě. V anonymní satirické revizi premiéry Jean-Philippe Rameau je Hippolyte et Aricie v říjnu 1733, která byla vytištěna v Mercure de France v květnu 1734 kritik napsal, že novinkou v této opeře byl „du barocque“, když si stěžoval, že hudbě chyběla koherentní melodie, nešetřila disonancemi, neustále měnila tóninu a metr a rychle prošla každým kompozičním zařízením.[13]

V roce 1762 Le dictionnaire de l'Académie Française zaznamenal, že tento výraz může obrazně popsat něco „nepravidelného, ​​bizarního nebo nerovného“.[14]

Jean-Jacques Rousseau, který byl hudebníkem, skladatelem i filozofem, napsal v roce 1768 v Encyklopedie „Barokní hudba je ta, ve které je harmonie zmatená a nabitá modulacemi a disonancemi. Zpěv je drsný a nepřirozený, intonace obtížná a pohyb omezený. Zdá se, že tento termín vychází ze slova„ baroco “používaného logiky . “[8][15]

V roce 1788 Quatremère de Quincy definoval pojem v Encyclopédie Méthodique jako „architektonický styl, který je velmi zdobený a mučený“.[16]

Francouzské podmínky barokní styl a barokní hudba objevil se v Le dictionnaire de l'Académie Française v roce 1835.[17] V polovině 19. století přijali kritici a historici umění pojem „baroko“ jako způsob zesměšňování postrenesančního umění. To byl smysl slova, který v roce 1855 použil přední historik umění Jacob Burckhardt, kteří napsali, že barokní umělci „opovrhovali a zneužívali detaily“, protože jim chyběla „úcta k tradici“.[18]

V roce 1888 historik umění Heinrich Wölfflin publikoval první seriózní akademickou práci o stylu, Renaissance und Barock, kde byly popsány rozdíly mezi malbou, sochařstvím a architekturou renesance a baroka.[19]

Architektura: počátky a charakteristiky

Hlavní článek: Barokní architektura
Quadratura nebo trompe-l'œil strop Kostel Gesù z Říma Giovanni Battista Gaulli, od roku 1673 do roku 1678[20]

Barokní styl architektury byl výsledkem doktrín přijatých katolický kostel na Tridentský koncil v letech 1545–63, v reakci na Protestantská reformace. První fáze Protireformace vnucoval přísný akademický styl náboženské architektuře, která se líbila intelektuálům, ale nikoli masě věřících. Tridentský koncil se místo toho rozhodl oslovit populárnější publikum a prohlásil, že umění by mělo komunikovat náboženská témata s přímým a emocionálním zapojením.[21][22] Lutheranské barokní umění se vyvinulo jako zpovědní značka identity v reakci na Skvělý obrazoborectví z Kalvinisté.[23]

Barokní kostely byly navrženy s velkým centrálním prostorem, kde mohli být věřící blízko oltáře, s kopulí nebo kupolí vysoko nad hlavou, což umožňovalo světlo osvětlit kostel pod ním. Kopule byla jedním z ústředních symbolických rysů barokní architektury, ilustrujícím spojení mezi nebem a zemí. Vnitřek kopule byl bohatě zdoben malbami andělů a svatých a štukovými soškami andělů, které budily dojem těch dole dívat se do nebe.[24]Dalším rysem barokních kostelů jsou kvadratura; trompe-l'œil obrazy na stropě ve štukových rámech, buď skutečné, nebo malované, přeplněné obrazy svatých a andělů a spojené architektonickými detaily s balustrády a konzolami. Quadratura obrazy Atlantes pod římsami se zdá, že podepírají strop kostela. Na rozdíl od malovaných stropů Michelangela v Sixtinské kapli, které kombinovaly různé výjevy, z nichž každý měl svou vlastní perspektivu, aby bylo možné je prohlížet po jednom, byly barokní stropní malby pečlivě vytvořeny, aby divák na podlaze kostela viděl celý strop ve správné perspektivě, jako by čísla byla skutečná.

Interiéry barokních kostelů byly ve vrcholném baroku stále více zdobené a zaměřovaly se na oltář, obvykle umístěný pod kupolí. Nejslavnější barokní dekorativní díla vrcholného baroka jsou Předseda svatého Petra (1647–1653) a Baldachino svatého Petra (1623–34), oba Gian Lorenzo Bernini, v Bazilika svatého Petra v Římě. Baldequin svatého Petra je příkladem rovnováhy protikladů v barokním umění; gigantické proporce kusu se zjevnou lehkostí vrchlíku; a kontrast mezi pevnými zkroucenými sloupy, bronzem, zlatem a mramorem kusu s tekoucími závěsy andělů na vrchlíku.[25] The Drážďanská Frauenkirche slouží jako prominentní příklad luteránského barokního umění, které bylo dokončeno v roce 1743 poté, co byl pověřen luteránskou městskou radou v Drážďanech a bylo „srovnáno pozorovateli 18. století s kostelem sv.[1]

Zkroucený sloup v interiéru kostelů je jedním z charakteristických rysů baroka. Poskytuje jak pocit pohybu, tak nový dramatický způsob odrážení světla kartuše byl dalším charakteristickým rysem barokní výzdoby. Jednalo se o velké desky vyřezávané z mramoru nebo kamene, obvykle oválné a se zaobleným povrchem, které nesly obrázky nebo text pozlacenými písmeny, a byly umístěny jako vnitřní dekorace nebo nad dveřmi budov a doručovaly zprávy těm dole. Ukázali širokou škálu vynálezů a našli je ve všech typech budov, od katedrál a paláců až po malé kaple.[26]

Barokní architekti někdy používali vynucená perspektiva vytvářet iluze. Pro Palazzo Spada v Římě Borromini použil sloupy zmenšující se velikosti, zužující se podlahu a miniaturní sochu v zahradě za sebou, aby vytvořil iluzi, že průchod je dlouhý třicet metrů, zatímco ve skutečnosti je jen sedm metrů dlouhý. Socha na konci průchodu se zdá být v životní velikosti, i když je vysoká pouze šedesát centimetrů. Borromini navrhl iluzi s pomocí matematika.

Italské baroko

Hlavní článek: Italská barokní architektura
Svatý Ignác z Řím (1626–1650)

První budovou v Římě, která měla barokní fasádu, byla Kostel Gesù v roce 1584; bylo to podle pozdějších barokních standardů prosté, ale znamenalo to rozchod s tradičními renesančními fasádami, které tomu předcházely. Interiér tohoto kostela zůstal velmi strohý až do vrcholného baroka, kdy byl bohatě zdoben.

V Římě v roce 1605 Paul V se stal prvním ze série papežové kdo pověřil baziliky a církevní budovy navržené tak, aby inspirovaly emoce a úctu prostřednictvím množení forem a bohatství barev a dramatických efektů.[27] Mezi nejvlivnější památky raného baroka patřila fasáda Bazilika svatého Petra (1606–1619) a nová loď a lodžie, které spojovaly fasádu s Michelangelovým dómem v dřívějším kostele. Nový design vytvořil dramatický kontrast mezi stoupající kupolí a nepřiměřeně širokou fasádou a kontrast na samotné fasádě mezi dórskými sloupy a velkou hmotou sloupoví.[28]

V polovině až konce 17. století dosáhl styl svého vrcholu, později nazývaného vrcholným barokem. Mnoho monumentálních prací bylo zadáno papeži Urban VIII a Alexander VII. Sochař a architekt Gian Lorenzo Bernini navrhl novou čtyřnásobnou kolonádu kolem náměstí svatého Petra (1656 až 1667). Tři galerie sloupů v obří elipsě vyvažují nadrozměrnou kopuli a dodávají kostelu a náměstí jednotu a pocit obřího divadla.[29]

Santa Maria della Salute v Benátky (1631–1687)

Dalším významným inovátorem italského vrcholného baroka byl Francesco Borromini, jehož hlavním dílem byl kostel sv San Carlo alle Quattro Fontane nebo svatý Karel ze čtyř fontán (1634–1646). Pocit pohybu není dán výzdobou, ale samotnými stěnami, které se vlní a konkávními a konvexními prvky, včetně oválné věže a balkonu vloženého do konkávního traverzu. Interiér byl stejně revoluční; hlavní prostor kostela byl oválný, pod oválnou kupolí.[29]

Malované stropy, přeplněné anděly a svatými a trompe-l'œil architektonické efekty, byly důležitým rysem italského vrcholného baroka. Zahrnuje hlavní díla Vstup sv. Ignáce do ráje podle Andrea Pozzo (1685–1695) v Kostel svatého Ignáce v Římě a Vítězství Ježíšova jména podle Giovanni Battista Gaulli v Kostel Gesù v Římě (1669–1683), kde figurovaly postavy vylévající z rámečku obrazu a dramatické šikmé osvětlení a kontrasty světlo-tma.[30]Styl se rychle rozšířil z Říma do dalších oblastí Itálie: objevil se v Benátkách v kostele sv Santa Maria della Salute (1631–1687) od Baldassare Longhena, vysoce originální osmiboká forma korunovaná obrovskou kopulí. Objevilo se také v Turíně, zejména v Kaple svatého plátna (1668–1694) autorem Guarino Guarini. Styl se také začal používat v palácích; Guarini navrhl Palazzo Carignano v Turíně, zatímco Longhena navrhla Ca 'Rezzonico na Canal Grande, (1657), dokončeno Giorgio Massari zdobené malbami od Giovanni Battista Tiepolo.[31] Série obrovských zemětřesení v roce Sicílie vyžadovalo přestavbu většiny z nich a některé byly postaveny v bujném pozdně barokním nebo rokokovém stylu.

Španělské baroko

Hlavní článek: Španělská barokní architektura
Věže katedrály Santiago de Compostela podle Fernando de Casas Novoa (1680 (střední věž) a 1738–1750)

Katolická církev ve Španělsku, a zejména jezuité, byly hybnou silou španělské barokní architektury. Prvním významným dílem v tomto stylu byla kaple San Isidro v Madrid, začala v roce 1643 Pedro de la Torre. Kontrovalo to extrémní bohatství ornamentu v exteriéru s jednoduchostí v interiéru, rozdělenou do několika prostorů a použitím světelných efektů k vytvoření pocitu tajemství.[32] Katedrála v Santiago de Compostela byl modernizován řadou barokních dodatků počínaje koncem 17. století, počínaje vysoce zdobenou zvonicí (1680), poté lemovanou dvěma ještě vyššími a zdobnějšími věžemi, zvanými Obradorio, přidáno mezi 1738 a 1750 uživatelem Fernando de Casas Novoa. Další dominantou španělského baroka je věž kaple sv Palác San Telmo v Sevilla podle Leonardo de Figueroa.[33]

The Palác San Telmo z Sevilla (1682)

Granada byl osvobozen od Maurů až v 15. století a měl svou vlastní odlišnou paletu baroka. Malíř, sochař a architekt Alonso Cano navrhl barokní interiér Katedrála v Granadě mezi 1652 a jeho smrtí v roce 1657. Vyznačuje se dramatickými kontrasty mohutných bílých sloupů a zlatého dekoru.

Jde o nejkrásnější a nejbohatěji zdobenou architekturu španělského baroka Churrigueresque styl, pojmenovaný po bratřích Churriguera, který pracoval především v Salamance a Madridu. Jejich díla zahrnují budovy na hlavním náměstí města, Starosta města Salamanca (1729).[33] Tento vysoce ornamentální barokní styl měl velký vliv na mnoho kostelů a katedrál postavených Španěly v Americe.

Mezi další významné španělské barokní architekty pozdního baroka patří Pedro de Ribera, žák Churriguera, který navrhl Royal Hospice v San Fernando v Madridu, a Narciso Tomé, který navrhl oslavovaný El Transparente oltářní obraz v Toledská katedrála (1729–32), což v jistém světle vytváří iluzi vznášení se nahoru.[33]

Architekti španělského baroka měli účinek daleko za Španělskem; jejich práce měla velký vliv na kostely postavené ve španělských koloniích v Latinské Americe a na Filipínách. Kostel postavený jezuity pro vysokou školu v Tepotzotlán, se zdobnou barokní fasádou a věží, je dobrým příkladem.[34]

Střední Evropa a Rokoko (40. – 1770. Léta)

Hlavní článek: Rokoko
Quadratura; malovaná kupole od Andrea Pozzo pro Jezuitský kostel ve Vídni, což vytváří iluzi pohledu vzhůru na nebeské postavy kolem neexistující kupole (1703)

V letech 1680 až 1750 bylo ve střední Evropě, v Bavorsku, Rakousku, Čechách a jihozápadním Polsku postaveno mnoho vyzdobených katedrál, opatství a poutních kostelů. Někteří byli uvnitř Rokoko styl, zřetelný, okázalejší a asymetrický styl, který vycházel z baroka, jej poté ve střední Evropě nahradil v první polovině 18. století, až jej vystřídal klasicismus.[35]

Knížata z mnoha států v tomto regionu si také pro své paláce a rezidence zvolili baroko nebo rokoko a často je stavěli pomocí architektů vyškolených v Itálii.[36] Mezi významné architekty patřil Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt a Dominikus Zimmermann v Bavorsku, Balthasar Neumann v Bruhl, a Matthäus Daniel Pöppelmann v Drážďanech. V Prusku Frederic II Pruska byl inspirován Grand Trianon z Palác ve Versailles, a použil jej jako model svého letního sídla, Sanssouci, v Postupim, navržený pro něj Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747). Dalším dílem barokní palácové architektury je Zwinger v Drážďany, bývalá oranžerie paláce vévodů z Sasko v 18. století.

Kostel sv. Mikuláše (Malá Strana) z Praha (1704–1755)

Jedním z nejlepších příkladů rokokového kostela je Basilika Vierzehnheiligen, nebo Bazilika čtrnácti svatých pomocníků, poutní kostel nedaleko města Bad Staffelstein poblíž Bamberg, v Bavorsko, jižní Německo. Baziliku navrhl Balthasar Neumann a byla postavena v letech 1743 až 1772, její plán je řada propletených kruhů kolem centrálního oválu s oltářem umístěným v přesném středu kostela. Interiér tohoto kostela ilustruje vrchol rokokové výzdoby.[37]Dalším pozoruhodným příkladem tohoto stylu je Poutní kostel ve Wies (Němec: Wieskirche). Byl navržen bratry J. B. a Dominikus Zimmermann. Nachází se na úpatí pohoří Alpy, v obci Steingaden v Weilheim-Schongau okres, Bavorsko, Německo. Stavba probíhala v letech 1745 až 1754 a interiér byl vyzdoben freskami a štuky v tradici Škola Wessobrunner. Nyní je na seznamu světového dědictví UNESCO.

Dalším pozoruhodným příkladem je Kostel sv. Mikuláše (Malá Strana) v Praze (1704–55), postaven Christoph Dientzenhofer a jeho syn Kilian Ignaz Dientzenhofer. Výzdoba pokrývá všechny stěny interiéru kostela. Oltář je umístěn v lodi pod centrální kopulí a je obklopen kaplemi, světlo sestupuje z kopule nad a z okolních kaplí. Oltář je celý obklopen oblouky, sloupy, zakřivenými balustrádami a pilastry z barevného kamene, které jsou bohatě zdobeny sochařstvím, což vytváří záměrný zmatek mezi skutečnou architekturou a výzdobou. Architektura je transformována do divadla světla, barev a pohybu.[25]

V Polsku inspirovaný Itálií Polské baroko trvala od počátku 17. do poloviny 18. století a zdůrazňovala bohatost detailů a barev. První barokní stavba v dnešním Polsku a pravděpodobně jedna z nejznámějších je Kostel svatého Petra a Pavla v Krakov, navrhl Giovanni Battista Trevano. Zikmundův sloup v Varšava, postavený v roce 1644, byl první světskou barokní památkou postavenou ve formě sloupu.[38] Příkladem palácového stylu bydlení byl Palác Wilanów, postavený v letech 1677 až 1696.[39] Nejznámějším barokním architektem činným v Polsku byl Holanďan Tylman van Gameren a jeho pozoruhodná díla zahrnují varšavské Kostel sv. Kazimíra a Krasiński palác, St. Anne's v Krakově a Branický palác v Bialystok.[40] Nejslavnějším dílem polského baroka je však Fara kostel v Poznaň, s podrobnostmi od Pompeo Ferrari.

Francouzské baroko nebo Klasicismus

Hlavní článek: Francouzská barokní architektura
Fasáda Palais Rohan z Štrasburk (Francie), která je obrácena k řece

Francie do značné míry odolávala ozdobenému baroknímu stylu Itálie, Španělska, Vídně a zbytku Evropy. Francouzský barokní styl (často nazývaný Velký klasicismus nebo jednoduše Klasicismus ve Francii) je úzce spojena s pracemi postavenými pro Louis XIV a Louis XV; vyznačuje se více geometrickým řádem a mírou než barokní a méně propracovanou výzdobou na fasádách a v interiérech. Louis XIV vyzval barokního mistra Berniniho, aby předložil návrh nového křídla Louvru, ale odmítl jej ve prospěch klasičtějšího designu od Claude Perrault a Louis Le Vau.[41]

Palác ve Versailles (začátek Louis Le Vau v roce 1661)

Zahrnuti hlavní architekti stylu François Mansart (Chateau de Balleroy, 1626–1636), Pierre Le Muet (Kostel sv Val-de-Grace, 1645–1665), Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661) a zejména Jules Hardouin Mansart a Robert de Cotte, jehož práce zahrnovala Galerie des Glaces a Grand Trianon ve Versailles (1687–1688). Mansart byl také zodpovědný za barokní klasicismus Umístěte Vendôme (1686–1699).[42]

Hlavním královským projektem tohoto období byla expanze Palác ve Versailles, započatý v roce 1661 Le Vau dekorací malíře Charles Le Brun. Zahrady navrhl André Le Nôtre konkrétně k doplnění a zesílení architektury. Galerie des Glaces (Zrcadlová síň), vrchol zámku, s obrazy Le Brun, byla postavena v letech 1678 až 1686. Mansart dokončil Grand Trianon v roce 1687. Kaple, navržená de Cotte, byla dokončena v roce 1710. Po smrti Ludvíka XIV. Přidal Ludvík XV intimnější Petit Trianon a vysoce zdobené divadlo. Fontány v zahradách byly navrženy tak, aby je bylo možné vidět z interiéru, a přidat tak dramatický efekt. Palác byl obdivován a kopírován zejména dalšími evropskými panovníky Petra Velikého Ruska, který navštívil Versailles brzy za vlády Ludvíka XV., a postavil jeho vlastní verzi na Palác Peterhof poblíž Petrohradu, mezi 1705 a 1725.[43]

Portugalské baroko

Neptunova sláva, Palác Queluz, 1747

Barokní architektura v Portugalsku trvala asi dvě století (na konci sedmnáctého století a osmnáctého století). Vláda John V a Joseph I. zvýšil dovoz zlata a diamantů v období zvaném královský absolutismus, které umožnilo vzkvétat portugalskému baroku.

Barokní architektura v Portugalsku má zvláštní situaci a odlišnou časovou osu od zbytku Evropy.

Je podmíněna několika politickými, uměleckými a ekonomickými faktory, které vznikají v několika fázích, a různými druhy vnějších vlivů, které vedou k jedinečné směsi,[44] často nepochopeni těmi, kteří hledají italské umění, místo toho najít konkrétní formy a charakter, které mu dodávají jedinečnou portugalskou rozmanitost. Dalším klíčovým faktorem je existence jezuitské architektury, nazývané také „prostý styl“ (Estilo Chão nebo Estilo Plano)[45] který jako název evokuje, je jasnější a působí poněkud stroze.

Interiér Klášter São Martinho de Tibães, Braga, 1757

Budovy jsou jednopokojové baziliky, hluboká hlavní kaple, boční kaple (s malými komunikačními dveřmi), bez vnitřní a vnější výzdoby, velmi jednoduchý portál a okna. Jedná se o velmi praktickou budovu, která umožňuje, aby byla postavena v celé říši s drobnými úpravami a připravena k vyzdobení později, nebo až budou k dispozici ekonomické zdroje.

Ve skutečnosti první portugalské baroko ve stavbě nechybí, protože „prostý styl“ lze snadno transformovat pomocí dekorace (malby, obklady atd.), Která proměňuje prázdné oblasti v pompézní a propracované barokní scénáře. Totéž lze použít i na exteriér. Následně je snadné přizpůsobit budovu vkusu času a místa a přidat nové funkce a detaily. Praktické a ekonomické.

S více obyvateli a lepšími ekonomickými zdroji je sever, zejména oblasti Porto a Braga,[46][47][48] byl svědkem architektonické obnovy viditelné na velkém seznamu kostelů, klášterů a paláců postavených aristokracií.

Porto je město baroka v Portugalsku. Jeho historické centrum je součástí UNESCO Seznam světového dědictví.[49]

Mnoho barokních děl v historické části města i mimo ni patří Nicolau Nasoni italský architekt žijící v Portugalsku, kreslící původní budovy se scénografickým umístěním, jako je kostel a věž Clérigos,[50] logie Katedrála v Portu, kostel Misericórdia, Palác São João Novo,[51] the Palác Freixo,[52] the Biskupský palác (portugalština: Paço Episcopal do Porto)[53] spolu s mnoha dalšími.

Ruské baroko

Hlavní články: Naryshkin barokní, Petřínské baroko, Alžbětinské baroko, a Sibiřský barok
Západní průčelí Catherine Palace (1752–1756) autorem Bartolomeo Rastrelli

Debut ruského baroka, nebo Petřínské baroko, následoval dlouhou návštěvu Petra Velikého do západní Evropy v letech 1697–98, kde navštívil zámky ve Fontainebleu a Versailles a další architektonické památky. Po svém návratu do Ruska se rozhodl postavit podobné památky v Petrohrad, které se stalo novým hlavním městem Ruska v roce 1712. K raně významným památkám petřínského baroka patří Katedrála Petra a Pavla a Menšikovův palác.

Za vlády Císařovna Anna a Elizaveta Petrovna Ruské architektuře dominoval luxusní barokní styl italského původu Bartolomeo Rastrelli, který se vyvinul do Alžbětinské baroko. Rastrelliho podpisové budovy zahrnují Zimní palác, Catherine Palace a Smolná katedrála. Mezi další výrazné památky alžbětinského baroka patří zvonice Troitse-Sergiyeva Lavra a Červená brána.[54]

v Moskva, Naryshkin barokní rozšířil, zejména v architektuře Východní ortodoxní kostely na konci 17. století. Byla to kombinace západoevropského baroka s tradičním ruština lidové styly.

Baroko ve španělské a portugalské koloniální Americe

Hlavní články: Mexické umění § mexické baroko, Baroko v Brazílii, Andské baroko, Churrigueresque, a Španělské mise v Americe
Fasáda Jezuitský kostel z Arequipa (Peru ), 1698–1699. Na výšku fasády dohlížel španělský architekt Diego de Adrián, ale stejně jako téměř všechny andské hybridní barokní památky byly ozdoby vyřezány indiánskými sochaři a zedníky, kteří při výběru snímků operovali s překvapivou svobodou.[55]

Kvůli kolonizaci Americas evropskými zeměmi, baroko přirozeně se stěhovalo do Nový svět, nalezení obzvláště příznivé pozice v regionech dominovaných Španělskem a Portugalskem, přičemž obě země jsou centralizované a neredukovatelně katolické monarchie, rozšířením podléhajícím Římu a stoupencům baroka Protireformní nejtypičtější. Evropští umělci migrovali do Ameriky a dělali školu, a to spolu s rozšířeným průnikem Katoličtí misionáři, z nichž mnozí byli zkušení umělci, vytvořili mnohotvárné baroko často ovlivněné lidovým vkusem. The Criollo a Samostatné řemeslníci udělali hodně pro to, aby dali tomuto baroknímu unikátu. Hlavní centra americké barokní kultivace, která stále stojí, jsou (v tomto pořadí) Mexiko, Brazílie, Peru, Ekvádor, Kuba, Kolumbie, Bolívie, Guatemala a Portoriko.

Zvláštní pozornost si zaslouží takzvané „misijní baroko“, vyvinuté v rámci španělské redukce v oblastech sahajících od Mexika a jihozápadních částí současných Spojených států až na jih až do Argentiny a Chile, domorodých osad organizovaných španělským katolíkem misionáři, aby je převedli na křesťanskou víru a zrychlili je v západním životě a vytvořili hybridní baroko ovlivněné domorodou kulturou, kde vzkvétalo Criollos a mnoho indických řemeslníků a hudebníků, dokonce i gramotných, s některými vlastními schopnostmi a talentem. Účty misionářů často opakují, že západní umění, zejména hudba, mělo na lesníky hypnotický dopad a na obrazy světců se pohlíželo tak, že mají velkou moc. Mnoho indiánů bylo obráceno a byla vytvořena nová forma oddanosti, vášnivé intenzity, plné mystiky, pověr a divadelnosti, které potěšily slavnostní mše, posvátné koncerty a tajemství.[56][57]

Koloniální barokní architektura ve španělské Americe se vyznačuje bohatou výzdobou (portál Kostel La Profesa, Mexico City; fasády pokryté Styl Puebla azulejos, jako v Kostel San Francisco Acatepec v San Andrés Cholula a Klášterní kostel v San Francisku z Puebla ), který bude umocněn v tzv Churrigueresque styl (Fasáda svatostánku Katedrála v Mexico City tím, že Lorenzo Rodríguez; Kostel San Francisco Javier, Tepotzotlán; Kostel Santa Prisca z Taxco ). v Peru, stavby se většinou rozvíjely ve městech Lima, Cusco, Arequipa a Trujillo od roku 1650 vykazují původní vlastnosti, které postoupily i do evropského baroka, jako v použití polstrované stěny a solomonické sloupy (Kostel La Compañía de Jesús, Cusco; Bazilika a klášter v San Francisku, Lima ).[58] Mezi další země patří: Metropolitní katedrála v Sucre v Bolívie; Katedrální bazilika Esquipulas v Guatemala; Katedrála Tegucigalpa v Honduras; Katedrála v Leónu v Nikaragua; the Kostel La Compañía de Jesús v Quito, Ekvádor; the Kostel San Ignacio v Bogotá, Kolumbie; the Katedrála v Caracasu v Venezuela; the Cabildo z Buenos Aires v Argentina; the Kostel Santo Domingo v Santiago, Chile; a Havanská katedrála v Kuba. Za zmínku stojí také kvalita kostelů kostela sv Španělské jezuitské mise v Bolívii, Španělské jezuitské mise v Paraguay, Španělské mise v Mexiku a Španělské františkánské mise v Kalifornii.[59]

v Brazílie, jako v metropoli, Portugalsko, architektura má určité Italský vliv, obvykle z Borrominesque typ, jak je vidět na Konkatedrála v Recife (1784) a Kostel Nossa Senhora da Glória do Outeiro v Rio de Janeiro (1739). V regionu Minas Gerais, zdůraznil práci uživatele Aleijadinho, autor skupiny kostelů, které vynikají svou zakřivenou planimetrií, fasádami s konkávně konvexními dynamickými efekty a plastickou úpravou všech architektonických prvků (Kostel São Francisco de Assis v Ouro Preto, 1765–1788).

Baroko ve španělské a portugalské koloniální Asii

Viz také: Barokní zemětřesení

V portugalských koloniích Indie (Goa, Daman a Diu ) architektonický styl barokních forem smíchaných s hinduistickými prvky vzkvétal, jako například Goa Cathedral a Bazilika Bom Jesus Goa, ve kterém je hrobka Sv. František Xaverský. Sada kostely a kláštery Goa byl prohlášen za Světové dědictví UNESCO v roce 1986.

V Filipíny, která byla po dlouhou dobu součástí Španělského císařství, je zachováno velké množství barokních staveb, včetně Barokní kostely na Filipínách že čtyři z nich a barokní a neoklasicistní město Vigan, jsou oba UNESCO Památky světového kulturního dědictví. Bylo to také velmi pozoruhodné Opevněné město Manila (Intramuros). Další město s pozoruhodně zachovaným španělským barokem je Tayabas.

Malování

Hlavní článek: Barokní malba
Pohřeb Krista; podle Caravaggio; kolem 1602–1604; olej na plátně; 3 × 2 m; Pinacoteca Vaticana (Vatikán )

Barokní malíři se záměrně snažili oddělit od malířů období renesance a manýrismu po ní. Ve své paletě použili intenzivní a teplé barvy a zejména využili primární barvy červená, modrá a žlutá, často jsou všechny tři v těsné blízkosti.[66] Vyhýbali se rovnoměrnému osvětlení renesanční malby a na určité části obrazu použili silné kontrasty světla a tmy, aby zaměřili pozornost na ústřední akce nebo postavy. Ve své kompozici se vyhýbali klidným scénám renesančních obrazů a volili momenty největšího pohybu a dramatu. Na rozdíl od klidných tváří renesančních obrazů, tváře v barokních obrazech jasně vyjádřily své emoce. Často používali asymetrii, přičemž akce se odehrávala od středu obrazu a vytvářely osy, které nebyly ani vertikální, ani horizontální, ale šikmé doleva nebo doprava, což dávalo pocit nestability a pohybu. Tento dojem z pohybu vylepšili tím, že nechali kostýmy osobností unést větrem nebo se pohnuli svými vlastními gesty. Celkovým dojmem byl pohyb, emoce a drama.[67] Dalším podstatným prvkem barokního malířství byla alegorie; každý obraz vyprávěl příběh a měl zprávu, často zašifrovanou v symbolech a alegorických postavách, které měl vzdělaný divák znát a číst.[68]

Las Meninas; podle Diego Velázquez; 1656–1657; olej na plátně; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado (Madrid, Španělsko)

Rané důkazy o italských barokních myšlenkách v malbě se objevily v Bologni, kde Annibale Carracci, Agostino Carracci a Ludovico Carracci usiloval o návrat výtvarného umění k nařízenému klasicismu renesance. Jejich umění však zahrnovalo také myšlenky, které jsou ústředním bodem protireformace; to zahrnovalo intenzivní emoce a náboženské obrazy, které přitahovaly více k srdci než k intelektu.[69]

Dalším vlivným malířem barokní éry byl Michelangelo Merisi da Caravaggio. Jeho realistický přístup k lidské postavě, malovaný přímo ze života a dramaticky nasvícený na tmavém pozadí, šokoval jeho současníky a otevřel novou kapitolu v historii malby. Mezi další významné malíře úzce spojené s barokním stylem patří Artemisia Gentileschi, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo, a Paolo de Matteis v Itálii; Francisco de Zurbarán a Diego Velázquez ve Španělsku; Adam Elsheimer v Německu; a Nicolas Poussin a Georges de La Tour ve Francii (ačkoli Poussin strávil většinu svého pracovního života v Itálii). Poussin a La Tour přijali „klasický“ barokní styl s menším zaměřením na emoce a větší pozornost k linii postav v obraze než k barvě.

Toaleta Venuše; podle François Boucher; 1751; olej na plátně; 108 × 85 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

Peter Paul Rubens byl nejdůležitějším malířem Vlámské baroko styl. Rubensovy vysoce nabité skladby odkazují na erudované aspekty klasické a křesťanské historie. Jeho jedinečný a nesmírně populární barokní styl zdůrazňoval pohyb, barvu a smyslnost, které navazovaly na bezprostřední, dramatický umělecký styl prosazovaný v Protireformace. Rubens specialized in making altarpieces, portraits, landscapes, and history paintings of mythological and allegorical subjects.

One important domain of Baroque painting was Quadratura, or paintings in trompe-l'oeil, which literally "fooled the eye". These were usually painted on the stucco of ceilings or upper walls and balustrades, and gave the impression to those on the ground looking up were that they were seeing the heavens populated with crowds of angels, saints and other heavenly figures, set against painted skies and imaginary architecture.[35]

In Italy, artists often collaborated with architects on interior decoration; Pietro da Cortona was one of the painters of the 17th century who employed this illusionist way of painting. Among his most important commissions were the frescoes he painted for the Palace of the Barberini family (1633–39), to glorify the reign of Papež Urban VIII. Pietro da Cortona's compositions were the largest decorative frescoes executed in Rome since the work of Michelangelo at the Sixtinská kaple.[70]

François Boucher was an important figure in the more delicate French Rococo style, which appeared during the late Baroque period. He designed tapestries, carpets and theatre decoration as well as painting. His work was extremely popular with Madame Pompadour, the Mistress of King Louis XV. His paintings featured mythological romantic, and mildly erotic themes.[71]

Spanish Americas

Example of Bolivian painting (from the Cusco School ): an Arquebusier Angel; podle Master of Calamarca; 17. století

In the Spanish Americas, the first influences were from Sevillan Tenebrism, mainly from Zurbarán —some of whose works are still preserved in Mexiko a Peru — as can be seen in the work of the Mexicans José Juárez a Sebastián López de Arteaga, and the Bolivian Melchor Pérez de Holguín. The Cusco School of painting arose after the arrival of the Italian painter Bernardo Bitti in 1583, who introduced Manýrismus v Americe. It highlighted the work of Luis de Riaño, disciple of the Italian Angelino Medoro, author of the murals of the Church of San Pedro z Andahuaylillas. It also highlighted the Indian (Kečuánština ) painters Diego Quispe Tito a Basilio Santa Cruz Pumacallao, stejně jako Marcos Zapata, author of the fifty large canvases that cover the high arches of the Cathedral of Cusco. v Ekvádor, Škola Quito was formed, mainly represented by the mestic Miguel de Santiago a criollo Nicolás Javier de Goríbar.

In the 18th century sculptural altarpieces began to be replaced by paintings, developing notably the Baroque painting in the Americas. Similarly, the demand for civil works, mainly portraits of the aristocratic classes and the ecclesiastical hierarchy, grew. The main influence was the Murillesque, and in some cases – as in the criollo Cristóbal de Villalpando – that of Valdés Leal. The painting of this era has a more sentimental tone, with sweet and softer shapes. It highlight Gregorio Vásquez de Arce v Kolumbie, a Juan Rodríguez Juárez a Miguel Cabrera v Mexiko.

Sochařství

Hlavní článek: Baroque sculpture
The Bust of Louis XIV; podle Gian Lorenzo Bernini; 1665; mramor; 105 × 99 × 46 cm; Palác ve Versailles

The dominant figure in baroque sculpture was Gian Lorenzo Bernini. Under the patronage of Papež Urban VIII, he made a remarkable series of monumental statues of saints and figures whose faces and gestures vividly expressed their emotions, as well as portrait busts of exceptional realism, and highly decorative works for the Vatican, including the imposing Chair of St. Peter beneath the dome in Bazilika svatého Petra. In addition, he designed fountains with monumental groups of sculpture to decorate the major squares of Rome.[74]

Baroque sculpture was inspired by ancient Roman statuary, particularly by the famous statue of Laocoön from the first century AD, which was on display in the gallery of the Vatican. When he visited Paris in 1665, Bernini addressed the students at the Academy of painting and sculpture. He advised the students to work from classical models, rather than from nature. He told the students, "When I had trouble with my first statue, I consulted the Antinous like an oracle."[75]

Notable late French baroque sculptors included Étienne Maurice Falconet a Jean Baptiste Pigalle. Pigalle was commissioned by Fridrich Veliký to make statues for Frederick's own version of Versailles at Sanssouci v Postupim, Německo. Falconet also received an important foreign commission, creating the famous statue of Petra Velikého on horseback found in Petrohrad.

In Spain, the sculptor Francisco Salzillo worked exclusively on religious themes, using polychromed wood. Some of the finest baroque sculptural craftsmanship was found in the gilded stucco altars of churches of the Spanish colonies of the New World, made by local craftsmen; examples include the Rosary Chapel of the Church of Santo Domingo in Oaxaca (Mexico), 1724–1731.

Nábytek

Hlavní článek: Louis XIV furniture
A beautiful gilded Baroque table, with a stone top (most probably marble), from the Muzeum Cinquantenaire (Bruxelles, Belgie )

The main motifs used are: horns of plenty, festoons, baby angels, lion heads holding a metal ring in their mouths, female tváře surrounded by garlands, oval kartuše, acanthus leaves, klasický sloupy, karyatidy, štíty a další prvky Klasická architektura sculpted on some parts of pieces of furniture,[76] baskets with fruits or flowers, shells, armour and trophies, heads of Apollo nebo Bakchus, and C-shaped volutes.[77]

During the first period of the reign of Louis XIV, furniture followed the previous style of Louis XIII, and was massive, and profusely decorated with sculpture and gilding. After 1680, thanks in large part to the furniture designer André Charles Boulle, a more original and delicate style appeared, sometimes known as Boulle work. It was based on the inlay of eben and other rare woods, a technique first used in Florence in the 15th century, which was refined and developed by Boulle and others working for Louis XIV. Furniture was inlaid with plaques of ebony, copper, and exotic woods of different colors.[78]

New and often enduring types of furniture appeared; the commode, with two to four drawers, replaced the old coffre, or chest. The canapé, or sofa, appeared, in the form of a combination of two or three armchairs. New kinds of armchairs appeared, including the fauteuil en confessionale or "Confessional armchair", which had padded cushions ions on either side of the back of the chair. The console table also made its first appearance; it was designed to be placed against a wall. Another new type of furniture was the table à gibier, a marble-topped table for holding dishes. Early varieties of the desk appeared; the Mazarin desk had a central section set back, placed between two columns of drawers, with four feet on each column.[79]

  • Cupboard with scenes from the life of Christ; 1620–1640; veneer, oak and walnut wood, pearwood and eben, ocel a mosaz; National Museum in Warsaw (Polsko )

  • Cupboard with hunting scenes; 1620–1640; veneer, oak and walnut wood, birch, palisandr, and many other types of wood, and steel; 174 × 148 × 63 cm; National Museum in Warsaw

  • Dutch wardrobe; 1625–1650; oak with ebony and rosewood veneers; overall: 244.5 x 224.3 x 85.2 cm; Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, US)

  • Small desk with folding top (bureau brisé); circa 1685; oak, pine, walnut veneered with ebony, rosewood, and marquetry of tortoiseshell and engraved brass, gilt bronze and steel; 77 x 106 x 59.4 cm; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • French pier table; 1685–1690; carved, gessoed, and gilded wood, with a marble top; 83.6 × 128.6 × 71.6 cm; Art Institute of Chicago (NÁS)[80]

  • Console table depicting Chronos, or the father time; 1695; painted and gilded wood, with marble at its top; overall: 95.3 x 107.3 x 62.9 cm; Cleveland Museum of Art

  • Commode; podle André Charles Boulle; circa 1710–1720; ebony, gilt-bronze mounts and other materials; 87.6 × 128.3 × 62.9 cm; Metropolitní muzeum umění

  • German slant-front desk; podle Heinrich Ludwig Rohde nebo Ferdinand Plitzner; circa 1715–1725; marquetry with maple, amaranth, mahogany, and walnut on spruce and oak; 90 × 84 × 44.5 cm; z Mainz (Germany); Art Institute of Chicago[81]

Music and ballet

Hlavní články: Barokní hudba a Baroque dance
Antonio Vivaldi, (1678–1741)

Termín Barokní is also used to designate the style of music composed during a period that overlaps with that of Baroque art. The first uses of the term 'baroque' for music were criticisms. In an anonymous, satirical review of the première in October 1733 of Rameau's Hippolyte et Aricie, printed in the Mercure de France in May 1734, the critic implied that the novelty of this opera was "du barocque," complaining that the music lacked coherent melody, was filled with unremitting dissonances, constantly changed key and meter, and speedily ran through every compositional device.[82] Jean-Jacques Rousseau, who was a musician and noted composer as well as philosopher, made a very similar observation in 1768 in the famous Encyklopedie z Denis Diderot: "Baroque music is that in which the harmony is confused, and loaded with modulations and dissonances. The singing is harsh and unnatural, the intonation difficult, and the movement limited. It appears that term comes from the word 'baroco' used by logicians."[15]

Common use of the term for the music of the period began only in 1919, by Curt Sachs,[83] and it was not until 1940 that it was first used in English in an article published by Manfred Bukofzer.[82]

Louis XIV in costume as Apollo for the Ballet Royal de la Nuit (1653)

The baroque was a period of musical experimentation and innovation. New forms were invented, including the koncert a sinfonia. Opera was born in Italy at the end of the 16th century (with Jacopo Peri 's mostly lost Dafne, produced in Florencie in 1598) and soon spread through the rest of Europe: Louis XIV created the first Royal Academy of Music, In 1669, the poet Pierre Perrin opened an academy of opera in Paris, the first opera theatre in France open to the public, and premiered Pomone, the first grand opera in French, with music by Robert Cambert, with five acts, elaborate stage machinery, and a ballet.[84] Heinrich Schütz v Německu, Jean-Baptiste Lully in France, and Henry Purcell in England all helped to establish their national traditions in the 17th century.

The classical ballet also originated in the Baroque era. The style of court dance was brought to France by Marie de Medici, and in the beginning the members of the court themselves were the dancers. Louis XIV himself performed in public in several ballets. In March 1662, the Académie Royale de Danse, was founded by the King. It was the first professional dance school and company, and set the standards and vocabulary for ballet throughout Europe during the period.[84]

Several new instruments, including the klavír, were introduced during this period. The invention of the piano is credited to Bartolomeo Cristofori (1655–1731) of Padova, Italy, who was employed by Ferdinando de' Medici, Grand Prince of Tuscany, as the Keeper of the Instruments.[85][86] Cristofori named the instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte ("a keyboard of cypřiš with soft and loud"), abbreviated over time as pianoforte, fortepiano, and later, simply, piano.[87]

Composers and examples

Divadlo

Scénografie pro Andromedé podle Pierre Corneille, (1650)
Design for a theater set created by Giacomo Torelli for the ballet Les Noces de Thétis, z Décorations et machines aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal

The Baroque period was a golden age for theatre in France and Spain; playwrights included Corneille, Racine a Moliere ve Francii; a Lope de Vega a Pedro Calderón de la Barca Španělsko.

During the Baroque period, the art and style of the theatre evolved rapidly, alongside the development of opera and of ballet. The design of newer and larger theatres, the invention the use of more elaborate machinery, the wider use of the proscenium arch, which framed the stage and hid the machinery from the audience, encouraged more scenic effects and spectacle.[88]

The Baroque had a Catholic and conservative character in Spain, following an Italian literary model during the Renaissance.[89] The Hispanic Baroque theatre aimed for a public content with an ideal reality that manifested fundamental three sentiments: Catholic religion, monarchist and national pride and honour originating from the chivalric, knightly world.[90]

Two periods are known in the Baroque Spanish theatre, with the division occurring in 1630. The first period is represented chiefly by Lope de Vega, but also by Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente nebo Juan Pérez de Montalbán. The second period is represented by Pedro Calderón de la Barca and fellow dramatists Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto, a Francisco Bances Candamo.[91] These classifications are loose because each author had his own way and could occasionally adhere himself to the formula established by Lope. It may even be that Lope's "manner" was more liberal and structured than Calderón's.[92]

Lope de Vega introduced through his Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) the new comedy. He established a new dramatic formula that broke the three Aristoteles unities of the Italian school of poetry (action, time and place) and a fourth unity of Aristotle which is about style, mixing of tragic and comic elements showing different types of verses and stanzas upon what is represented.[93] Although Lope has a great knowledge of the plastic arts, he did not use it during the major part of his career nor in theatre or scenography. The Lope's comedy granted a second role to the visual aspects of the theatrical representation.[94]

Tirso de Molina, Lope de Vega, and Calderón were the most important play writers in Golden Era Spain. Their works, known for their subtle intelligence and profound comprehension of a person's humanity, could be considered a bridge between Lope's primitive comedy and the more elaborate comedy of Calderón. Tirso de Molina is best known for two works, The Convicted Suspicions a The Trickster of Seville, one of the first versions of the Don Juan myth.[95]

Upon his arrival to Madrid, Cosimo Lotti brought to the Spanish court the most advanced theatrical techniques of Europe. His techniques and mechanic knowledge were applied in palace exhibitions called "Fiestas" and in lavish exhibitions of rivers or artificial fountains called "Naumaquias". He was in charge of styling the Gardens of Buen Retiro, z Zarzuela a ze dne Aranjuez and the construction of the theatrical building of Coliseo del Buen Retiro.[96] Lope's formulas begin with a verse that it unbefitting of the palace theatre foundation and the birth of new concepts that begun the careers of some play writers like Calderón de la Barca. Marking the principal innovations of the New Lopesian Comedy, Calderón's style marked many differences, with a great deal of constructive care and attention to his internal structure. Calderón's work is in formal perfection and a very lyric and symbolic language. Liberty, vitality and openness of Lope gave a step to Calderón's intellectual reflection and formal precision. In his comedy it reflected his ideological and doctrine intentions in above the passion and the action, the work of Autos sacramentales achieved high ranks.[97] The genre of Comedia is political, multi-artistic and in a sense hybrid. The poetic text interweaved with Medias and resources originating from architecture, music and painting freeing the deception that is in the Lopesian comedy was made up from the lack of scenery and engaging the dialogue of action.[98]

The best known German playwright was Andreas Gryphius, who used the jezuita model holandský Joost van den Vondel a Pierre Corneille. Také tam bylo Johannes Velten who combined the traditions of the English comedians and the Commedia dell'arte with the classic theatre of Corneille and Molière. His touring company was perhaps the most significant and important of the 17th century.

Spanish colonial Americas

Following the evolution marked from Spain, at the end of the 16th century, the companies of comedians, essentially transhumant, began to professionalize. With professionalization came regulation and censorship: as in Europe, the theatre oscillated between tolerance and even government protection and rejection (with exceptions) or persecution by the Church. The theatre was useful to the authorities as an instrument to disseminate the desired behavior and models, respect for the social order and the monarchy, school of religious dogma.[99]

The corrales were administered for the benefit of hospitals that shared the benefits of the representations. The itinerant companies (or "of the liga "), who carried the theatre in improvised open-air stages by the regions that did not have fixed locals, required a viceregal license to work, whose price or pinción was destined to alms and works pious.[99] For companies that worked stably in the capitals and major cities, one of their main sources of income was participation in the festivities of the Corpus Christi, which provided them with not only economic benefits, but also recognition and social prestige. The representations in the viceregal palace and the mansions of the aristocracy, where they represented both the comedies of their repertoire and special productions with great lighting effects, scenery and stage, were also an important source of well-paid and prestigious work.[99]

Born in the Viceroyalty of Nové Španělsko[100] but later settled in Spain, Juan Ruiz de Alarcón is the most prominent figure in the Baroque theatre of New Spain. Despite his accommodation to Lope de Vega 's new comedy, his "marked secularism", his discretion and restraint, and a keen capacity for "psychological penetration" as distinctive features of Alarcón against his Spanish contemporaries have been noted. Noteworthy among his works La verdad sospechosa, a comedy of characters that reflected his constant moralizing purpose.[99] The dramatic production of Sor Juana Inés de la Cruz places her as the second figure of the Spanish-American Baroque theatre. It is worth mentioning among her works the auto sacramental El divino Narciso and the comedy Los empeños de una casa.

Zahrada

Hlavní článek: Baroque garden
Parterre of the Orangerie from the Palác ve Versailles (1684)

The Baroque garden, také známý jako jardin à la française nebo Francouzská formální zahrada, first appeared in Rome in the 16th century, and then most famously in France in the 17th century in the gardens of Vaux le Vicomte a Palác ve Versailles. Baroque gardens were built by Kings and princes in Germany, the Netherlands, Austria, Spain, Poland, Italy and Russia until the mid-18th century, when they began to be remade into by the more natural Anglická zahradní krajina.

The purpose of the baroque garden was to illustrate the power of man over nature, and the glory of its builder, Baroque gardens were laid out in geometric patterns, like the rooms of a house. They were usually best seen from the outside and looking down, either from a chateau or terrace. The elements of a baroque garden included parteri of flower beds or low hedges trimmed into ornate Baroque designs, and straight lanes and alleys of gravel which divided and crisscrossed the garden. Terraces, ramps, staircases and cascades were placed where there were differences of elevation, and provided viewing points. Circular or rectangular ponds or basins of water were the settings for fountains and statues. Bosquety or carefully trimmed groves or lines of identical trees, gave the appearance of walls of greenery and were backdrops for statues. On the edges, the gardens usually had pavilions, orangeries and other structures where visitors could take shelter from the sun or rain.[101]

Baroque gardens required enormous numbers of gardeners, continual trimming, and abundant water. In the later part of the Baroque period, the formal elements began to be replaced with more natural features, including winding paths, groves of varied trees left to grow untrimmed; rustic architecture and picturesque structures, such as Roman temples or Chinese pagodas, as well as "secret gardens" on the edges of the main garden, filled with greenery, where visitors could read or have quiet conversations. By the mid-18th century most of the Baroque gardens were partially or entirely transformed into variations of the Anglická zahradní krajina.[101]

Besides Versailles and Vaux-le-Vicomte, Celebrated baroque gardens still retaining much of their original appearance include the Royal Palace of Caserta near Naples; Nymphenburg Palace a Paláce Augustusburg a Falkenlust, Brühl in Germany; Palác Het Loo in the Netherlands; the Belvedere Palace v Vídeň; the Royal Palace of La Granja de San Ildefonso ve Španělsku; a Palác Peterhof in St. Petersburg, Russia.[101]

Differences between Rococo and Baroque

The following are characteristics that Rococo has and Baroque has not:[je zapotřebí objasnění ]

  • The partial abandonment of symmetry, everything being composed of graceful lines and curves, similar to the secese ty
  • The huge quantity of asymmetrical curves and C-shaped volutes
  • The very wide use of flowers in ornamentation, an example being festoons made of flowers
  • Chinese and Japanese motifs
  • Warm pastel colours[102] (whitish-yellow, cream-coloured, pearl greys, very light blues)[103]

End of the style, condemnation and academic rediscovery

Madame de Pompadour, the mistress of Louis XV, contributed to the decline of the baroque and rococo style. In 1750 she sent her nephew, Abel-François Poisson de Vandières, on a two-year mission to study artistic and archeological developments in Italy. He was accompanied by several artists, including the engraver Nicolas Cochin and the architect Soufflot. They returned to Paris with a passion for classical art. Vandiéres became the Marquis of Marigny, and was named Royal Director of buildings in 1754. He turned official French architecture toward the neoclassical. Cochin became an important art critic; he denounced the petit style of Boucher, and called for a grand style with a new emphasis on antiquity and nobility in the academies of painting of architecture.[104]

The pioneer German art historian and archeologist Johann Joachim Winckelmann also condemned the baroque style, and praised the superior values of classical art and architecture. By the 19th century, Baroque was a target for ridicule and criticism. The neoclassical critic Francesco Milizia wrote: "Borrominini in architecture, Bernini in sculpture, Pietro da Cortona in painting...are a plague on good taste, which infected a large number of artists."[105] In the 19th century, criticism went even further; the British critic John Ruskin declared that baroque sculpture was not only bad, but also morally corrupt.[105]

The Swiss-born art historian Heinrich Wölfflin (1864–1945) started the rehabilitation of the word Baroque in his Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identified the Baroque as "movement imported into mass", an art antithetic to Renaissance art. He did not make the distinctions between Mannerism and Baroque that modern writers do, and he ignored the later phase, the academic Baroque that lasted into the 18th century. Baroque art and architecture became fashionable between the two World Wars, and has largely remained in critical favor. The term "Baroque" may still be used, usually pejoratively, describing works of art, craft, or design that are thought to have excessive ornamentation or complexity of line.

Baroque Revival art

Hlavní články: Barokní obrození architektura a Styl Napoleona III
Example of very beautiful Baroque Revival details of city-houses from Bukurešť (Romania), from left to right and from up to down: a window with a female mascaron mezi dvěma girlandy; A kartuše nad oknem; kartušové okno s mužským maskaronem; balkón; štuky v domě; okno s kartuší v horní části s monogramem v něm

Na konci 19. století byl zlatý věk obrození styly, včetně barokního obrození nebo neobaroka.

Kromě své praktické (ochranné) funkce má obličej také estetické a architektonické účely. Zrcadlí převládající styly určité éry. Ozdoby jsou nejběžnějším „ornamentem“ budov.[106] Ozdoby používané v architektuře 17.-18. Století jsou znovu použity v budovách barokního obrození, včetně: rohy hojnosti, girlandy, andělé, žena nebo muž maskarony, oválný kartuše, akantové listy, klasický sloupy, karyatidy, štíty a další prvky Řecko-římská architektura. Většina barokních obnovených budov má mansardové střechy, obvykle modrá nebo někdy černá, s ovál nebo vikýř Okna. Některé domy mají tento styl ve tvaru kartuše oculus okna, obvykle s maskaronem nahoře nebo dole. Ve Francii a Rumunsku je mnoho vchodů markýzy (francouzština: Markýza; rumunština: marchiză), vyrobené ze skla a kovu, obvykle v a mušle -tvar. V těchto dvou krajích, zejména v Rumunsku, se někdy kombinoval neobarok s secese. Beaux-Arts budovy z konce 90. a počátku 20. let 20. století jsou velmi dobrým příkladem architektury barokního obrození. Nejznámější novobarokní stavbou v Paříži jsou: Pavillon de Flore (část Palais du Louvre ), Palais Garnier, Petit Palais a Grand Palais. Mezi významné architekty tohoto stylu patří Charles Garnier (1825–1898), Ferdinand Fellner (1847–1917), Hermann Helmer (1849–1919) a Ion D. Berindey (1871–1928).

V dekorativním umění je barokní obrození obvykle známé jako Styl Napoleona III nebo styl Second Empire. Předměty v tomto stylu byly velmi oceňovány na konci 90. let 20. století a na začátku 20. století v Rumunsku, přičemž mnoho z nich bylo přivezeno z Francie nebo Rakouska. Jedním z hlavních vlivů byl Styl Ludvíka XVI nebo Francouzský neoklasicismus, který preferovala Císařovna Eugénie. V tomto stylu byly vyzdobeny její pokoje v Tuilerijském paláci a na dalších místech. Mezi další vlivy patří francouzská renesance a Styl Henry II, což byly populární vlivy na truhly a skříňky, bufety a pověření, které byly masivní a postavené jako malé katedrály, zdobené sloupy, štíty, kartuše, maskarony a vyřezávané anděly a chiméry. Byly obvykle vyrobeny z ořechu nebo dubu, nebo někdy z poirier, obarvené tak, aby se podobaly eben.[107]

Viz také

Poznámky

  1. ^ A b Heal, Bridget (1. prosince 2011). "'Lepší papež než kalvinista: Umění a identita v pozdějším luteránském Německu “. Německé dějiny. Německá historická společnost. 29 (4): 584–609. doi:10.1093 / gerhis / ghr066.
  2. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 153, 154 a 156.
  3. ^ „Origem da palavra BARROCO - Etimologia“. Dicionário Etimológico.
  4. ^ „BAROQUE: Etymologie de BAROQUE“. www.cnrtl.fr. empr. au port. barokní «Rocher granitique» et «perle irrégulière», atesté dep. le xiiie s. sous la forma Barroca (Inkvizice, str. 99, Portugaliae Monumenta Historica, 1856 sqq. dans Mach.), d'orig. obsc., prob. préromane en raison du suff. -ǒccu très répandu sur le teritorium ibérique
  5. ^ "Barokní". Encyklopedie Britannica. 3 (11. vydání). 1911.
  6. ^ Wikislovník. "Baroko - etymologie". Citováno 17. června 2019.
  7. ^ A b Robert Hudson Vincent, „Baroco: Logika anglické barokní poetiky“. Moderní jazyk čtvrtletní, Svazek 80, 3. vydání (září 2019)
  8. ^ A b „BAROQUE: Etymologie de BAROQUE“. www.cnrtl.fr. Citováno 4. ledna 2019.
  9. ^ Michael Meere, Francouzské renesanční a barokní drama: text, performance, teorie, Rowman & Littlefield, 2015, ISBN  1611495490
  10. ^ „se dit seulement des perles qui sont d'une rondeur fort imparfaite“. Le dictionnaire de l'Académie Française (1694)
  11. ^ Bluteau, Raphael (1728). Vocabulario Portuguez a Latino. 2. p. 58.
  12. ^ "Barokní". Online etymologický slovník. Citováno 31. prosince 2018.: "Ale Klein naznačuje, že jméno může pocházet od italského malíře Federica Barocciho (1528–1612), jehož dílo ovlivnilo styl."
  13. ^ Claude V. Palisca, „barokní“. The New Grove Dictionary of Music and Musicians, druhé vydání, editoval Stanley Sadie a John Tyrrell (London: Macmillan Publishers, 2001).
  14. ^ „se dit aussi au figuré, pour irrégulier, bizarre, inégale.“ Le dictionnaire de l'Académie Française (1762)
  15. ^ A b Encyklopedie; Lettre sur la Musique Française pod vedením Denis Diderot
  16. ^ Quatremère de Quincy, Encyclopédie Méthodique, Architektura, svazek 1, citovaný B. Migliorini, Manierismo, baròcco, rococò, Řím, 1962, s. 46
  17. ^ "veřejná sbírka přístupových slovníků". artflsrv03.uchicago.edu. Citováno 2. ledna 2019.
  18. ^ Burckhardt, Jacob (1855). Der Cicerone: eine Anleitung zum Genuss der Kunstwerke Italiens. Schweighauser. p.356. OCLC  315796790.
  19. ^ Hopkins, Owen, Les Styles en Architecture (2014), s. 70.
  20. ^ Denizeau, Gérard (2018). Zapping Prin Istoria Artelor (v rumunštině). Rao. p. 117. ISBN  978-606-006-149-6.
  21. ^ Hughes, J. Quentin (1953). Vliv italského manýrismu na maltskou architekturu Archivováno 14. března 2017 v Wayback Machine. Melitensiawath. Citováno 8. července 2016. str. 104–110.
  22. ^ Helen Gardner, Fred S. Kleiner a Christin J. Mamiya, Gardnerovo umění v průběhu věků (Belmont, CA: Thomson / Wadsworth, 2005), s. 516.
  23. ^ Heal, Bridget (20. února 2018). „Reformace a luteránské baroko“. Oxford University Press. Citováno 1. května 2018. Spisy teologů však mohou jít jen tak daleko k vysvětlení vývoje konfesijního vědomí a formování náboženské identity. Lutheranská vazba na náboženské obrazy byla výsledkem nejen Lutherova opatrného souhlasu s jejich používáním, ale také konkrétního náboženského a politického kontextu, ve kterém se jeho reformace odehrála. Po reformátorově smrti v roce 1546 byla otázka obrazu znovu ostře zpochybněna. Ale jak se kalvinismus šířil se svými ikonoklastickými tendencemi, němečtí luteráni reagovali tím, že znovu potvrdili svůj závazek správného používání náboženských obrazů. V roce 1615 se berlínští luteránští občané dokonce vzbouřili, když jejich kalvínští vládci odebrali z městské katedrály obrazy.
  24. ^ Ducher, str. 102
  25. ^ A b Ducher (1988), str. 106-107
  26. ^ Ducher (1988), str. 102
  27. ^ Cabanne (1988), strana 12
  28. ^ Ducher (1988)
  29. ^ A b Ducher (1988), str. 104.
  30. ^ Cabanne (1988), strana 15
  31. ^ Cabanne (1988), strany 18–19.
  32. ^ Cabanne (1988), str. 48-49
  33. ^ A b C Cabanne (1988) str. 48–51
  34. ^ Cabanne (1988) str. 63
  35. ^ A b Ducher (2014), str. 92.
  36. ^ Cabanne (1988), str. 89–94.
  37. ^ Ducher (1988), str. 104–105.
  38. ^ „Kolumna Zygmunta III Wazy w Warszawie“. Culture.pl. Citováno 24. června 2019.
  39. ^ „WILANÓWSKÝ PALÁC“. www.anothertravelguide.com. Citováno 24. června 2019.
  40. ^ „Tylman z Gameren - architekt Warszawy: Polak z wyboru, Holender z pochodzenia -“. CODART. Citováno 24. června 2019.
  41. ^ Cabanne (1988), strany 25–32.
  42. ^ Cabanne (1988), str. 25–28.
  43. ^ Cabanne (1988), str. 28–33.
  44. ^ „Věk baroka v Portugalsku“. www.nga.gov.
  45. ^ http://www.resumos.net/files/caracterizacaodaarquiteturacha.doc
  46. ^ Bury, J. B. (1956). „Pozdní baroko a rokoko v severním Portugalsku“. Journal of the Society of Architectural Historians. 15 (3): 7–15. doi:10.2307/987760. JSTOR  987760.
  47. ^ „Hm Roteiro pelo Barroco bracarense“. Ochutnejte Braga. 30. srpna 2017.
  48. ^ „Notícias - Direção Regional de Cultura do Norte“. culturanorte.gov.pt.
  49. ^ Centrum, světové dědictví UNESCO. „Historic Center of Porto, Luiz I Bridge and Monastery of Serra do Pilar“. Centrum světového dědictví UNESCO.
  50. ^ "Architektura a baroko". www.torredosclerigos.pt.
  51. ^ „Kostel S. João Novo“. www.upt.pt.
  52. ^ „DGPC | Pesquisa Geral“. www.patrimoniocultural.gov.pt.
  53. ^ „DGPC | Pesquisa Geral“. www.patrimoniocultural.gov.pt.
  54. ^ William Craft Brumfield (1993). „Osmá kapitola: Základy baroka v Petrohradu“. Historie ruské architektury. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN  978-0-521-40333-7.
  55. ^ Bailey, Gauvin Alexander (2012). Baroko a rokoko. Phaidon. p. 366 a 367. ISBN  978-0-7148-5742-8.
  56. ^ Thomas da Costa Kaufmann (1999). „12 / East and West: Jezuit Art and Artists in Central Europe, and Central European Art in the Americas“. V John W. O'Malley; Gauvin Alexander Bailey; Steven J. Harris; T. Frank Kennedy (eds.). Jezuité: Kultury, vědy a umění, 1540–1773, svazek 1. University of Toronto Press. str. 274–304. ISBN  9780802042873.
  57. ^ Gauvin Alexander Bailey (1999). Umění o jezuitských misích v Asii a Latinské Americe, 1542–1773. University of Toronto Press. s. 4–10. ISBN  9780802085078.
  58. ^ José Maria Azcarate Ristori; Alfonso Emilio Perez Sanchez; Juan Antonio Ramirez Dominguez (1983). „Historia Del Arte“.
  59. ^ Larousse (1990). DICCIONARIO ENCICLOPEDICO LAROUSSE. 12 TOMOS. Barcelona: Redakční planeta.
  60. ^ „CATEDRAL, TESTIGO DE LA HISTORIA. LA CONSTRUCCIÓN DE LA NUEVA PARROQUIA, HOY CATEDRAL“. catedraldechihuahua.blogspot.com.
  61. ^ „Historia y arquitectura“. lahabana.com.
  62. ^ Cláudia Damasceno Fonseca. „Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Pretos“. Património de influência portuguesa. Calouste Gulbenkian Foundation.
  63. ^ Jorge Salvador Lara (2009). Historia de Quito, Luz de América. Bicentenario del 10 de agosto de 1809. Quito: Fonsal. 124, 125. ISBN  9789978366189.
  64. ^ Asociación de Funcionarios del Servicio Diplomático del Perú. „UNA VISITA AL PALACIO DE TORRE TAGLE, CASA DE LA DIPLOMACIA PERUANA“ (ve španělštině).
  65. ^ „Iglesia de Santo Domingo“. Webové stránky Ministerstva cestovního ruchu Chile (ve španělštině).
  66. ^ Prater a Bauer, La Peinture du baroque (1997), str. 11
  67. ^ Prater a Bauer, La Peinture du baroque (1997), str. 3–15
  68. ^ Prater a Bauer, La Peinture du baroque (1997), str. 12
  69. ^ „Prvky barokního stylu.“ v Umění a humanitní vědy v éře, editovali Edward I. Bleiberg, James Allan Evans, Kristen Mossler Figg, Philip M. Soergel a John Block Friedman, 466–470. Sv. 5, Věk baroka a osvícení 1600–1800. Detroit, MI: Gale, 2005.
  70. ^ Ducher (1988), strany 108–109
  71. ^ Cabanne (1988), s. 102–104
  72. ^ Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 246. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  73. ^ Fortenberry, Diane (2017). UMĚLSKÉ MUZEUM. Phaidon. p. 259. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  74. ^ Boucher (1998), str. 146.
  75. ^ Boucher (1998), str. 16.
  76. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 168.
  77. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 176 a 177.
  78. ^ Renault a Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), str. 59
  79. ^ Renault a Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), str. 59
  80. ^ „Pier Table“. Institut umění v Chicagu.
  81. ^ „Šikmá recepce“. Institut umění v Chicagu.
  82. ^ A b Palisca 2001.
  83. ^ Sachs, Curt (1919). Barockmusik [Barokní hudba]. Jahrbuch der Musikbibliothek Peters (v němčině). 26. Leipzig: Edition Peters. s. 7–15.
  84. ^ A b Bély (2005), s. 152–54.
  85. ^ Erlich, Cyril (1990). Klavír: Historie. Oxford University Press, USA; Přepracované vydání. ISBN  0-19-816171-9.
  86. ^ Powers, Wendy (říjen 2003). „Piano: Pianofortes Bartolomeo Cristofori (1655–1731)“. Heilbrunn Časová osa dějin umění. New York: Metropolitní muzeum umění. Citováno 27. ledna 2014.
  87. ^ Isacoff (2012), str. 23.
  88. ^ „Barokní divadla a inscenace“. Encyklopedie Britannica. Citováno 14. listopadu 2019.
  89. ^ González Mas (1980), s. 1–2.
  90. ^ González Mas (1980), str. 8.
  91. ^ González Mas (1980), str. 13.
  92. ^ González Mas (1980), str. 91.
  93. ^ Lope de Vega, 2010, Komedie: El Remedio en la Desdicha. El Mejor Alcalde El Rey, str. 446–447
  94. ^ Amadei-Pulice (1990), str. 6.
  95. ^ Wilson, Edward M .; Moir, Duncan (1992). Historia de la literatura española: Siglo De Oro: Teatro (1492–1700). Redakční Ariel, str. 155–158
  96. ^ Amadei-Pulice (1990), s. 26–27.
  97. ^ Molina Jiménez, María Belén (2008). El teatro musical de Calderón de la Barca: Análisis textual. EDITUM, s. 56
  98. ^ Amadei-Pulice (1990), s. 6–9.
  99. ^ A b C d Maya Ramos Smith; Concepción Reverte Bernal; Mercedes de los Reyes Peña (1996). América y el teatro español del Siglo de Oro. II Congreso Iberoamericano del Teatro - Tercera ponencia: Actores y compañías de América durante la época virreinal. Cádiz: Publikační služba univerzity v Cádizu. str. 79–80, 85–86, 133–134, 141. ISBN  84-7786-536-1.
  100. ^ Podle vlastních prohlášení dramatika se narodil v Mexico City v letech 1580 nebo 1581. V Taxcu však byl nalezen křestní list ze dne 30. prosince 1572, který patří chlapci jménem Juan, syn Pedra Ruize de Alarcóna a Leonora de Mendoza, rodiče básníka. Přes Alarcónova prohlášení většina kritiků považuje Taxco za své rodiště. Viz Lola Josa, Juan Ruiz de Alarcón a současný umělec v komedii, Madrid, Mezinárodní asociace hispánců, 2008, s. 7–14.
  101. ^ A b C Kluckert, Ehrenfried (2015). „Les Jardins Baroques“. L'Art Baroque - Architecture- Sculpture- Peinture. Kolín nad Rýnem: H.F. Ulmann. 152–160. ISBN  978-3-8480-0856-8. (Francouzský překlad z němčiny)
  102. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Bukurešť: Cerces. p. 160 a 163.
  103. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Bukurešť: Cerces. p. 192.
  104. ^ Cabanne (1988), str. 106.
  105. ^ A b Boucher (1998), str. 9.
  106. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (v rumunštině). Vydavatel Cetatea de Scaun. p. 250. ISBN  978-606-537-382-2.
  107. ^ Ducher 1988, str. 194–195.
  108. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (v rumunštině). Vydavatel Cetatea de Scaun. p. 113. ISBN  978-606-537-382-2.

Zdroje

  • Amadei-Pulice, María Alicia (1990). Calderón y el barroco: exaltación y engaño de los sentidos. Monografie Purdue University v románských jazycích (v italštině). 31. Amsterdam; Philadelphia: John Benjamins Publishing Company. ISBN  978-9-02-721747-9.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Bély, Lucien (2005). Louis XIV - Le Plus Grand Roi du Monde (francouzsky). Vydání Jean-Paul Gisserot. ISBN  978-2-87-747772-7.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Boucher, Bruce (1998). Italské barokní sochařství. Svět umění. Temže a Hudson. ISBN  0-50-020307-5.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Cabanne, Pierre (1988). L'Art Classique et le Baroque (francouzsky). Paris: Larousse. ISBN  978-2-03-583324-2.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Causa, Raffaello, L'Art au XVIII siècle du rococo à Goya (1963), (ve francouzštině) Hachcette, Paříž ISBN  2-86535-036-3
  • Ducher, Robert (1988). Caractéristique des Styles. Paris: Flammarion. ISBN  2-08-011539-1.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Ducher, Robert (2014). La Caractéristique des Styles.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Gardner, Helen, Fred S. Kleiner a Christin J. Mamiya. 2005. Gardnerovo umění v průběhu věků, 12. vydání. Belmont, Kalifornie: Thomson / Wadsworth. ISBN  978-0-15-505090-7 (tvrdý obal)
  • González Mas, Ezequiel (1980). Historia de la literatura española: (Siglo XVII). Barroco, Objem 3. La Editorial, UPR.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Isacoff, Stuart (2012). Přirozená historie klavíru: Nástroj, hudba, hudebníci - od Mozarta po moderní jazz a vše mezi tím. Nakladatelství Knopf Doubleday.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Prater, Andreas a Bauer, Hermann, La Peinture du baroque (1997), (ve francouzštině), Taschen, Paříž ISBN  3-8228-8365-4
  • Tazartes, Maurizia, Fontaines de Rome, (2004), (ve francouzštině) Citadelles, Paříž ISBN  2-85088-200-3

Další čtení

  • Andersen, Liselotte. 1969. Barokní a rokokové umění, New York: H. N. Abrams. ISBN  978-0-8109-8027-3
  • Bailey, Gauvin Alexander. 2012. Baroko a rokoko, Londýn: Phaidon Press. ISBN  978-0-7148-5742-8
  • Bazin, Germain, 1964. Baroko a rokoko. Série Praeger World of Art. New York: Praeger. (Původně publikováno ve francouzštině, as Klasika, baroko a rokoko. Paris: Larousse. Anglické vydání přetištěno jako Barokní a rokokové umění, New York: Praeger, 1974)
  • Buci-Glucksmann, Christine. 1994. Barokní důvod: Estetika moderny. Šalvěj.
  • Downes, Kerry, "Barokní"[trvalý mrtvý odkaz ], Grove Art Online, Oxford Art Online, Oxford University Press, Web. 23. října 2017.[je nutné ověření ] (vyžadováno předplatné)
  • Hills, Helen (ed.). 2011. Přehodnocení baroka. Farnham, Surrey; Burlington, VT: Ashgate. ISBN  978-0-7546-6685-1.
  • Hortolà, Policarp, 2013, Estetika hemotafonomie: Stylistické paralely mezi vědou a literaturou a vizuálním uměním. Sant Vicent del Raspeig: ECU. ISBN  978-84-9948-991-9.
  • Kitson, Michael. 1966. Věk baroka. Památky světového umění. Londýn: Hamlyn; New York: McGraw-Hill.
  • Lambert, Gregg, 2004. Návrat baroka v moderní kultuře. Kontinuum. ISBN  978-0-8264-6648-8.
  • Martin, John Rupert. 1977. Barokní. Ikonové edice. New York: Harper a Rowe. ISBN  0-06-435332-X (tkanina); ISBN  0-06-430077-3 (pbk.)
  • Palisca, Claude V. (1991) [1961]. Barokní hudba. Dějiny hudby Prentice Hall (3. vyd.). Englewood Cliffs, N.J .: Prentice Hall. ISBN  0-13-058496-7. OCLC  318382784.
  • Riegl, Alois (2010). Hopkins, Andrew (ed.). Počátky barokního umění v Římě (texty a dokumenty). Getty Research Institute. ISBN  978-1-6060-6041-4.
  • Wölfflin, Heinrich (1964) [Původně publikováno v němčině, 1888]. Renesance a baroka. Přeložil Simon, Kathrin. ISBN  0-0021-7349-2.
  • Vuillemin, Jean-Claude, 2013. Epistémové baroko: zvolil le mot et la. Hermann. ISBN  978-2-7056-8448-8.
  • Wakefield, Steve. 2004. Carpentier's Baroque Fiction: Returning Medusa's Gaze. Colección Támesis. Serie A, Monografías 208. Rochester, NY: Tamesis. ISBN  1-85566-107-1.
  • Massimo Colella, Il Barocco sabaudo tra mecenatismo e retorica. Maria Giovanna Battista di Savoia Nemours e l'Accademia Reale Letteraria di Torino, Fondazione 1563 za l'Arte e la Cultura della Compagnia di San Paolo, Torino („Alti Studi sull'Età e la Cultura del Barocco“, IV-1), 2019, s. 180.
  • Massimo Colella, Separatezza e conversazione. Sondaggi intertestuali attorno a Ciro di Pers, v «Xenia. Trimestrale di Letteratura e Cultura »(Janov), IV, 1, 2019, s. 11–37.

externí odkazy