Secese - Art Nouveau - Wikipedia

secese
Abbesses.JPG
Alfons Mucha - F. Champenois Imprimeur-Éditeur.jpg
Louis comfort tiffany, lampada da tavolo pomb lily, 1900-10 ca..JPG
Louis Majorelle - Nástěnná skříňka - Walters 6587.jpg
Tassel House stairway.JPG
Ve směru hodinových ručiček zleva nahoře: stanice metra v Paříži Abatyše tím, že Hector Guimard (1900); Litografie od Alfons Mucha (1898); Nástěnná skříňka od Louis Majorelle; Lampa od Louis Comfort Tiffany (1900–1910); Interiér Hôtel Tassel podle Victor Horta (1892–1893).
Aktivní rokyC. 1890–1910
Zemězápadní svět

secese (/ˌɑːrtnuːˈprotioʊ,ˌɑːr/; Francouzština:[aʁ nuvo]) je mezinárodní styl umění, architektury a užité umění, zejména dekorativní umění, známý v různých jazycích pod různými jmény: Secese v němčině, Stile Liberty v italštině, Modernisme català v katalánštině atd. V angličtině se také označuje jako Moderní styl (britský secesní styl). Styl byl nejpopulárnější mezi lety 1890 a 1910.[1] Byla to reakce proti akademické umění, eklektismus a historismus architektury a dekorace 19. století. To bylo často inspirováno přírodními formami, jako jsou klikaté křivky rostlin a květin.[2] Další charakteristikou secese byl smysl pro dynamiku a pohyb, často daný asymetrií nebo linie krční páteře a použití moderních materiálů, zejména železa, skla, keramiky a později betonu, k vytvoření neobvyklých forem a větších otevřených prostor.[3]

Jedním z hlavních cílů secese bylo prolomit tradiční rozdíl mezi výtvarným uměním (zejména malířstvím a sochařstvím) a užitým uměním. To bylo nejvíce široce používán v interiérovém designu, grafice, nábytku, sklářském umění, textilu, keramice, klenotnictví a kovovýrobě. Styl reagoval na přední teoretiky 19. století, jako je francouzský architekt Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (1814–1879) a britský kritik umění John Ruskin (1819–1900). V Británii to bylo ovlivněno William Morris a Hnutí umění a řemesel. Němečtí architekti a designéři hledali duchovně povznášející Gesamtkunstwerk („totální umělecké dílo“), které by sjednotilo architekturu, vybavení a umění v interiéru do společného stylu, aby povzneslo a inspirovalo obyvatele.[3]

První secesní domy a výzdoba interiérů objevil se v Bruselu v 90. letech 19. století v architektuře a interiérovém designu domů navržených Paul Hankar, Henry van de Velde a zejména Victor Horta, jehož Hôtel Tassel byla dokončena v roce 1893.[4][5][6] Rychle se přesunul do Paříže, kde byl adaptován Hector Guimard, který viděl Hortovu práci v Bruselu a použil styl pro vstupy nového Paris Métro. To dosáhlo svého vrcholu v 1900 Pařížská mezinárodní výstava, která představila secesní tvorbu umělců jako např Louis Tiffany. Objevilo se to v grafice na plakátech Alfons Mucha a sklo ze skla René Lalique a Émile Gallé.

Z Belgie a Francie se rozšířila do zbytku Evropy a v každé zemi převzala různá jména a charakteristiky (viz Sekce pojmenování níže). Často se objevovala nejen v hlavních městech, ale také v rychle rostoucích městech, která chtěla vytvořit uměleckou identitu (Turín a Palermo v Itálii; Glasgow ve Skotsku; Mnichov a Darmstadt v Německu), jakož i v centrech hnutí za nezávislost (Helsinki ve Finsku, tehdy části ruské říše; Barcelona v Katalánsko, Španělsko).

Do roku 1914 a na začátku První světová válka, Secese byla z velké části vyčerpána. Ve 20. letech 20. století byl jako dominantní architektonický a dekorativní umělecký styl nahrazen Art Deco a pak Modernismus.[7] Secesnímu stylu se začalo dostávat kladnější pozornosti kritiků koncem šedesátých let, a to velkou výstavou díla Hector Guimard na Muzeum moderního umění v roce 1970.[8]

Pojmenování

Termín secese byl poprvé použit v 80. letech 19. století v belgickém časopise L'Art Moderne popsat práci Les Vingt, dvacet malířů a sochařů usilujících o reformu prostřednictvím umění. Jméno popularizovalo Maison de l'Art Nouveau („Dům nového umění“), umělecká galerie otevřená v Paříži v roce 1895 francouzsko-německou obchodník s uměním Siegfried Bing. V Británii francouzský výraz secese se běžně používalo, zatímco ve Francii se tomu často říkalo termín Styl moderní (podobný britskému výrazu Moderní styl), nebo Styl 1900.[9] Ve Francii se tomu někdy také říkalo Styl Jules Verne (po romanopisci Jules Verne ), Style Métro (po Hector Guimard železné a skleněné vchody metra), Art Belle Époquenebo Art fin de siècle.[10]

Secese souvisí, ale není totožná se styly, které se objevily v mnoha zemích Evropy přibližně ve stejnou dobu. Jejich místní jména byla často používána v příslušných zemích k popisu celého hnutí.

  • V Belgii se tomu někdy říkalo Styl převratu („Whiplash style“), Paling Stijl ("Úhoř styl") nebo Styl nouille („Noodle style“) podle jeho kritiků.[10]
  • v Británie, kromě secese, to bylo známé jako Moderní styl, nebo z důvodu děl Glasgowská škola jako Glasgowský styl. Termín Moderní se také používá v Ázerbajdžán, Kazachstán, Rusko a Ukrajina, a Modernas v Litva.
  • V Německu a Skandinávii se tomu říkalo Reformstil („Reformní styl“) nebo Secese („Youth style“), po populárním německém uměleckém časopise tohoto jména,[10] stejně jako Wellenstil („Wave style“) nebo Lilienstil („Lily style“).[9] Nyní se nazývá Jugend ve Finsku a Švédsku, Juugend v Estonsko, a Jugendstils v Lotyšsko.
  • V Dánsku je znám jako Skønvirke („Krása“).
  • V Rakousku a sousedních zemích pak část EU Rakousko-Uhersko, Wiener Jugendstilnebo Secese ("Secesní styl"), podle umělců Vídeňská secese (maďarský: szecesszió, čeština: secese, Slovák: secesie, polština: secesja).
  • V Itálii se tomu často říkalo Styl svobody, po Arthur Lasenby Liberty, zakladatel londýnské společnosti Liberty & Co., jehož textilní vzory byly populární. Také se tomu někdy říkalo Stile floreale („Květinový styl“) nebo Arte Nuova („Nové umění“).[10]
  • Ve Spojených státech, kvůli jeho spojení s Louis Comfort Tiffany, někdy se tomu říkalo „styl Tiffany“.[3][11][9][12]
  • V Nizozemsku se tomu říkalo Nieuwe Kunst („Nové umění“) nebo Nieuwe Stijl ("Nový styl").[11][9]
  • V Portugalsku Arte nova.
  • Ve Španělsku, Modernismus, Modernismus (v katalánštině) a Arte Joven („Mladé umění“).
  • Ve Švýcarsku, Styl Sapin („Styl borovice“).[9]
  • Ve Finsku Kalevala styl.
  • V Rusku, Модерн („Moderní“) nebo pro malování Мир Искусства (Mir Iskusstva „Svět umění“).
  • V Japonsku, Shiro-Uma.[13]
  • v Rumunsko, Arta Nouă („Nové umění“) nebo Noul Stil ("Nový styl").[14]

Dějiny

Viz také: Časová osa secese

Počátky

Nové umělecké hnutí mělo kořeny v Británii v květinových vzorech William Morris a v Hnutí umění a řemesel založili žáci Morris. Rané prototypy stylu zahrnují červený dům s interiéry od Morrise a architekturou od Philip Webb (1859), a opulentní Peacock Room podle James Abbott McNeill Whistler. Nové hnutí bylo také silně ovlivněno Prerafaelit malíři, včetně Dante Gabriel Rossetti a Edward Burne-Jones, a zejména britskými grafiky 80. let 19. století, včetně Selwyn obrázek, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert a zejména Aubrey Beardsley.[15] Židli navrhl Arthur Mackmurdo byl uznán jako předchůdce secesního designu.[16]

Ve Francii to bylo ovlivněno architektonickým teoretikem a historikem Eugène Viollet-le-Duc, prohlášen za nepřítele historie Beaux-Arts architektonický styl. Ve své knize z roku 1872 Entretiens sur l'architecture, napsal: „Používejte prostředky a znalosti, které nám dávají naše časy, bez zasahujících tradic, které již dnes nejsou životaschopné, a tak můžeme zahájit novou architekturu. Pro každou funkci její materiál; pro každý materiál jeho forma a jeho ozdoba. “[17] Tato kniha ovlivnila generaci architektů, včetně Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard, a Antoni Gaudí.[18]

Francouzští malíři Maurice Denis, Pierre Bonnard a Édouard Vuillard hrála důležitou roli v integraci malby výtvarného umění s dekorací. „Věřím, že před tím, co musí obraz vyzdobit,“ napsal Denis v roce 1891. „Volba témat nebo scén není nic. Díky duchu tónů, barevnému povrchu a harmonii linií mohu dosáhnout ducha a probuď emoce. “[19] Všichni tito malíři prováděli tradiční malbu i dekorativní malbu na obrazovkách, ve skle a v jiných médiích.[20]

Další důležitý vliv na nový styl byl Japonismus. To byla vlna nadšení japonský dřevořezový tisk, zejména díla Hirošige, Hokusai, a Utagawa Kunisada, které byly do Evropy dováženy od 70. let 19. století. Podnikavý Siegfried Bing založil měsíčník, Le Japon artistique v roce 1888 a vyšlo třicet šest čísel, než skončilo v roce 1891. Ovlivnilo to jak sběratele, tak umělce Gustav Klimt. Stylizované rysy japonských tisků se objevily v secesní grafice, porcelánu, špercích a nábytku. Od začátku roku 1860, an Dálný východ vliv se náhle projevil. V roce 1862 si milovníci umění z Londýna nebo Paříže mohli koupit Japonská umělecká díla, protože v tomto roce se Japonsko poprvé objevilo jako vystavovatel na veletrhu Mezinárodní výstava v Londýně. Také v roce 1862, v Paříži, La Porte Chinoise obchod, na Rue de Rivoli, byl otevřený, kde Japonci ukiyo-e a další předměty z Dálného východu byly prodány. V roce 1867 Příklady čínských ozdob podle Owen Jones se objevil, a v roce 1870 Umění a průmysl v Japonsku R. Alcocka a o dva roky později vydali O. H. Moser a T. W. Cutler knihy o japonském umění. Někteří secesní umělci, jako Victor Horta, vlastnil sbírku umění Dálného východu, zejména japonského.[13]

Nové technologie v oblasti tisku a publikování umožnily secesi rychle zasáhnout globální publikum. Umělecké časopisy, ilustrované fotografiemi a barvami litografie, hrálo zásadní roli v popularizaci nového stylu. Studio v Anglii, Umění a ideje a Art et décoration ve Francii a Jugend v Německu umožnil, aby se styl rychle rozšířil do všech koutů Evropy. Aubrey Beardsley v Anglii a Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec, a Félix Vallotton dosáhl mezinárodního uznání jako ilustrátor.[21]S plakáty od Jules Chéret pro tanečníka Loie Fullerová v roce 1893 a do Alfons Mucha pro herečku Sarah Bernhardt v roce 1895 se plakát stal nejen reklamou, ale také uměleckou formou. Sarah Bernhardt odložila velké množství svých plakátů na prodej sběratelům.[22]

Development - Brusel (1893–1898)

První secesní měšťanské domy, Hankarův dům podle Paul Hankar (1893) a Hôtel Tassel podle Victor Horta (1892–1893),[4][5] byly postaveny téměř současně v Brusel. Hankar byl zvláště inspirován teoriemi francouzského architekta Eugène Viollet-le-Duc. S cílem vytvořit syntézu výtvarného a dekorativního umění přinesl Adolphe Crespin [fr ] a Albert Ciamberlani [fr ] vyzdobit interiér a exteriér sgrafito nebo nástěnné malby. Hankar zdobil obchody, restaurace a galerie tím, co místní kritik nazval „opravdovým deliriem originality“. Zemřel v roce 1901, právě když se hnutí začalo dostávat uznání.[23]

Victor Horta byl jedním z nejvlivnějších architektů rané secese a jeho Hôtel Tassel (1892–1893) je jednou z dominant stylu.[24][25] Hortovo architektonické školení bylo jako asistent Alphonse Balat, architekt Leopold II Belgie, stavba monumentálního železa a skla Skleníky v Laekenu.[26] V letech 1892–1893 tuto zkušenost využil velmi odlišně. Navrhl bydliště významného belgického chemika Émile Tassel na velmi úzkém a hlubokém místě. Ústředním prvkem domu bylo schodiště, neuzavřené stěnami, ale otevřené, zdobené zvlněným zábradlím z tepaného železa a umístěné pod vysokým střešním oknem. Podlahy byly podepřeny štíhlými železnými sloupy jako kmeny stromů. Mozaikové podlahy a stěny byly zdobeny jemnými arabesky v květinové a rostlinné formě, která se stala nejoblíbenějším podpisem stylu.[27][28] V krátké době postavila Horta další tři městské domy, všechny s otevřeným interiérem a všechny se střešními okny pro maximální osvětlení interiéru: Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde a Maison & Atelier Horta. Všechny čtyři jsou nyní součástí a Seznam světového dědictví UNESCO.

Henry van de Velde, narozen v Antverpy, byla další zakládající osobností při zrodu secese. Van de Velde designy zahrnovaly interiér jeho rezidence, Bloemenwerf (1895).[29][30] Exteriér domu byl inspirován červený dům, rezidence spisovatele a teoretika William Morris, zakladatel Hnutí umění a řemesel. Van de Velde se vyučil malířem a obrátil se k ilustraci, poté k designu nábytku a nakonec k architektuře. Pro Bloemenwerf, vytvořil textilie, tapety, stříbro, šperky a dokonce i oblečení, které odpovídaly stylu rezidence.[31] Van de Velde odešel do Paříže, kde navrhoval nábytek a dekorace Samuel Bing, jehož pařížská galerie dala tomuto stylu název. Byl také jedním z prvních secesních teoretiků, požadujících použití dynamických, často protichůdných linií. Van de Velde napsal: "Linie je síla jako všechny ostatní základní síly. Několik linií dohromady, ale proti nim, má přítomnost stejně silnou jako několik sil." V roce 1906 odešel z Belgie Weimar (Německo), kde založil velkovévodskou školu uměleckých řemesel, kde byla zakázána výuka historických stylů. On hrál důležitou roli v Německý Werkbund, před návratem do Belgie.[32]

Debut secesní architektury v Bruselu doprovázela vlna dekorativního umění v novém stylu. Včetně významných umělců Gustave Strauven, kteří používali tepaného železa k dosažení barokních efektů na bruselských fasádách; návrhář nábytku Gustave Serrurier-Bovy, známý svými vysoce originálními židlemi a kovovým nábytkem; a návrhář šperků Philippe Wolfers, kteří vyráběli šperky v podobě vážek, motýlů, labutí a hadů.[33]

The Bruselská mezinárodní výstava konané v roce 1897 přineslo mezinárodní pozornost stylu; Na designu veletrhu se podílely mimo jiné Horta, Hankar, Van de Velde a Serrurier-Bovy a Henri Privat-Livemont vytvořil plakát k výstavě.

Paříž - Maison de l'Art Nouveau (1895) a Castel Beranger (1895–1898)

Francouzsko-německý obchodník s uměním a vydavatel Siegfried Bing hrála klíčovou roli při propagaci stylu. V roce 1891 založil časopis věnovaný japonskému umění, který pomáhal propagovat Japonismus v Evropě. V roce 1892 uspořádal výstavu sedmi umělců, mezi nimi i Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard Vuillard, Toulouse-Lautrec a Eugène Grasset, který zahrnoval jak moderní malířství, tak dekorativní práce. Tato výstava byla uvedena na Société nationale des beaux-arts v roce 1895. Ve stejném roce Bing otevřel novou galerii v 22 rue de Provence v Paříži Maison de l'Art Nouveau, věnovaná novým dílům ve výtvarném i dekorativním umění. Interiér a nábytek galerie navrhl belgický architekt Henry van de Velde, jeden z průkopníků secesní architektury. The Maison de l'Art Nouveau předvedl obrazy od Georges Seurat, Paul Signac a Toulouse-Lautrec, sklo od Louis Comfort Tiffany a Émile Gallé, šperky od René Lalique a plakáty od Aubrey Beardsley. Práce zde zobrazené nebyly vůbec jednotné ve stylu. Bing napsal v roce 1902: „Secese, v době svého vzniku, se nijak nesnažila mít tu čest stát se generickým pojmem. Byl to prostě název domu otevřeného jako místo, kde se shromažďují všichni mladí a horliví umělci netrpěliví, aby ukázali modernost svých tendencí. “[34]

Tento styl si rychle všimli v sousední Francii. Po návštěvě Hortova hotelu Tassel, Hector Guimard postavil Castel Béranger, mezi prvními pařížskými budovami v novém stylu, mezi lety 1895 a 1898.[poznámka 1] Pařížané si stěžovali na monotónnost architektury budovaných bulvárů Napoleon III podle Georges-Eugène Haussmann. Castel Beranger byla zvláštní směsice novogotiky a secese se zakřivením whiplash linie a přirozené tvary. Guimard, zkušený publicista své práce, prohlásil: „Čemu je třeba se za každou cenu vyhnout, je ... paralela a symetrie. Příroda je největším tvůrcem všech a příroda nedělá nic, co je paralelní a nic, co je symetrické.“ [36]

Pařížané uvítali Guimardův originální a malebný styl; Castel Béranger byl vybrán jako jedna z nejlepších nových fasád v Paříži a zahájil Guimardovu kariéru. Guimard dostal provizi za návrh vchodů pro nový Paris Métro systém, který upozornil na styl miliony návštěvníků města 1900 Expozice Universelle.[10]

Paříž Expozice Universelle (1900)

Hlavní článek: Expozice Universelle (1900)

Paříž 1900 Expozice universelle označil vrchol secese. V období od dubna do listopadu 1900 přilákalo téměř padesát milionů návštěvníků z celého světa a představilo architekturu, design, sklo, nábytek a dekorativní předměty tohoto stylu. Architektura expozice byla často směsicí secese a Beaux-Arts architektura: hlavní výstavní síň, Grand Palais měl fasádu Beaux-Arts zcela nesouvisející s velkolepým secesním schodištěm a výstavní síní v interiéru.

Všichni francouzští designéři vytvořili pro výstavu speciální díla: Lalique křišťál a šperky; šperky od Henri Vever a Georges Fouquet; Daum sklenka; the Výroba národního de Sèvres v porcelán; keramika od Alexandre Bigot; tvarované skleněné lampy a vázy od Émile Gallé; nábytek od Édouard Colonna a Louis Majorelle; a mnoho dalších významných uměleckých a řemeslných firem. Na výstavě v Paříži v roce 1900 Siegfried Bing představil pavilon s názvem Art Nouveau Bing, který představoval šest různých interiérů zcela vyzdobených ve stylu.[37][38]

Expozice byla první mezinárodní přehlídkou secesních designérů a umělců z celé Evropy i mimo ni. Včetně výherců cen a účastníků Alfons Mucha, který vytvořil nástěnné malby pro pavilon Bosna a Hercegovina a navrhl menu pro restauraci pavilonu; dekoratéry a designéry Bruno Paul a Bruno Möhring z Berlína; Carlo Bugatti z Turín; Bernhardt Pankok z Bavorsko; Ruský architekt-designér Fyodor Schechtel, a Louis Comfort Tiffany a společnost ze Spojených států.[39] Vídeňský architekt Otto Wagner byl členem poroty a představil model secesní koupelny vlastního městského bytu ve Vídni se skleněnou vanou.[40] Josef Hoffmann navrhl vídeňskou výstavu v pařížské expozici a zdůraznil designy Vídeňská secese.[41] Eliel Saarinen nejprve získal mezinárodní uznání za svůj nápaditý design pavilonu Finska.[42]

Zatímco pařížská expozice byla zdaleka největší, jiné expozice přispěly k popularizaci stylu. The 1888 Barcelona Universal Exposition označil začátek Modernismus styl ve Španělsku, s některými budovami Lluís Domènech i Montaner. The Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna z roku 1902 v italském Turíně představila designéry z celé Evropy, včetně Victor Horta z Belgie a Joseph Maria Olbrich z Vídně, spolu s místními umělci jako např Carlo Bugatti, Galileo Chini a Eugenio Quarti.[43]

Místní variace

Art Nouveau ve Francii

Hlavní články: École de Nancy a Art Nouveau v Paříži

Po výstavě v roce 1900 byla hlavním městem secese Paříž. Nejextravagantnější rezidence ve stylu byly postaveny Jules Lavirotte, kteří zcela pokryli fasády keramickou sochařskou výzdobou. Nejpozoruhodnějším příkladem je Budova Lavirotte, ve 29, avenue rapp (1901). Kancelářské budovy a obchodní domy se vyznačovaly vysokými nádvořími pokrytými kopulemi z barevného skla a keramickou výzdobou. Tento styl byl obzvláště populární v restauracích a kavárnách Maxim na 3, rue Royale, a Le Train bleu na Gare de Lyon (1900).[44]

Status Paříže přilákal do města zahraniční umělce. Švýcarský umělec Eugène Grasset byl jedním z prvních tvůrců francouzských secesních plakátů. Pomohl vyzdobit slavný kabaret Le Chat Noir v roce 1885 vytvořil své první plakáty pro Fêtes de Paris a oslavovaný plakát Sarah Bernhardt v roce 1890. V Paříži učil na Guérinské umělecké škole (École normale d'enseignement du dessin), kde byli zahrnuti i jeho studenti Augusto Giacometti a Paul Berthon.[45][46] Narozený ve Švýcarsku Théophile-Alexandre Steinlen vytvořil slavný plakát pro Paříž kabaret Le Chat noir v roce 1896. The čeština umělec Alfons Mucha (1860–1939) přijela do Paříže v roce 1888 a v roce 1895 vyrobila ve hře plakát pro herečku Sarah Bernhardtovou Gismonda podle Victorien Sardou v Théâtre de la Renaissance. Úspěch tohoto plakátu vedl ke kontraktu na výrobu plakátů k dalším šesti hrám Bernhardta.

Město Nancy v Lorraine se stal dalším francouzským hlavním městem nového stylu. V roce 1901 Alliance provinciale des industry d'art, také známý jako École de Nancy, byla založena s cílem narušit hierarchii, která staví malbu a sochařství nad dekorativní umění. Mezi hlavní umělce, kteří tam působili, patřili tvůrci skleněné vázy a lamp Émile Gallé, Daum bratři ve skleněném designu a designér Louis Majorelle, který vytvořil nábytek s ladnými květinovými a rostlinnými tvary. Architekt Henri Sauvage přinesl nový architektonický styl Nancy s jeho Villa Majorelle v roce 1902.

Francouzský styl byl široce propagován novými časopisy, včetně Studio, Arts et Idées a Art et Décoration, jehož fotografie a barvy litografie seznámil tento styl s designéry a bohatými klienty po celém světě.

Ve Francii dosáhl styl svého vrcholu v roce 1900 a poté rychle vyklouzl z módy, prakticky zmizel z Francie do roku 1905. Secese byla luxusním stylem, který vyžadoval odborníky a vysoce placené řemeslníky a nemohl být snadno ani levně hromadný - vyrobeno. Jedním z mála secesních produktů, které bylo možné hromadně vyrábět, byla parfémová láhev, která se dodnes vyrábí v tomto stylu.

Secese v Belgii

Hlavní články: Secese v Bruselu a Art Nouveau v Antverpách

Belgie byla časným centrem secese, a to především díky architektuře Victor Horta, který navrhl jeden z prvních secesních domů, budovu Hôtel Tassel v roce 1893 a tři další řadové domy ve variantách stejného stylu. Teď jsou Památky světového dědictví UNESCO. Horta měla silný vliv na práci mladých Hector Guimard, který se přišel podívat na stavěný Hôtel Tassel a později prohlásil, že Horta je „vynálezcem“ secese.[47] Inovace Horty nebyla fasáda, ale interiér, který pomocí velkého množství železa a skla otevíral prostor a zaplavoval místnosti světlem a zdobil je kovanými železnými sloupy a zábradlími v zakřivených rostlinných formách, které se odrážely na podlahách a stěny, stejně jako nábytek a koberce, které Horta navrhla.[48]

Paul Hankar byl dalším průkopníkem bruselské secese. Jeho dům byl dokončen v roce 1903, ve stejném roce jako Hortův hotel Tassel, a představoval sgrafity nástěnné malby na fasádě. Hankar byl ovlivněn oběma Viollet-le-Duc a myšlenky Angličanů Hnutí umění a řemesel. Jeho myšlenkou koncepce bylo spojit dekorativní a výtvarné umění do souvislého celku. Pověřil sochaře Alfreda Cricka a malíře Adolphe Crespin [fr ] vyzdobit svou prací fasády domů. Nejvýraznějším příkladem byl dům a studio postavené pro umělce Alberta Ciamberlaniho ve 48, rue Defacqz/Defacqzstraat v Bruselu, pro který vytvořil bujnou fasádu pokrytou sgrafito nástěnné malby s malovanými postavami a ornamentem, které obnovují dekorativní architekturu Quattrocento nebo Itálie z 15. století.[49] Hankar zemřel v roce 1901, kdy jeho dílo dostávalo uznání.[50]

Gustave Strauven byl Hortovým asistentem, než zahájil vlastní praxi ve věku 21 let. Jeho nejslavnějším dílem je Maison Saint Cyr na náměstí Ambiorix v Bruselu. Pouhé čtyři metry široké je shora dolů zdobeno zakřiveným ornamentem ve stylu téměř secese a baroka.

Mezi další významné secesní umělce z Belgie patřil architekt a designér Henry van de Velde, ačkoli nejdůležitější část jeho kariéry strávil v Německu; silně ovlivnil výzdobu Secese. Mezi další patřil malíř Gustave Serrurier-Bovy a grafik Fernand Khnopff.[5][51][52] Belgičtí designéři využili bohaté nabídky slonová kost dovezeno z Belgické Kongo; smíšené plastiky kombinující kámen, kov a slonovinu od umělců jako Philippe Wolfers, byl populární.[53]

Nieuwe Kunst V Nizozemsku

  • Amsterdamská komoditní burza, do Hendrik Petrus Berlage (1896–1903)

  • Kabinet / stůl od Berlage (1898)

  • Plakát pro Delft salátový olej od Jan Toorop (1893)

  • Váza s abstraktním květinovým vzorem od Theo Colenbrander (1898)

  • Porcelánová váza navržená J. Jurriaaanem Kokem a dekorovaná W.R. Sterkenem (1901)

V Nizozemsku byl styl znám jako Nieuwe Stijl („Nový styl“) nebo Nieuwe Kunst („Nové umění“) a nabralo to jiný směr než květinový a zakřivený styl v Belgii. To bylo ovlivněno více geometrickými a stylizovanými formami němčiny Secese a rakouský Vídeňská secese.[53] To bylo také ovlivněno uměním a dovezeným dřevem z Indonésie, pak Nizozemská východní Indie, zejména designy textilií a batika z Jáva.

Nejdůležitější architekt a návrhář nábytku ve stylu byl Hendrik Petrus Berlage, který odsoudil historické styly a zastával čistě funkční architekturu. Napsal: „Je nutné bojovat proti umění iluze, lži a rozpoznat ji, abychom našli podstatu a ne iluzi.“[54] Jako Victor Horta a Gaudí, byl obdivovatelem architektonických teorií Viollet-le-Duc.[55] Jeho nábytek byl navržen tak, aby byl přísně funkční a aby respektoval přirozené formy dřeva, místo aby je ohýbal nebo kroutil, jako by to byl kov. Poukázal na příklad egyptského nábytku a upřednostňoval židle s pravými úhly. Jeho prvním a nejslavnějším architektonickým dílem byl Beurs van Berlage (1896–1903), Amsterodamská komoditní burza, kterou vybudoval na základě zásad konstruktivismus. Všechno bylo funkční, včetně linií nýtů, které zdobily stěny hlavní místnosti. Často do svých budov zahrnul velmi vysoké věže, aby byly výraznější, což je praxe používaná jinými secesními architekty té doby, včetně Joseph Maria Olbrich ve Vídni a Eliel Saarinen ve Finsku.[56]

Mezi další budovy ve stylu patří Americký hotel (1898–1900), také Berlage; a Astoria (1904–1905) autorem Herman Hendrik Baanders a Gerrit van Arkel v Amsterdam; the vlakové nádraží v Haarlem (1906–1908) a bývalá kancelářská budova Holland America Lines (1917) v Rotterdam, nyní Hotel New York.

Zahrnuje přední grafiky a ilustrátory ve stylu Jan Toorop, jehož práce inklinovala k mysticismus a symbolismus, dokonce i ve svých plakátech k salátovému oleji. Ve svých barvách a designech také někdy ukazovali vliv umění Java.[56]

Mezi významné osobnosti holandské keramiky a porcelánu patřili Jurriaan Kok a Theo Colenbrander. Použili barevný květinový vzor a tradičnější secesní motivy v kombinaci s neobvyklými formami keramiky a kontrastními tmavými a světlými barvami, vypůjčenými z batikované výzdoby Javy.[57]

Modern Style a Glasgow School v Británii

Hlavní článek: Moderní styl (britský secesní styl)
Viz také: Glasgowská škola

Secese měla své kořeny v Británii, v Hnutí umění a řemesel který začal v šedesátých letech 18. století a mezinárodního uznání dosáhl v osmdesátých letech minulého století. Vyzvala k lepšímu zacházení s dekorativním uměním a inspirovala se středověkým řemeslem a designem a přírodou.[58] Jeden pozoruhodný časný příklad moderního stylu je Arthur Mackmurdo design obálky jeho eseje o městských kostelech v Sir Christopher Wren, publikovaný v roce 1883, stejně jako jeho mahagonová židle ze stejného roku.[59]

Mezi další významné inovátory v Británii patřili grafičtí designéři Aubrey Beardsley jehož kresby obsahovaly zakřivené čáry, které se staly nejznámějším rysem stylu. Volně tekoucí tepané železo od 80. let 19. století se daly uvést také nějaké ploché květinové textilní vzory, z nichž většina vděčí za určitý impuls vzorům designu 19. století. Zahrnovali i další britští grafici, kteří měli ve stylu důležité místo Walter Crane a Charles Ashbee.[60]

The Svoboda obchodní dům v Londýně hrál důležitou roli díky svým barevným stylizovaným květinovým vzorům pro textil a stříbrným, cínovým a šperkovým vzorům Manxman (skotského původu) Archibald Knox. Jeho návrhy šperků v materiálech a formách se úplně oddělily od historických tradic designu šperků.

Pro secesní architekturu a design nábytku bylo nejdůležitějším centrem v Británii Glasgow, s výtvory Charles Rennie Mackintosh a Glasgowská škola, jehož dílo bylo inspirováno Skotská baronská architektura a japonský design.[61] Počínaje rokem 1895 vystavoval Mackintosh své návrhy na mezinárodních výstavách v Londýně, Vídni a Turíně; jeho návrhy ovlivnily zejména secesní styl ve Vídni. Mezi jeho architektonické výtvory patřila budova Glasgow Herald Building (1894) a knihovna Glasgow School of Art (1897). Rovněž si vybudoval významnou reputaci jako návrhář nábytku a dekoratér, který úzce spolupracoval se svou ženou, Margaret Macdonald Mackintosh, významný malíř a designér. Společně vytvořili nápadné vzory, které kombinovaly geometrické rovné linie s jemně zakřivenou květinovou výzdobou, zvláště známým symbolem stylu, Glasgow Rose “.[62]

Léon-Victor Solon, významně přispěl ke secesní keramice jako umělecký ředitel v Mintons. Specializoval se na plakety a na lemované trubkou vázy prodávané jako "secesní zboží" (obvykle popsané jako pojmenované po Vídeňské umělecké hnutí ).[63] Kromě keramiky navrhoval textil pro Pórový hedvábný průmysl[64] a doublures pro knihaře (G.T.Bagguley z Newcastlu pod Lyme), který patentoval Sutherland vazba v roce 1895.

George Skipper byl možná nejaktivnějším secesním architektem v Anglii. Budova Edwarda Everarda v Bristolu, postavená v letech 1900–01 jako sídlo domu tiskárny Edwarda Everarda, se secesní fasádou. Zobrazené údaje jsou z Johannes Gutenberg a William Morris, oba přední v oblasti tisku. Okřídlená postava symbolizuje „Ducha světla“, zatímco postava s lampou a zrcadlem symbolizuje světlo a pravdu.

Secese v Německu

Viz také: Secese

Německá secese je obecně známá svým německým názvem, Secese nebo „Styl mládí“. Název je převzat z uměleckého časopisu, Die Jugend nebo Mládí, který vyšel v Mnichově. Časopis založil v roce 1896 Georg Hirth, který zůstal redaktorem až do své smrti v roce 1916. Časopis přežil až do roku 1940. Na počátku 20. století Secese byl aplikován pouze na grafiku.[65] Týkalo se to zejména forem typografie a grafický design nalezené v německých časopisech jako např Jugend, Pánev, a Simplicissimus. Secese byl později aplikován na další verze secese v Německu, Nizozemsku. Termín byl vypůjčen z němčiny několika jazyky Německa Pobaltské státy a Severské země popsat secesi (viz Pojmenování sekce).[11][66]

V roce 1892 Georg Hirth vybral jméno Mnichovská secese pro Asociaci výtvarných umělců Slovenska Mnichov. The Vídeňská secese, která byla založena v roce 1897,[67] a Berlínská secese také převzal jejich jména z mnichovské skupiny.

Časopisy Jugend a Simplicissimus, publikovaný v Mnichově, a Pánev, publikované v Berlíně, byli významnými zastánci Secese. Secese umění kombinovalo klikaté křivky a více geometrických linií a bylo použito pro obálky románů, reklam a výstava plakáty. Návrháři často vytvářeli originální styly písmo který harmonicky pracoval s obrazem, např. Písmo Arnolda Böcklina v roce 1904.

Otto Eckmann byl jedním z nejvýznamnějších německých umělců sdružených s oběma Die Jugend a Pánev. Jeho oblíbeným zvířetem byla labuť a jeho vliv byl tak velký, že labuť přišla sloužit jako symbol celého hnutí. Další prominentní designér ve stylu byl Richard Riemerschmid, který vyráběl nábytek, keramiku a další dekorativní předměty v střízlivém geometrickém stylu, který směřoval dopředu k Art Deco.[68] Švýcarský umělec Hermann Obrist, žijící v Mnichově, ilustroval státní převrat nebo motiv krční páteře, vysoce stylizovaná dvojitá křivka naznačující pohyb převzatý z dříku cyklámen květ.

The Umělecká kolonie Darmstadt byla založena v roce 1899 Ernest Ludwig, velkovévoda Hesse. Architektem, který postavil dům velkovévody, stejně jako největší stavbou kolonie (svatební věž), byl Joseph Maria Olbrich, jeden z Vídeňská secese zakladatelé. Dalšími významnými umělci kolonie byli Peter Behrens a Hans Christiansen. Ernest Ludwig také pověřil přestavbou lázeňského komplexu v Bad Nauheim na začátku století. Zcela nový Sprudelhof [de ] komplex byl postaven v letech 1905–1911 pod vedením Wilhelm Jost [de ] a dosáhl jednoho z hlavních cílů Jugendstilu: syntézy všech umění.[69]Dalším členem panující rodiny, který zadal secesní stavbu, byl Princezna Alžběta z Hesenska a Rýn. Založila Marfo-Mariinsky klášter v Moskvě v roce 1908 a jeho katholikon je uznáván jako secesní mistrovské dílo.[70]

Další pozoruhodný svaz v německé říši byl Deutscher Werkbund, založená v roce 1907 v Mnichov na popud Hermann Muthesius umělci z Darmstadt Colony Joseph Maria Olbrich, Peter Behrens; od jiného zakladatele společnosti Vídeňská secese Josef Hoffmann, stejně jako Wiener Werkstätte (založený Hoffmannem), Richard Riemerschmid, Bruno Paul a další umělci a společnosti.[71] Později belgický Henry van de Velde připojil se k hnutí[pozn. 2]. The Velkovévodská škola uměleckých řemesel [de ], kterou založil v Weimar, byl předchůdcem Bauhaus, jeden z nejvlivnějších proudů v Modernistická architektura.[73]

V Berlíně byl vybrán Jugendstil pro stavbu několika železničních stanic. Nejpozoruhodnější[74] je Bülowstraße podle Bruno Möhring (1900–1902), další příklady jsou Mexikoplatz (1902–1904), Botanická zahrada (1908–1909), Frohnau (1908–1910), Wittenbergplatz (1911–1913) a Pankow (1912–1914) stanice. Další pozoruhodná struktura Berlína je Hackesche Höfe (1906), který pro fasádu nádvoří použil polychromovanou glazovanou cihlu.

Art Nouveau ve Štrasburku (tehdy součást Německé říše jako hlavní město Německa) Reichsland Elsaß-Lothringen ) byla konkrétní značka v tom, že kombinovala vlivy z Nancy, a Brusel, s vlivy od Darmstadt, a Vídeň provozovat lokální syntézu, která odráží historie města mezi germánskými a francouzskými říšemi.

Odchod v Rakousku a Maďarsku

Vídeňská secese

Hlavní článek: Vídeňská secese

Vídeň se stala centrem výrazné varianty secese, která se stala známou jako Vídeňská secese. Hnutí dostalo svůj název Mnichovská secese založena v roce 1892. Vídeňská secese byla založena v dubnu 1897 skupinou umělců, která zahrnovala Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil, Ernst Stöhr, a další.[67] Malíř Klimt se stal prezidentem skupiny. Namítali proti konzervativní orientaci na historismus vyjádřeno Vídeňský Künstlerhaus, oficiální svaz umělců. Secese založila časopis, Ver Sacrum, aby propagovali svá díla ve všech médiích. Styl secese byl pozoruhodně ženštější, méně těžký a méně nacionalistický než styl Secese v sousedním Německu.[75] Architekt Joseph Olbrich navrhl klenutou secesní budovu v novém stylu, který se stal přehlídkou obrazů Gustava Klimta a dalších secesních umělců.

Klimt se stal nejznámějším secesním malířem a často stíral hranici mezi výtvarným a dekorativním malířstvím. Koloman Moser byl ve stylu extrémně všestranný umělec; jeho práce zahrnuje ilustrace časopisů, architekturu, stříbro, keramiku, porcelán, textil, vitráže a nábytek.

Nejvýznamnější architekt Vídeňská secese byl Otto Wagner,[76] on se připojil k hnutí brzy po jeho založení následovat jeho studenty Hoffmann a Olbrich. Mezi jeho hlavní projekty patřilo několik stanic městské železniční sítě ( Stadtbahn ), Budovy Linke Wienzeile (consisting of Majolica House, the House of Medallions and the house at Köstlergasse). The Karlsplatz Station is now an exhibition hall of the Vídeňské muzeum. The Kirche am Steinhof of Steinhof Psychiatric hospital (1904–1907) is a unique and finely-crafted example of Secession religious architecture, with a traditional domed exterior but sleek, modern gold and white interior lit by abundance of modern stained glass.

V roce 1899 Joseph Maria Olbrich přestěhoval do Umělecká kolonie Darmstadt, v roce 1903 Koloman Moser a Josef Hoffmann založil Wiener Werkstätte, a training school and workshop for designers and craftsmen of furniture, carpets, textiles and decorative objects.[77] V roce 1905 Koloman Moser a Gustav Klimt separated from Vienna Secession, later in 1907 Koloman Moser vlevo, odjet Wiener Werkstätte as well, while its other founder Josef Hoffmann připojil se k Deutscher Werkbund.[71] Gustav Klimt a Josef Hoffmann continued collaborating, they organized Kunstschau Exhibition [de ] v roce 1908 v Vídeň a postavil Stocletův palác v Brusel (1905–1911) that announced the coming of modernistická architektura.[78][79] Byl označen jako Světové dědictví UNESCO podle UNESCO v červnu 2009.[80]

maďarský Szecesszió

Průkopník a prorok Szecesszió (Secese v maďarštině), architekt Ödön Lechner, created buildings which marked a transition from historicism to modernism for Hungarian architecture.[81]His idea for a Hungarian architectural style was the use of architektonická keramika and oriental motifs. In his works, he used pygorganite placed in production by 1886 by Zsolnay Porcelain Manufactory.[81] This material was used in the construction of notable Hungarian buildings of other styles, e.g. the Budova maďarského parlamentu a Matyášův kostel.

Works by Ödön Lechner[82] patří Muzeum užitého umění (1893–1896), other building with similar distinctive features are Geologické muzeum (1896–1899) and The Postal Savings Bank building (1899–1902), all in Budapešť. However, due to the opposition of Hungarian architectural establishment to Lechner's success, he soon was unable to get new commissions comparable to his earlier buildings.[81] But Lechner was an inspiration and a master to the following generation of architects who played the main role in popularising the new style.[81] Within the process of Maďarizace numerous buildings were commissioned to his disciples in outskirts of the kingdom: e.g. Marcell Komor [hu ] a Dezső Jakab byly pověřeny stavbou Synagoga (1901–1903) and Town Hall (1908–1910) in Szabadka (now Subotica, Srbsko ), County Prefecture (1905–1907) and Palác kultury (1911–1913) in Marosvásárhely (now Târgu Mureș, Rumunsko ). Later Lechner himself built the Modrý kostel in Pozsony (present-day Bratislava, Slovensko ) in 1909–1913.

Another important architect was Károly Kós kdo byl stoupencem John Ruskin a William Morris. Kós took the Finnish Národní romantismus movement as a model and the Transylvanian vernacular as the inspiration.[83] His most notable buildings include the Roman Catholic Church in Zebegény (1908–09), pavilions for the Budapest Municipal Zoo (1909–1912) and the Székely National Museum in Sepsiszentgyörgy (now Sfântu Gheorghe, Romania, 1911–12).

The movement that promoted Szecesszió in arts was Gödöllő Art Colony, founded by Aladár Körösfői-Kriesch, also a follower John Ruskin a William Morris and a professor at the Royal School of Applied Arts in Budapešť v roce 1901.[84] Its artists took part in many projects, including the Hudební akademie Franze Liszta v Budapešti.[85]

An associate to Gödöllő Art Colony,[86] Miksa Róth was also involved in several dozen Szecesszió projects, including Budapest buildings including Palác Gresham (stained glass, 1906) and Török Bank [fr ] (mosaics, 1906) and also created mosaics and stained glass for Palác kultury (1911–1913) in Marosvásárhely.

A notable furniture designer is Ödön Faragó [hu ] who combined traditional popular architecture, oriental architecture and international Art Nouveau in a highly picturesque style. Pál Horti [hu ], another Hungarian designer, had a much more sober and functional style, made of oak with delicate traceries of ebony and brass.

Další varianty

The most prolific slovinský Art Nouveau architect was Ciril Metod Koch.[87] Studoval na Otto Wagner 's classes in Vienna and worked in the Laybach (now Lublaň, Slovinsko ) City Council from 1894 to 1923. After the earthquake in Laybach in 1895, he designed many secular buildings in Secession style that he adopted from 1900 to 1910:[87] Pogačnik House (1901), Čuden Building (1901), The Farmers Loan Bank (1906–07), renovated Hauptmann Building in Secession style in 1904. The highlight of his career was the Loan Bank in Radmannsdorf (now Radovljica ) v roce 1906.[87]

The most notable Secession buildings in Praha jsou příklady total art with distinctive architecture, sculpture and paintings.[88] The main railway station (1901–1909) was designed by Josef Fanta and features paintings of Václav Jansa a sochy Ladislav Šaloun a Stanislav Sucharda along with other artists. The Obecní dům (1904–1912) was designed by Osvald Polívka and Antonín Balšánek, painted by famous Czech painter Alfons Mucha and features sculptures of Josef Mařatka a Ladislav Šaloun. Polívka, Mařatka, and Šaloun simultaneously cooperated in the construction of Nová radnice (1908–1911) along with Stanislav Sucharda, and Mucha later painted Katedrála svatého Víta 's stained glass windows in his distinctive style.

The style of combining Hungarian Szecesszió and national architectural elements was typical for a Slovák architekt Dušan Jurkovič. His most original works are the Cultural House in Szakolca (now Skalica v Slovensko, 1905), the buildings of spa in Luhačovice (now Czech Republic) in 1901–1903 and 35 war cemeteries near Nowy Żmigród v Galicie (now Poland), most of them heavily influenced by local Lemko (Rusyn ) folk art and carpentry (1915–1917).

Art Nouveau in Romania

The Constanța Casino is probably the most famous exemplary of Art Nouveau in Romania. The Kasino, Kurhaus nebo Kursaal theme is specific to the Belle Époque. The author of the casino, started in 1905 and finished in 1910, is the architect Daniel Renard, who studied in Paris between and 1894 and 1900. He signed both the architectural and decoration plans of the casino. Specific to Art Nouveau is the embossed ornamentation of the facades, either with naturalistic floral motifs, such as those of the School of Nancy, or motifs inspired by marine fauna (shells, dolphins, marine chimeras, ships, masts, ...). One of the Art Nouveau houses of Bucharest is the Dinu Lipatti House (no. 12, Lascăr Catargiu Boulevard), by Petre Antonescu, its central motif being the entrance arch, above which there is a female mascaraon v vysoký reliéf. Among the examples of Art Nouveau architecture in Bucharest are townhouses, which sometimes have only horseshoe-shaped windows or other forms or ornaments specific to Art Nouveau. Příkladem je Romulus Porescu House (no. 12, Doctor Paleologu Street), which also has Egyptské obrození stained glass windows on the corner windows. Některé z Barokní obrození buildings in Bucharest have Art Nouveau or neorocaille influences, among them the Bucharest Observatory (no. 21, Lascăr Catargiu Boulevard), house no. 58 on Sfinții Voievozi Street, the beautiful Mița the Cyclist House (no. 9, Biserica Amzei Street, or no. 11, Christian Tell Street) and the Cantacuzino Palace (no. 141, Victory Avenue ).[91]

  • Spring, decorative panel by Stefan Luchian (1901)

  • Young woman by Ștefan Luchian, drawing for the cover the Ileana Magazine

  • The Water Fairy by Elena Alexandrina Bednarik (1908)

  • The cover of a small poetry book from 1908

  • The titulní strana of a small poetry book from 1908

  • The cover of a small poetry magazine from the Biblioteca Societății series (1912)

One of the most important Art Nouveau painters in Romania was Stefan Luchian, who quickly took over the innovative and decorative directions of Art Nouveau for a short period of time. The moment was synchronized with the founding of the Ileana Society in 1897, of which he was a founding member, a company that organized an exhibition (1898) at the Union Hotel entitled The Exhibition of Independent Artists and published a magazine - the Ileana Magazine.[92]

Stile Liberty v Itálii

Hlavní článek: Styl svobody

Art Nouveau in Italy was known as arte nuova, stile floreale, stile moderno a hlavně stile Liberty. Styl svobody took its name from Arthur Lasenby Liberty and the store he founded in 1874 in London, Liberty Department Store, which specialised in importing ornaments, textiles and art objects from Japan and the Far East, and whose colourful textiles which were particularly popular in Italy. Notable Italian designers in the style included Galileo Chini, whose ceramics were often inspired both by majolika vzory. He was later known as a painter and a theatrical scenery designer; he designed the sets for two celebrated Puccini operas Gianni Schicchi a Turandot.[93][94][11]

Liberty style architecture varied greatly, and often followed historical styles, particularly the Baroque. Facades were often drenched with decoration and sculpture. Examples of the Liberty style include the Villino Florio (1899–1902) by Ernesto Basile v Palermo; the Palazzo Castiglioni v Milán podle Giuseppe Sommaruga (1901–1903); Milan, and the Casa Guazzoni (1904–05) in Milan by Giovanni Battista Bossi (1904–06).[95]

Colorful frescoes, painted or in ceramics, and sculpture, both in the interior and exterior, were a popular feature of Liberty style. They drew upon both classical and floral themes. as in the baths of Acque della Salute, and in the Casa Guazzoni in Milan.

The most important figure in Styl svobody design was Carlo Bugatti, the son of an architect and decorator, father of Rembrandt Bugatti, Liberty sculptor, and of Ettore Bugatti, famous automobile designer. Studoval na Milanese Academy of Brera a později Académie des Beaux-Arts v Paříži. His work was distinguished by its exoticism and eccentricity, included silverware, textiles, ceramics, and musical instruments, but he is best remembered for his innovative furniture designs, shown first in the 1888 Milan Fine Arts Fair. His furniture often featured a keyhole design, and had unusual coverings, including parchment and silk, and inlays of bone and ivory. It also sometimes had surprising organic shapes, copied after snails and cobras.[96]

Modernismus in Catalonia and Spain

Hlavní články: Modernismus a Valencijská secese

A highly original variant of the style emerged in Barcelona, Katalánsko, at about the same time that the Art Nouveau style appeared in Belgium and France. Volalo se to Modernismus v katalánštině a Modernismus ve španělštině. Its most famous creator was Antoni Gaudí. Gaudí used floral and organic forms in a very novel way in Palau Güell (1886–1890). According to UNESCO, "the architecture of the park combined elements from the Arts and Crafts movement, Symbolism, Expressionism, and Rationalism, and presaged and influenced many forms and techniques of 20th-century Modernism."[98][99][100]He integrated crafts as keramika, vitráže, tepané kování kování a tesařství into his architecture. V jeho Güellské pavilony (1884–1887) and then Parc Güell (1900–1914) he also used a new technique called trencadís, which used waste ceramic pieces. His designs from about 1903, the Casa Batlló (1904–1906) a Casa Milà (1906–1912),[97] are most closely related to the stylistic elements of Art Nouveau.[101] Later structures such Sagrada Família combined Art Nouveau elements with revivalist Neogotické.[101] Casa Batlló, Casa Milà, Güellské pavilony, a Parc Güell were results of his collaboration with Josep Maria Jujol, who himself created houses in Sant Joan Despí (1913–1926), several churches near Tarragona (1918 and 1926) and the sinuous Casa Planells (1924) in Barcelona.

Besides the dominating presence of Gaudí, Lluís Domènech i Montaner also used Art Nouveau in Barcelona in buildings such as the Castell dels Tres Dragons (1888), Casa Lleó Morera, Palau de la Música Catalana (1905) a Nemocnice de Sant Pau (1901–1930).[101] The two latter buildings have been listed by UNESCO tak jako World Cultural Heritage.[102]

Another major modernista was Josep Puig i Cadafalch, který navrhl Casa Martí a jeho Els Quatre Gats café, the Casimir Casaramona textile factory (now the CaixaFòrum art museum), Casa Macaya, Casa Amatller, the Palau del Baró de Quadras (housing Casa Àsia for 10 years until 2013) and the Casa de les Punxes ("House of Spikes").

A distinctive Art Nouveau movement byl také v Valencijské společenství. Some of the notable architects were Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor, Timoteo Briet Montaud, a José María Manuel Cortina Pérez. Valencian Art Nouveau defining characteristics are a notable use of ceramics in decoration, both in the facade and in ornamentation, and also the use of Valencian regional motives.

Another remarkable variant is the Madrilenian Art Nouveau or "Modernismo madrileño", with such notable buildings as the Longoria Palace, Casino de Madrid nebo Cementerio de la Almudena, mezi ostatními. Renowned modernistas from Madrid were architects José López Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti a Francisco Andrés Octavio [es ].

Viz také: Secese v Alcoy

The Modernismus movement left a wide art heritage including drawings, paintings, sculptures, glass and metal work, mosaics, ceramics, and furniture. A part of it can be found in Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Inspired by a Paris café called Le Chat Noir, where he had previously worked, Pere Romeu i Borràs [ca. ] decided to open a café in Barcelona that was named Els Quatre Gats (Four Cats in Catalan).[103] The café became a central meeting point for Barcelona's most prominent figures of Modernismus, jako Pablo Picasso a Ramon Casas i Carbó who helped to promote the movement by his posters and postcards. For the café he created a picture called Ramon Casas a Pere Romeu na tandemu that was replaced with his another composition entitled Ramon Casas and Pere Romeu in an Automobile in 1901, symbolizing the new century.

Antoni Gaudí designed furniture for many of the houses he built; one example is an armchair called the for the Battle House. He influenced another notable Catalan furniture designer, Gašpar Homar [ca. ] (1870–1953) who often combined marquetry and mosaics with his furnishings.[104]

Arte Nova v Portugalsku

The Art Nouveau variant in Aveiro (Portugal) was called Arte Nova, and its principal characteristic feature was ostentation: the style was used by bourgeoisie who wanted to express their wealth on the facades while leaving the interiors conservative.[106] Another distinctive feature of Arte Nova was the use of locally produced tiles with Art Nouveau motifs.[106]

The most influential artist of Arte Nova was Francisco Augusto da Silva Rocha.[106] Though he was not trained as an architect, he designed many buildings in Aveiro and in other cities in Portugal.[107][106] One of them, the Major Pessoa residence, has both an Art Nouveau facade and interior, and now hosts the Museum of Arte Nova.[106]

There are other examples of Arte Nova in other cities of Portugal.[108][109] Některé z nich jsou Museum-Residence Dr. Anastácio Gonçalves podle Manuel Joaquim Norte Júnior [pt ](1904–1905) in Lisabon, Café Majestic podle João Queiroz [pt ] (1921) a Livraria Lello bookstore by Xavier Esteves [pt ](1906), both in Porto.

Secese v severských zemích

Finsko

Art Nouveau was popular in the Severské země, where it was usually known as Secese, and was often combined with the National Romantic Style of each country. The Nordic country with the largest number of Jugendstil buildings is the Finské velkovévodství, pak část Ruská říše.[110] The Jugendstil period coincided with Zlatý věk finského umění and national awakening. Po Pařížská expozice in 1900 the leading Finnish artist was Akseli Gallen-Kallela.[111] He is known for his illustrations of the Kalevala, the Finnish national epic, as well as for painting numerous Judendstil buildings in the Duchy.

The architects of the Finnish pavilion at the Exposition were Herman Gesellius, Armas Lindgren, a Eliel Saarinen. They worked together from 1896 to 1905 and created many notable buildings in Helsinki počítaje v to Pohjola Insurance building (1899–1901) a Finské národní muzeum (1905–1910)[112] as well as their joint residence Hvitträsk v Kirkkonummi (1902). Architects were inspired by Nordic legends and nature, rough granite façade thus became a symbol for belonging to the Finnish nation.[113] After the firm dissolved, Saarinen designed the Helsinki Railway Station (1905–1914) in clearer forms, influenced by American architecture.[113] The sculptor who worked with Saarinen in construction of National Museum of Finland and Helsinki Railway Station was Emil Wikström.

Another architect who created several notable works in Finland was Lars Sonck. His major Jugendstil works include Katedrála v Tampere (1902–1907), Ainola, domov Jean Sibelius (1903), Headquarters of the Helsinki Telephone Association (1903–1907) and Kostel Kallio in Helsinki (1908–1912). Taky, Magnus Schjerfbeck, bratr Helene Schjerfbeck, vyrobeno tuberkulóza sanatorium známý jako Nummela Sanatorium in 1903 using the Jugendstil style.[114][115][116]

Norsko

  • Grafický design od Gerhard Munthe (1914)

  • Viking-Art Nouveau Chair by Norwegian designer Lars Kinsarvik (1900)

  • Art Nouveau Centre v Ålesund (1905–1907)

  • Interior of Art Nouveau Centre in Ålesund

  • Ornaments of a door in Art Nouveau Centre in Ålesund

Norway also was aspiring independence (from Sweden) and local Art Nouveau was connected with a revival inspired by Viking folk art and crafts. Notable designers included Lars Kisarvik, who designed chairs with traditional Viking and keltský vzory a Gerhard Munthe, který navrhl židli se stylizovaným znakem dračí hlavy ze starověkých vikingských lodí a také širokou škálu plakátů, obrazů a grafiky.[117][úplná citace nutná ]

Nor město Ålesund je považováno za hlavní centrum secese ve Skandinávii, protože bylo kompletně zrekonstruováno po požáru 23. ledna 1904.[118] Asi 350 budov bylo postaveno v letech 1904 až 1907 podle urbanistického plánu navrženého inženýrem Frederikem Næsserem. Spojením jednoty a rozmanitosti se zrodil styl známý jako Ål Stil. Budovy stylu mají lineární dekor a ozvěny jak Jugendstil, tak lidových prvků, např. věže z roubené kostely nebo chocholaté střechy.[118] Jedna z budov, lékárna Swan, nyní hostí Secesní centrum.

Švédsko a Dánsko

Jugendstil mistrovská díla dalších severských zemí patří Engelbrektskyrkan (1914) a Královské dramatické divadlo (1901–1908) v Stockholm, Švédsko[119] a bývalá městská knihovna (nyní Dánský národní obchodní archiv ) v Aarhus, Dánsko (1898–1901).[120] Jeho architektem je Hackněte Kampmanna, pak zastánce Národní romantický styl kdo také vytvořil Custom House, Divadlo a Villa Kampen v Aarhus. Nejvýznamnějším dánským secesním designérem byl stříbrník Georg Jensen. The Baltská výstava v Malmö 1914 lze považovat za poslední hlavní projev Jugendstilu ve Švédsku.[121]

Moderní v Rusku

Hlavní články: Mir Iskusstva a Secesní architektura v Rusku

Модерн („moderní“) byla velmi pestrá ruská variace secese, která se objevila v Moskvě a Petrohrad v roce 1898 vydáním nového uměleckého časopisu „Мир искусства“ (přepis: Mir Iskusstva ) („Svět umění“), ruskými umělci Alexandre Benois a Léon Bakst a šéfredaktor Sergej Diaghilev. Časopis pořádal výstavy předních ruských umělců, včetně Michail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan a ilustrátor knihy Ivan Bilibin. Styl světa umění méně využíval rostlinné a květinové formy francouzské secese; silně čerpal z jasných barev a exotických vzorů ruského folklóru a pohádek. Nejvlivnějším příspěvkem „světa umění“ bylo vytvoření nové baletní společnosti Balety Russes, v čele s Diaghilevem, s kostýmy a kostýmy navrženými Bakstem a Benoisem. Nová baletní společnost měla premiéru v Paříži v roce 1909 a vystupovala zde každý rok až do roku 1913. Exotické a barevné kulisy navržené Benoisem a Bakstem měly zásadní vliv na francouzské umění a design. Kostýmy a scénografie byly reprodukovány v předních pařížských časopisech, L'Ilustrace, La Vie parisienne a Gazette du bon ton a ruský styl se stal známým v Paříži jako à la Bakst. Společnost uvízla v Paříži nejprve vypuknutím první světové války a poté Ruská revoluce v roce 1917 a ironicky nikdy nehrál v Rusku.[122]

Z ruských architektů byl nejvýznamnější v čistém secesním stylu Fyodor Schechtel. Nejznámějším příkladem je Ryabushinsky dům v Moskvě. Byl postaven ruským podnikatelem a majitelem novin a poté, po Ruská revoluce, se stala rezidencí spisovatele Maxim Gorkij, a nyní je Gorkého muzeum. Jeho hlavní schodiště, vyrobené z leštěného kameniva z betonu, mramoru a žuly, má tekoucí, zvlněné linie jako mořské vlny a je osvětleno lampou v podobě plovoucí medúzy. V interiéru jsou také dveře, okna a strop zdobené barevnými freskami mozaiky.[123] Schechtel, který je také považován za hlavní postavu v Ruská symbolika, navrhl několik dalších významných budov v Moskvě, včetně přestavby Moskevské nádraží Yaroslavsky, v tradičnějším moskevském stylu obrození.[123]

Další ruští architekti období vytvořili Ruská obrození architektura, který čerpal z historických Ruská architektura. Tyto budovy byly vytvořeny převážně ze dřeva a odkazovaly se na Architektura Kyjevské Rusi. Jedním z příkladů je dům Teremok v Talashkino (1901–1902) autorem Sergey Malyutin a Pertsova House (také známá jako Pertsov House) v Moskvě (1905–1907). Byl také členem Mir iskusstva hnutí. The Petrohrad architekt Nikolaj Vasiljev postaven v různých stylech před emigrací v roce 1923. Tato budova je nejpozoruhodnější pro kamenné řezby Sergeje Vashkova inspirované řezbami Katedrála svatého Demetria v Vladimír a Katedrála svatého Jiří v Yuryev-Polsky století XII a XIII. The Marfo-Mariinsky klášter (1908–1912) autorem Alexey Shchusev je aktualizovaná verze klasiky Ruská pravoslavná církev. Shchusev později navrhl Leninovo mauzoleum (1924) v Moskvě.

V tomto období bylo v Rusku postaveno několik uměleckých kolonií Ruské obrození styl. Dvě nejznámější kolonie se nacházely v Abramcevo, financován Savva Mamontov, a Talashkino, Guvernorát Smolensk, financován Princezna Maria Tenisheva. Jedním z příkladů této architektury ruského obrození je Marfo-Mariinsky klášter (1908–1912), aktualizovaná ruská pravoslavná církev od Alexey Shchusev, který později, ironicky, navrhl Leninovo mauzoleum v Moskvě.

Jugendstils (Secese v Rize)

Hlavní článek: Secesní architektura v Rize

  • Fasáda domu v Elizabetes ielā, 10b, od Michail Eisenstein (1903)

  • Schodiště v domě Pēkšēns od Konstantīns Pēkšēns (1903), který nyní hostí muzeum v Rize Jūgendstils

  • Národní romantická výzdoba na domě postaveném Konstantīns Pēkšēns (1908)

  • Ministerstvo školství, postavené Edgarem Friesendorfem (1911)

Riga, dnešní hlavní město Lotyšsko, byl v té době jedním z hlavních měst v Ruská říše. Secesní architektura v Rize přesto se vyvinul podle své vlastní dynamiky a styl se stal ve městě ohromně populární. Brzy po lotyšské etnografické výstavě v roce 1896 a výstavě průmyslových a řemesel v roce 1901 se secese stala dominantním stylem ve městě.[124] Secesní architektura tedy představuje jednu třetinu všech budov v centru Rigy, což z něj dělá město s nejvyšší koncentrací těchto budov kdekoli na světě. Kvantita a kvalita secesní architektury byla jedním z kritérií pro zařazení Rigy do Světové kulturní dědictví UNESCO.[125]

V Rize byly různé varianty secesní architektury:

  • v eklektické secesi byly nejoblíbenější květinové a jiné prvky inspirované přírodou. Příklady této variace jsou díla Michail Eisenstein,
  • v kolmé secesi byly do svislých kompozic fasád integrovány geometrické ozdoby. Několik obchodních domů bylo postaveno v tomto stylu a někdy se také označuje jako „styl obchodního domu“ nebo Warenhausstil v němčině,
  • Národní romantická secese byla inspirována místním lidovým uměním, monumentálními objemy a použitím přírodních stavebních materiálů.

Někteří později Neoklasicistní budovy také obsahovaly secesní detaily.

Styl Sapin v La Chaux-de-Fonds, Švýcarsko

Hlavní článek: Styl Sapin

  • Villa Fallet s dekorací inspirovanou jedle (1906) od Eduarda Jeannereta (Le Corbusier ) (1905)

  • Krematorium (1908–10), interiér se stylizovaným designem jedle na stropě. Symbolistické nástěnné malby od L'Epplattenier byly přidány později.

  • Krematorium (1908–10) se stylizovanými detaily „sapin“ nebo šišky

  • Krematorium (1908–10), s detailem šišky.

Volala variace Styl Sapin ("Pine Tree Style") se objevil v La Chaux-de-Fonds v Kanton Neuchâtel ve Švýcarsku. Styl zahájil malíř a umělec Charles l'Eplattenier a byl inspirován zejména sapin, nebo borovice a další rostliny a divoká zvěř v Pohoří Jura. Jedním z jeho hlavních děl bylo krematorium ve městě, které představovalo trojúhelníkové formy stromů, šišky a další přírodní témata z regionu. Styl také zapadl do více geometrických stylistických prvků Secese a Vídeňská secese.[126]

Další pozoruhodná budova ve stylu je Villa Fallet La Chaux-de-Fonds, chata navržená a postavená v roce 1905 studentem osmnáctiletého L'Epplattenier Charles-Édouard Jeanneret (1887–1965), který se později stal známým jako Le Corbusier „Forma domu byla tradiční švýcarská chata, ale výzdoba fasády zahrnovala trojúhelníkové stromy a další přírodní prvky. Jeanneret postavil další dvě chaty v této oblasti, včetně Villa Stotzer, v tradičnějším stylu horské chaty.[127][126][128][129]

Styl Tiffany a Louis Sullivan ve Spojených státech

Ve Spojených státech firma Louis Comfort Tiffany hrála ústřední roli v americké secesi. Narodil se v roce 1848 a studoval na Národní akademie designu v New Yorku začal pracovat se sklem ve věku 24 let, vstoupil do rodinného podniku založeného jeho otcem a v roce 1885 založil vlastní podnik věnovaný jemnému sklu a vyvinul nové techniky jeho barvení. V roce 1893 začal vyrábět skleněné vázy a mísy, znovu vyvíjet nové techniky, které umožňovaly více originálních tvarů a barev, a začal experimentovat s dekorativním okenním sklem. V roce 1895 byly jeho nové práce vystaveny v secesní galerii Siegfrieda Binga, čímž byly získány nové evropské klientely. Po smrti svého otce v roce 1902 převzal celý podnik Tiffany, ale stále se věnoval navrhování a výrobě uměleckých předmětů ze skla. Na naléhání Thomas Edison, začal vyrábět elektrické lampy s různobarevnými skleněnými stínítky ve strukturách z bronzu a železa nebo zdobené mozaikami, vyráběnými v mnoha sériích a edicích, z nichž každá byla vyrobena se šperkem. Na každém produktu pracoval tým designérů a řemeslníků. Zejména lampa Tiffany se stala jednou z ikon secese, ale Tiffanini řemeslníci (a řemeslnice) navrhli a vyrobili mimořádná okna, vázy a další skleněné umění. Tiffanyho sklo mělo na velkém úspěchu také velký úspěch 1900 Expozice Universelle v Paříži; jeho okno z barevného skla volal Flight of Souls získal zlatou medaili.[130] Kolumbijská expozice byla pro Tiffany důležitým místem; kaple, kterou navrhl, byla vystavena v pavilonu umění a průmyslu. Kaple Tiffany spolu s jedním z oken Tiffanina domu v New Yorku jsou nyní vystaveny na Charles Hosmer Morse Museum of American Art v Winter Park Na Floridě.

Další důležitou osobností americké secese byl architekt Louis Sullivan. Sullivan byl předním průkopníkem americké moderní architektury. Byl zakladatelem Chicago School, architekt některých z prvních mrakodrapů a učitel Frank Lloyd Wright. Jeho nejslavnější rčení bylo „Forma následuje funkci“. Zatímco forma jeho budov byla formována jejich funkcí, jeho výzdoba byla příkladem americké secese. V roce 1893 Světová kolumbijská expozice v Chicagu, nejznámější pro svou neoklasickou architekturu Bílé město, navrhl velkolepý secesní vchod pro velmi funkční Dopravní budovu.[131][132]

Zatímco architektura jeho Carson, Pirie, Scott a budova společnosti (1899) (nyní Sullivan Center ) byl nápadně moderní a funkční, obklopil okna stylizovanou květinovou výzdobou. Vynalezl stejně originální dekoraci pro Národní farmářská banka Owatonna, Minnestota (1907–1908) a Merchants 'National Bank v Grinell v Iowě. Vynalezl specificky americkou odrůdu secese a prohlásil, že dekorativní formy by měly bez konce oscilovat, vlnit se, míchat a odvozovat. Vytvořil díla s velkou přesností, která někdy kombinovala gotiku se secesními tématy.[133]

Secese v Argentině

Zaplavena evropskými přistěhovalci, Argentina uvítala všechny umělecké a architektonické evropské styly, včetně secese.[134] Města s nejpozoruhodnějším secesním dědictvím v Argentině jsou Buenos Aires, Rosario a Mar del Plata.[135]

Paříž byla prototypem Buenos Aires s výstavbou velkých bulvárů a ulic v 19. století.[134] Místní styl spolu s francouzským vlivem také sledoval italskou svobodu jako mnoho architektů (Virginio Colombo, Francisco Gianotti, Mario Palanti ) byli Italové. V pracích Julián García Núñez [es ] Katalánský vliv lze zaznamenat, když v roce 1900 dokončil studium v ​​Barceloně.[134] Vliv Vídeňská secese najdete v budově Paso y Viamonte.[134]

Zavedení secese v roce 2006 Rosario je připojen k Francisco Roca Simó [es ] který trénoval v Barceloně.[136] Jeho Budova klubu Español [es ] (1912) uvádí jedno z největších vitráží v Latinské Americe vyráběných (stejně jako obklady a keramika) místní firmou Buxadera, Fornells y Cía.[137] Sochařem budovy je Diego Masana z Barcelony.[137]

Vliv Belgie na argentinskou secesi představuje Villa Ortiz Basualdo, která nyní hostí Městské muzeum umění Juan Carlos Castagnino v Mar del Plata kde je nábytek, interiéry a osvětlení Gustave Serrurier-Bovy.

Secese ve zbytku světa

Stejně jako v Argentině byla secese v jiných zemích ovlivněna především zahraničními umělci:

Secesní motivy najdete také v Francouzské koloniální artchitechture v celém textu Francouzská Indočína.

Pozoruhodné umělecké hnutí zvané Škola Becalel se objevil v Palestina v randění s pozdní Osmanskou a Britský mandát období. Byl popsán jako „fúze orientální umění a Jugendstil. “[146] Několik umělců spojených se školou Becalel bylo známé svým secesním stylem, včetně Ze'ev Raban, Ephraim Mojžíš Lilien a Abel Pann.[147]

Vlastnosti

Raná secese, zejména v Belgii a Francii, se vyznačovala zvlněnými zakřivenými formami inspirovanými liliemi, vinnou révou, stonky květin a jinými přírodními formami. používané zejména v interiérech Victor Horta a výzdoba Louis Majorelle a Émile Gallé.[148] Rovněž čerpal ze vzorů založených na motýlech a vážkách, vypůjčených z japonského umění, které byly v té době v Evropě populární.[149]

Early Art Nouveau také často představoval více stylizované formy vyjadřující pohyb, jako například státní převrat nebo „whiplash "čára, vyobrazená v cyklámenových rostlinách nakreslená designérem Hermann Obrist v roce 1894. Popis publikovaný v Pánev časopis o Hermann Obrist visí na zdi Cyklámen (1894) přirovnal k „náhlým násilným křivkám generovaným prasknutím biče“.[150] Termín „whiplash“, i když se původně používal k zesměšňování stylu, se často používá u charakteristických křivek používaných secesními umělci.[150] Takové dekorativní zvlněné a plynulé linie v synkopovaném rytmu a asymetrickém tvaru se často vyskytují v architektuře, malbě, sochařství a dalších formách secesního designu.[150]

Jiné květinové formy byly populární, inspirované liliemi, vistárie a jinými květinami, zejména v lampách Louis Comfort Tiffany a skleněné předměty vyrobené umělci School of Nancy a Émile Gallé. Jiné zakřivené a zvlněné formy vypůjčené z přírody zahrnovaly motýly, pávy, labutě a lekníny. Mnoho návrhů zobrazovalo ženské vlasy propletené stonky lilií, kosatců a jiných květů.[151] Stylizované květinové formy používaly zejména Victor Horta v kobercích, balustrádách, oknech a nábytku. Byly také značně používány Hector Guimard pro balustrády a nejslavněji pro lampy a zábradlí u vchodů do Pařížské metro. Guimard vysvětlil: „Tomu, čemu je třeba se vyhnout ve všem, co je spojité, je rovnoběžnost a symetrie. Příroda je největším stavitelem a příroda nedělá nic, co je paralelní, a nic, co je symetrické.“[152]

Dříve secesní nábytek, jako například nábytek od Louis Majorelle a Henry van de Velde, bylo charakterizováno použitím exotických a drahých materiálů, včetně mahagonu s intarzií ze vzácných dřev a obložení, a zakřivením forem bez pravých úhlů. Poskytlo to pocit lehkosti.

Ve druhé secesní fázi, po roce 1900, byla výzdoba čistší a linie byly více stylizované. Zakřivené čáry a formy se vyvinuly do mnohoúhelníků a poté do kostek a dalších geometrických tvarů. Tyto geometrické tvary byly použity se zvláštním účinkem v architektuře a nábytku Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser a Josef Hoffmann, zejména Palais Stoclet v Bruselu, který oznámil příjezd Art Deco a modernismus.[78][79][80]

Další charakteristikou secesní architektury bylo použití světla, otevírání vnitřních prostor, odstraňování stěn a rozsáhlé používání střešních oken, které do interiéru vnesly maximální množství světla. Rezidenční studio architekta a dalších domů Victor Horta měl rozsáhlé světlíky, podporované zakřivením železných rámů. V Hotel Tassel odstranil tradiční zdi kolem schodiště, takže schody se staly ústředním prvkem interiérového designu.

Vztah k současným stylům a pohybům

Dva příklady rokoko: návrh konzolového stolu z roku 1752 (vlevo) a porcelánem potažená mísa z roku 1756 (vpravo). Křivky, rostlinné ozdoby, asymetrie a motivy inspirované přírodou byly široce používány v obou Rokokové oživení (jeden z nejpopulárnějších stylů v 70. a 80. letech 18. století) a secese

Jako umělecký styl má secese spříznění s Prerafaelité a Symbolista styly a umělci jako Aubrey Beardsley, Alfons Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt a Jan Toorop lze zařadit do více než jednoho z těchto stylů. Na rozdíl od symbolistické malby má však secese výrazný vzhled; a na rozdíl od řemeslník -orientované Hnutí umění a řemesel, Secesní umělci snadno použili nové materiály, opracované povrchy a abstrakce ve službách čistého designu.

Secese se nevyhýbala používání strojů, jak to činilo hnutí Umění a řemesla. U sochařství byly hlavními použitými materiály sklo a tepané železo, což mělo za následek sochařské kvality i v architektuře. Keramika byla také použita při vytváření edic soch umělci jako Auguste Rodin.[153] ačkoli jeho socha není považována za secesi.

Secesní architektura využila mnoho technologický inovace z konce 19. století, zejména použití exponovaného železa a velkých kusů skla nepravidelného tvaru pro architekturu.

Secesní tendence byly také absorbovány do místních stylů. Například v Dánsku to byl jeden aspekt Skønvirke („estetické dílo“), které samo o sobě více souvisí s Styl umění a řemesel.[154][155] Podobně umělci přijali do Květiny mnoho květinových a organických motivů secese Młoda Polska („Young Poland“) styl v Polsku.[156] Młoda Polskavšak zahrnoval i jiné umělecké styly a zahrnoval širší přístup k umění, literatuře a životnímu stylu.[157]

Žánry

Secese je zastoupena v malbě a sochařství, ale nejvýznamnější je v architektura a dekorativní umění. Bylo to vhodné pro grafika, zejména plakát, Vzhled interiéru, kov a sklo umění, šperky, design nábytku, keramika a textil.

Plakáty a grafika

Hlavní článek: Secesní plakáty a grafika

Grafika se v secesním období rozvíjela díky novým technologiím tisku, zejména barvě litografie, což umožnilo hromadnou výrobu barevných plakátů. Umění již nebylo omezeno na galerie, muzea a salony; našel se na pařížských zdech a v ilustrovaných uměleckých časopisech, které obíhaly po celé Evropě a do Spojených států. Nejoblíbenějším tématem secesních plakátů byly ženy; ženy symbolizující půvab, modernost a krásu, často obklopené květinami.

V Británii byl předním grafikem v secesním stylu Aubrey Beardsley (1872–1898). Začal s rytými knižními ilustracemi pro Le Morte d'Arthur, pak černobílé ilustrace pro Salome podle Oscar Wilde (1893), který mu přinesl slávu. Ve stejném roce začal gravírovat ilustrace a plakáty pro časopis o umění Studio, který pomohl propagovat evropské umělce jako např Fernand Khnopff v Británii. Křivky a složité květinové vzory přitahovaly stejnou pozornost jako text.[158]

Švýcarsko-francouzský umělec Eugène Grasset (1845–1917) byl jedním z prvních tvůrců francouzských secesních plakátů. Pomohl vyzdobit slavný kabaret Le Chat noir v roce 1885 a vytvořil své první plakáty pro Fêtes de Paris. Udělal oslavovaný plakát z Sarah Bernhardt v roce 1890 a širokou škálu knižních ilustrací. Umělci-návrháři Jules Chéret, Georges de Feure a malíř Henri de Toulouse-Lautrec vše vyrobené plakáty pro pařížská divadla, kavárny, kabarety tanečních sálů. The čeština umělec Alfons Mucha (1860–1939) přijela do Paříže v roce 1888 a v roce 1895 vyrobila ve hře plakát pro herečku Sarah Bernhardtovou Gismonda podle Victorien Sardou. Úspěch tohoto plakátu vedl ke kontraktu na výrobu plakátů k dalším šesti hrám Bernhardta. Během příštích čtyř let navrhoval pro herečku také kostýmy, kostýmy a dokonce i šperky.[159][160] Na základě úspěchu svých divadelních plakátů vytvořil Mucha plakáty k nejrůznějším výrobkům, od cigaret a mýdla po pivní sušenky, všechny s idealizovanou ženskou postavou s postavou přesýpacích hodin. Ve svém osobitém stylu navrhl výrobky, od šperků po krabičky na sušenky.[161]

Ve Vídni byl nejplodnějším designérem grafiky a plakátů Koloman Moser (1868–1918), který se aktivně účastnil secesního hnutí s Gustav Klimt a Josef Hoffmann a vytvořil ilustrace a obálky časopisu hnutí, Ver Sacrum, stejně jako obrazy, nábytek a dekorace.[162]

Malování

Malování bylo další doménou secese, ačkoli většina malířů spojených se secesí je primárně popisována jako členové jiných hnutí, zejména postimpresionismus a symbolismus. Alfons Mucha byl známý svými secesními plakáty, které ho frustrovaly. Podle jeho syna a životopisce, Jiří Mucha, na secesi moc nemyslel. "Co je to, secese? zeptal se. „... Umění nikdy nemůže být nové.“ [163] Největší hrdost na svou práci malíře historie. Jeho jedna secesní inspirace, obraz „Slava“, je portrétem dcery jeho patrona ve slovanském kroji, který byl vytvořen podle jeho divadelních plakátů.[163]

Malíři nejužší spojeni se secesí byli Les Nabis postimpresionističtí umělci, kteří působili v Paříži od roku 1888 do roku 1900. Jedním z jejich stanovených cílů bylo prolomení bariéry mezi výtvarným uměním a dekorativním uměním. Malovali nejen plátna, ale také dekorativní zástěny a panely. Mnoho z jejich děl bylo ovlivněno estetikou japonských tisků. Členové v ceně Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton, a Paul Sérusier.[164]

V Belgii, Fernand Khnopff pracoval v malířství i grafickém designu. Nástěnné malby od Gustava Klimta byly integrovány do dekorativního schématu Josef Hoffmann pro Palais Stoclet. Klimtova nástěnná malba pro jídelnu v Palais Stoclet (1905–1911) je považována za mistrovské dílo pozdní secese.

Jeden předmět se objevil jak v tradiční malbě, tak v secesi; americký tanečník Loie Fullerová, byl zobrazen francouzskými a rakouskými malíři a umělci plakátů.[165]

Jeden konkrétní styl, který se stal populárním v secesním období, zejména v Bruselu, byl sgrafito, technika vynalezená v renesanci nanášení vrstev tónované omítky na výrobu nástěnných maleb na fasádách domů. To využil zejména belgický architekt Paul Hankar za domy, které postavil pro dva přátele umělců, Paula Cauchieho a Alberta Ciamberlaniho.

Skleněné umění

Hlavní článek: Secesní sklo umění

Skleněné umění bylo médium, ve kterém secese našla nové a rozmanité způsoby vyjádření. Intenzivní experimentování pokračovalo, zejména ve Francii, s cílem nalézt nové efekty transparentnosti a neprůhlednosti: v gravírování win cameo, dvojitých vrstev a gravírování kyselinou, což je technika, která umožňovala sériovou výrobu. Město Nancy se stala důležitým centrem pro francouzský sklářský průmysl a dílny Émile Gallé a Daum studio pod vedením Auguste a Antonin Daum. Pracovali s mnoha významnými designéry, včetně Ernest Bussière [fr ], Henri Bergé (ilustrátor) [fr ], a Amalric Walter. Vyvinuli novou metodu inkrustace skla vtlačením fragmentů různobarevného skla do nedokončeného kusu. Často spolupracovali s návrhářem nábytku Louis Majorelle, jehož domov a dílny byly v Nancy. Dalším rysem secese bylo použití barevných oken s tímto stylem květinových motivů v obytných salonech, zejména v secesních domech v Nancy. Mnoho z nich bylo dílem Jacques Grüber, který vyrobil okna pro Villa Majorelle a další domy.[167]

V Belgii byla přední firmou sklářská továrna Val Saint Lambert, která vytvořila vázy v organických a květinových formách, z nichž mnohé navrhl Philippe Wolfers. Wolfers byl známý zejména pro vytváření děl symbolista sklo, často s připevněnou kovovou dekorací. v Čechy, pak oblast Rakousko-Uhersko známý pro výrobu krystalů, společnosti J. & L. Lobmeyr a Joh. Loetz Witwe také experimentoval s novými barvicími technikami a vytvářel živější a bohatší barvy. V Německu experimenty vedl Karl Köpping, který pomocí foukaného skla vytvořil extrémně jemné sklenice ve formě květin; tak choulostivé, že dnes přežije jen málokdo.[168]

Ve Vídni byly skleněné vzory hnutí Secession mnohem geometrickější než návrhy ve Francii nebo Belgii; Otto Prutscher byl nejpřísnějším sklářským designérem hnutí.[168] V Británii vytvořil řadu květinových motivů z barevného skla Margaret Macdonald Mackintosh pro architektonickou výstavu nazvanou „Dům milovníka umění“.

Ve Spojených státech, Louis Comfort Tiffany a jeho designéři se proslavili zejména svými lampami, jejichž skleněné stínítka složitě skládala dohromady společné květinové motivy. Lampy Tiffany si získaly oblibu po roce Světová kolumbijská expozice v Chicagu v roce 1893, kde Tiffany vystavila své lampy v byzantské kapli. Tiffany intenzivně experimentoval s procesy barvení skla, patentovat v roce 1894 proces Favrilové sklo, který používal oxidy kovů k barvení vnitřku roztaveného skla, což mu poskytlo iridescentní efekt. V jeho dílnách bylo vyrobeno několik různých sérií Lampa Tiffany v různých květinových vzorech, spolu s vitrážemi, obrazovkami, vázami a řadou dekorativních předmětů. Jeho díla byla nejprve dovezena do Německa, poté do Francie Siegfried Bing, a poté se stal jedním z dekorativních vjemů expozice z roku 1900. Americký soupeř s Tiffany, Steuben Glass, byla založena v roce 1903 v Corning, NY tím, že Frederick Carder, který stejně jako Tiffany použil proces Fevrile k vytvoření povrchů s duhovými barvami. Dalším významným americkým sklářským umělcem byl John La Farge, Který vytvořil složitá a barevná barevná okna na náboženských i čistě dekorativních tématech.[168]

Příklady barevných oken v kostelech najdete v Secesní církevní budovy článek.

Kovové umění

Teoretik architektury z 19. století Viollet-le-Duc prosazoval ukazování, spíše než skrývání železných konstrukcí moderních budov, ale secesní architekti Victor Horta a Hector Guimard šli o krok dále: do interiérů i exteriérů svých budov přidali železnou výzdobu v křivkách inspirovaných květinovými a rostlinnými formami. Vzali podobu zábradlí schodiště v interiéru, svítidel a dalších detailů v interiéru a balkonů a jiných ozdob na vnější straně. To se stalo jedním z nejvýraznějších rysů secesní architektury. Použití kovové dekorace v rostlinných formách se brzy objevilo také v příborech, lampách a jiných dekorativních předmětech.[169]

Ve Spojených státech návrhář George Grant Elmslie vytvořil extrémně složité litinové vzory pro balustrády a další vnitřní výzdobu budov chicagského architekta Louis Sullivan.

Zatímco francouzští a američtí designéři používali květinové a rostlinné formy, Joseph Maria Olbrich a další umělci secese navrhli čajové konvice a jiné kovové předměty ve více geometrickém a střízlivém stylu.[170]

Šperky

K charakteristikám secesních šperků patří jemné křivky a linie. Jeho design často obsahuje přírodní předměty včetně květin, zvířat nebo ptáků. Ženské tělo je také populární, často se objevuje na portréty. Často to zahrnovalo dlouhé náhrdelníky vyrobené z perel nebo řetízků ze stříbra, které byly přerušovány skleněnými korálky nebo byly zakončeny stříbrným nebo zlatým přívěskem, který sám o sobě byl často navržen jako ozdoba k uchycení jediného fazetovaného šperku ametyst, peridot nebo citrin.[171]

Období secese přineslo klenotnickému průmyslu pozoruhodnou stylistickou revoluci, vedenou převážně významnými pařížskými firmami. V předchozích dvou stoletích vytvářel důraz na jemné šperky dramatické prostředí pro diamanty. Za vlády secese hrály diamanty obvykle podpůrnou roli. Klenotníci experimentovali s celou řadou dalších kamenů, včetně achát, granát, opál, měsíční kámen, akvamarín a další polodrahokamy a mimo jiné s celou řadou nových technik smaltování a nové materiály, včetně roh, tvarované sklo a slonová kost.

Včetně raných pozoruhodných pařížských klenotníků v secesním stylu Louis Aucoc, jehož rodinná klenotnická firma se datuje rokem 1821. Nejslavnější návrhář secesního období, René Lalique, učil v ateliéru Aucoc od roku 1874 do roku 1876. Lalique se stala ústřední postavou secesních šperků a skla s využitím přírody, od vážky na trávy, jako jeho modely. Umělci mimo tradiční svět šperků, jako např Paul Follot, nejlépe známý jako návrhář nábytku, experimentoval s návrhy šperků. Včetně dalších pozoruhodných francouzských secesních návrhářů šperků Jules Brateau a Georges Henry. Ve Spojených státech byl nejslavnějším designérem Louis Comfort Tiffany, jehož práce byla předvedena v obchodě Siegfried Bing a také na výstavě v Paříži v roce 1900.

V Británii byl nejvýznamnější osobností designér Liberty & Co. Archibald Knox, který vyrobil různé secesní kousky, včetně stříbrných spon na opasek. C. R. Ashbee navržené přívěsky ve tvaru pávů. Všestranný Glasgow návrhář Charles Rennie Mackintosh také vyráběl šperky pomocí tradičních keltských symbolů. V Německu je centrem pro Secese šperky byly městem Pforzheim, kde je většina německých firem včetně Theodor Fahrner, byly lokalizovány. Rychle vytvořili díla, aby uspokojili poptávku po novém stylu.[171]

Architektura a výzdoba

Viz také: Secesní chrámy

Secesní architektura byla reakcí proti eklektickým stylům, které dominovaly evropské architektuře ve druhé polovině 19. století. Bylo to vyjádřeno dekorací: buď ornamentální (na základě květin a rostlin, např. bodláků,[172] duhovky,[173] cyklameny, orchideje, lekníny atd.) nebo sochařské (viz příslušná část níže). Zatímco tváře lidí (nebo maskarony ) jsou označovány jako ornament, použití lidí v různých formách sochařství (sochy a reliéfy: viz příslušná část níže) byl také běžný v některých formách secese. Před Vídeňská secese, Jugendstil a různé formy Národní romantický styl fasády byly asymetrické a často zdobené polychromovanými keramickými dlaždicemi. Výzdoba obvykle navrhovala pohyb; mezi strukturou a ornamentem nebyl žádný rozdíl.[174] Curling nebo "whiplash" motiv, založený na formách rostlin a květin, byl široce používán v rané secesi, ale výzdoba se stala abstraktnější a symetrickější v Vídeňská secese a další novější verze stylu, jako v Palais Stoclet v Bruselu (1905–1911).[175]

The style first appeared in Brussels' Hankarův dům podle Paul Hankar (1893) a Hôtel Tassel (1892–93) of Victor Horta. The Hôtel Tassel was visited by Hector Guimard, who used the same style in his first major work, the Castel Béranger (1897–98). Horta and Guimard also designed the furniture and the interior decoration, down to the doorknobs and carpeting. In 1899, based on the fame of the Castel Béranger, Guimard received a commission to design the entrances of the stations nového Paris Métro, which opened in 1900. Though few of the originals survived, these became the symbol of the Art Nouveau movement in Paris.

In Paris, the architectural style was also a reaction to the strict regulations imposed on building facades by Georges-Eugène Haussmann, the prefect of Paris under Napoleon III. Příďová okna were finally allowed in 1903, and Art Nouveau architects went to the opposite extreme, most notably in the houses of Jules Lavirotte, which were essentially large works of sculpture, completely covered with decoration. An important neighbourhood of Art Nouveau houses appeared in the French city of Nancy, okolo Villa Majorelle (1901–02), the residence of the furniture designer Louis Majorelle. Byl navržen uživatelem Henri Sauvage as a showcase for Majorelle's furniture designs.[176]

Many Art Nouveau buildings were included in Světové kulturní dědictví UNESCO list as a part of their city centres (in Bern, Budapešť, Lvov, Paříž, Porto, Praha, Riga, Petrohrad, Štrasburk (Neustadt ), Vídeň ). Along with them, there were buildings that were included in the list as separate objects:

Sochařství

Sculpture was another form of expression for Art Nouveau artists, crossing with ceramics sometimes. The porcelain figurine Dancer with a Scarf podle Agathon Léonard won recognition both in ceramics and in sculpture at the Pařížská expozice in 1900. Sculptors of other countries also created ceramic sculptures: Bohemian Stanislav Sucharda a Ladislav Šaloun, Belgický Charles Van der Stappen and Catalan Lambert Escaler [ca. ], who created statues of polychrome terracotta. Another notable sculptor of that time was Agustí Querol Subirats z Katalánsko who created statues in Spain, Mexico, Argentina, a Kuba.[178]

v architektonická socha not only statues but also reliefs were used. Art Nouveau architects and sculptors found inspiration in animal motivy (butterflies,[179] peacocks,[180] swans,[181] owls,[182] netopýři,[183] dragons,[184] medvědi[185]). Atlantes,[186] karyatidy,[187] putti,[188] a chrliče[189] byly také použity.

Nábytek

Hlavní článek: Art Nouveau furniture

Furniture design in the Art Nouveau period was closely associated with the architecture of the buildings; the architects often designed the furniture, carpets, light fixtures, doorknobs, and other decorative details. The furniture was often complex and expensive; a fine finish, usually polished or varnished, was regarded as essential, and continental designs were usually very complex, with curving shapes that were expensive to make. It also had the drawback that the owner of the home could not change the furniture or add pieces in a different style without disrupting the entire effect of the room. For this reason, when Art Nouveau architecture went out of style, the style of furniture also largely disappeared.

In France, the centre for furniture design and manufacture was in Nancy, where two major designers, Émile Gallé a Louis Majorelle had their studios and workshops, and where the Alliance des industries d'art (later called the School of Nancy) had been founded in 1901. Both designers based on their structure and ornamentation on forms taken from nature, including flowers and insects, such as the dragonfly, a popular motif in Art Nouveau design. Gallé was particularly known for his use of intarzie in relief, in the form of landscapes or poetic themes. Majorelle was known for his use of exotic and expensive woods, and for attaching bronze sculpted in vegetal themes to his pieces of furniture. Both designers used machines for the first phases of manufacture, but all the pieces were finished by hand. Other notable furniture designers of the Nancy School included Eugène Vallin a Émile André; both were architects by training, and both designed furniture that resembled the furniture from Belgian designers such as Horta and Van de Velde, which had less decoration and followed more closely the curving plants and flowers. Other notable French designers included Henri Bellery-Desfontaines, who took his inspiration from the neo-Gothic styles of Viollet-le-Duc; a Georges de Feure, Eugène Gaillard, a Édouard Colonna, who worked together with art dealer Siegfried Bing to revitalize the French furniture industry with new themes. Their work was known for "abstract naturalism", its unity of straight and curved lines, and its rokoko vliv. The furniture of de Feure at the Bing pavilion won a gold medal at the 1900 Paris Exposition. The most unusual and picturesque French designer was François-Rupert Carabin, a sculptor by training, whose furniture featured sculpted nude female forms and symbolic animals, particularly cats, who combined Art Nouveau elements with Symbolismus. Other influential Paris furniture designers were Charles Plumet, a Alexandre Charpentier.[190] In many ways the old vocabulary and techniques of classic French 18th-century Rokoko furniture were re-interpreted in a new style.[10]

In Belgium, the pioneer architects of the Secesní hnutí, Victor Horta a Henry van de Velde, designed furniture for their houses, using vigorous curving lines and a minimum of decoration. The Belgian designer Gustave Serrurier-Bovy added more decoration, applying brass strips in curving forms. In the Netherlands, where the style was called Nieuwe Kunst or New Art, H. P. Berlag, Lion Cachet and Theodor Nieuwenhuis followed a different course, that of the English Hnutí umění a řemesel, with more geometric rational forms.

In Britain, the furniture of Charles Rennie Mackintosh was purely Arts and Crafts, austere and geometrical, with long straight lines and right angles and a minimum of decoration.[191] Continental designs were much more elaborate, often using curved shapes both in the basic shapes of the piece, and in applied decorative motifs. In Germany, the furniture of Peter Behrens a Secese was largely rationalist, with geometric straight lines and some decoration attached to the surface. Their goal was exactly the opposite of French Art Nouveau; simplicity of structure and simplicity of materials, for furniture that could be inexpensive and easily mass-manufactured. The same was true for the furniture of designers of the Wiener Werkstätte in Vienna, led by Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich and Koloman Moser. The furniture was geometric and had a minimum of decoration, though in style it often followed national historic precedent, particularly the Biedemeier styl.[192]

Italian and Spanish furniture design went off in their own direction. Carlo Bugatti in Italy designed the extraordinary Snail Chair, wood covered with painted parchment and copper, for the Turin International Exposition of 1902. In Spain, following the lead of Antoni Gaudí a Modernismus movement, the furniture designer Gaspar Homar designed works that were inspired by natural forms with touches of Catalan historic styles.[117]

In the United States, furniture design was more often inspired by the Arts and Crafts movement, or by historic American models, than by the Art Nouveau. One designer who did introduce Art Nouveau themes was Charles Rohlfs in Buffalo, New York, whose designs for American white oak furniture were influenced by motifs of Keltské umění a Gotické umění, with touches of Art Nouveau in the metal trim applied to the pieces.[117]

Keramika

Ceramic art, including fajáns, was another flourishing domain for Art Nouveau artists, in the English-speaking countries falling under the wider umělecká keramika hnutí. The last part of the 19th century saw many technological innovations in the manufacture of ceramics, particularly the development of high temperature (grand feu) ceramics with crystallised and matte glazes. At the same time, several lost techniques, such as sang de boeuf glazura, were rediscovered. Art Nouveau ceramics were also influenced by traditional and modern Japanese and Chinese ceramics, whose vegetal and floral motifs fitted well with the Art Nouveau style. In France, artists also rediscovered the traditional kamenina (grés) methods and reinvented them with new motifs.[193]

Émile Gallé, in Nancy, created earthenware works in natural earth colors with naturalistic themes of plants and insects. Ceramics also found an important new use in architecture: Art Nouveau architects, Jules Lavirotte a Hector Guimard among them, began to decorate the façades of buildings with architektonická keramika, many of them made by the firm of Alexandre Bigot, giving them a distinct Art Nouveau sculptural look.[193]

One of the pioneer French Art Nouveau ceramists was Ernest Chaplet, whose career in ceramics spanned thirty years. He began producing stoneware influenced by Japanese and Chinese prototypes. Beginning in 1886, he worked with painter Paul Gauguin on stoneware designs with applied figures, multiple handles, painted and partially glazed, and collaborated with sculptors Félix Bracquemond, Jules Dalou a Auguste Rodin. His works were acclaimed at the 1900 Exposition.

The major national ceramics firms had an important place at the 1900 Paris Exposition: the Výroba národního de Sèvres outside Paris; Nymphenburg, Míšně, Villeroy & Boch v Německu a Doulton v Británii. Other leading French ceramists included Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, Albert Dammouse [fr ] a Auguste Delaherche.[194]

In France, Art Nouveau ceramics sometimes crossed the line into sculpture. The porcelain figurine Dancer with a Scarf podle Agathon Léonard, vyrobeno pro Výroba národního de Sèvres, won recognition in both categories at the 1900 Paris Exposition.

The Zsolnay factory v Pécs, Hungary, was founded by Miklós Zsolnay (1800–1880) in 1853 and led by his son, Vilmos Zsolnay (1828–1900) with chief designer Tádé Sikorski (1852–1940) to produce stoneware and other ceramics. In 1893, Zsolnay introduced porcelain pieces made of eosin. He led the factory to worldwide recognition by demonstrating its innovative products at world fairs and international exhibitions, including the 1873 World Fair in Vienna, pak na 1878 World Fair in Paris, where Zsolnay received a velká cena. Frost-resisting Zsolnay building decorations were used in numerous buildings, specifically during the Art Nouveau movement.[195]

Ceramic tiles were also a distinctive feature of Portuguese Arte Nova that continued the long azulejo tradition of the country.

Mozaiky

Mosaics were used by many Art Nouveau artists of different movements, especially of Catalan Modernismus (Nemocnice de Sant Pau, Palau de la Música Catalana, Casa Lleó-Morera a mnoho dalších). Antoni Gaudí invented a new technique in the treatment of materials called trencadís, which used waste ceramic pieces.

Colourful Maiolica tile in floral designs wee a distinctive feature of the Majolica House ve Vídni Otto Wagner, (1898) and of the buildings of the works of the Russian Abramcevova kolonie, zejména těch od Michail Vrubel.

Textil a tapety

Textiles and wallpapers were an important vehicle of Art Nouveau from the beginning of the style, and an essential element of Art Nouveau interior design. In Britain, the textile designs of William Morris had helped launch the Hnutí umění a řemesel and then Art Nouveau. Many designs were created for the Obchodní dům Liberty in London, which popularized the style throughout Europe. One such designer was the Silver Studio, which provided colourful stylized floral patterns. Other distinctive designs came from Glasgowská škola, a Margaret Macdonald Mackintosh. The Glasgow school introduced several distinctive motifs, including stylized eggs, geometric forms and the "Rose of Glasgow".

In France, a major contribution was made by designer Eugène Grasset who in 1896 published La Plante et ses applications ornamentales, suggesting Art Nouveau designs based on different flowers and plants. Many patterns were designed for and produced by for the major French textile manufacturers in Mulhouse, Lille and Lyon, by German and Belgian workshops. The German designer Hermann Obrist specialized in floral patterns, particularly the cyclamen and the "whiplash" style based on flower stems, which became a major motif of the style. Belgičan Henry van de Velde presented a textile work, La Veillée d'Anges, at the Salon La Libre Esthéthique in Brussels, inspired by the symbolism of Paul Gauguin a Nabis. In the Netherlands, textiles were often inspired by batika patterns from the Dutch colonies in the Východní Indie. Folk art also inspired the creation of tapestries, carpets, embroidery and textiles in Central Europe and Scandinavia, in the work of Gerhard Munthe a Frida Hansen v Norsku. The Five Swans design Otto Eckmann appeared in more than one hundred different versions. The Hungarian designer János Vaszary combined Art Nouveau elements with folkloric themes.[197]

Muzea

There are 4 types of museums featuring Art Nouveau heritage:

  • Broad-scope museums (not specifically dedicated to Art Nouveau but with large collection of items in this style). Art Nouveau monuments are italicised;
  • House-museums of Art Nouveau artists (all but Alphose Mucha museum are Art Nouveau monuments);
  • Museums dedicated to local Art Nouveau movements (all are Art Nouveau monuments);
  • Other Art Nouveau buildings with museum status or featuring a museum inside (not dedicated to local Art Nouveau movements/specific artists).
ZeměBroad-scope museumsHouse-museums of Art Nouveau artistsMuseums dedicated to local Art Nouveau movementsOther Art Nouveau buildings with museum status or featuring a museum inside
 RakouskoMuzeum užitého umění v VídeňSecesní budova v VídeňWagner Pavilions at Karlsplatz a Hietzing v Vídeň
 ArgentinaMěstské muzeum umění Juan Carlos Castagnino v Mar del Plata
 BelgieFin-de-Siècle Museum v BruselMaison and Atelier Horta v BruselBelgické komiksové centrum, Muzeum hudebních nástrojů v Brusel
 ChilePalacio Baburizza v Valparaiso
 Česká republikaVýchodočeské muzeum v Hradec KrálovéAlfons Mucha Muzeum v PrahaMuseum of Modern Art in Olomouc
 DánskoMuseum Sønderjylland in Skærbæk
 FrancieMusée d'Orsay, Muzeum dekorativního umění, Carnavalet Museum, Petit Palais v Paříž; Musée historique v Haguenau; Musée d'art moderne et contemporain v Štrasburk, Muzeum výtvarného umění v NancyVilla Majorelle v Nancy; Musée Lalique [fr ] v Wingen-sur-Moder;Museum of the Nancy School v NancyMaxim's Art Nouveau "Collection 1900" výše Maxim restaurace v Paříž (groups of twenty or more persons only)
 FinskoAteneum a Finnish National Museum v Helsinki, Turku Art Museum v TurkuHvitträsk (house of Herman Gesellius, Armas Lindgren, a Eliel Saarinen ) v Kirkkonummi a Muzeum Gallen-Kallela v Espoo
 NěmeckoBröhan Museum in Berlin, Museum in der Majolika in Karlsruhe, Landesmuseum v Mainz, Muzeum Wiesbaden v WiesbadenDarmstadt Colony Museum [de ] v DarmstadtOsthaus Museum v Hagen
 MaďarskoMuzeum užitého umění and its branch Villa György Ráth in BudapešťMiksa Róth House museum in BudapešťHouse of Hungarian Szecesszió in BudapešťGeologické muzeum v Budapešť
 ItálieMunicipal museum [to ] v Casale MonferratoVilla Bernasconi [to ] v Cernobbio
 LotyšskoRiga Art Nouveau Museum in Riga
 MexikoMuseo del Objeto del Objeto v Mexico City
 NorskoJugendstil Centre v ÅlesundNorské muzeum současného umění v Oslo
 PortugalskoMuzeum Arte Nova v AveiroMuseum-Residence of Dr. Anastácio Gonçalves v Lisabon
 RumunskoSzékely National Museum v Sfântu Gheorghe
 RuskoAbramcevova kolonie v moskevský region; All-Russian Decorative Art Museum and Gorkého muzeum v Moskva; Státní ruské muzeum, Museum of Political History of Russia v PetrohradFyodor Livchak House Museum in Uljanovsk[198]Museum of Talashkino Art Colony in Flenovo, Smolenská oblast (in Russian only)Museum of Silver Age of Russian literature in Moskva Muzeum Moderní v Samara, Estate of Aseevs in Tambov; Municipal Museum in Primorsk and Estate-museum of Scherbov in Gatchina (oba Leningradská oblast ), Muzeum architektury a urbanismu v Taganrogu v Taganrog, Museum of Belle Epoque Architecture in Uljanovsk
 ŠpanělskoNárodní muzeum umění Katalánska v Barcelona, CaixaFòrum v Madrid, Museo Art Nouveau and Art Déco v SalamancaMuzeum Gaudího domu v Barcelona, Lluís Domènech i Montaner House-Museum v Canet de MarMuseum of Catalan Modernisme [ca. ] v Barcelona, Art Nouveau House-Museum [es ] v NoveldaSagrada Família, Nemocnice de Sant Pau v Barcelona
 ŠvédskoBiologické muzeum v Stockholm, Röhsska Museum v Gothenburg
  ŠvýcarskoMusée des Beaux-Arts in La Chaux-de-Fonds [fr ]
 Spojené královstvíVictoria and Albert Museum v Londýn; Kelvingrove Museum v Glasgow, Galerie umění Haworth v Accrington[199]Mackintosh House in Hunterian Museum and Art Gallery v GlasgowHorniman Museum v Londýn
 UkrajinaMuzeum umění v Černovice, Museum of Local Lore in Poltava
 USACharles Hosmer Morse Museum of American Art v Winter Park, Florida, Metropolitní muzeum umění v New Yorku, Getty Center v Los Angeles; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum v New Yorku, Art Institute of Chicago v Chicagu

There are many other Art Nouveau buildings and structures that do not have museum status but can be officially visited for a fee or unofficially for free (e.g. railway stations, churches, cafes, restaurants, pubs, hotels, stores, offices, libraries, cemeteries, fountains as well as numerous apartment buildings that are still inhabited).

Viz také

Reference

  1. ^ Sterner (1982), 6.
  2. ^ Heilbrunn Timeline of Art History, Metropolitan Museum of Art, secese
  3. ^ A b C Sembach, Klaus-Jürgen, L'Art Nouveau (2013), pp. 8–30
  4. ^ A b [1] Victor Horta – Encyclopaedia Britannica
  5. ^ A b C d World Heritage Centre, UNESCO. „Hlavní městské domy architekta Victora Horty (Brusel)“. whc.unesco.org.
  6. ^ Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes Victor Horta article
  7. ^ "Art Nouveau", Heilbrunn Timeline of Art History, Metropolitan Museum of Art
  8. ^ Vigne, Georges, Hector Guimard - Le geste magnifique de l'Art Nouveau, (2016), Editions du Patrimoine, Centre des Monuments National, p. 194
  9. ^ A b C d E Duncan (1994): 23–24.
  10. ^ A b C d E F Gontar, Cybele. Art Nouveau. In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000 (October 2006)
  11. ^ A b C d Michèle Lavallée, "Art Nouveau", Grove Dictionary of Art Oxford University Press, accessed 11 April 2008.
  12. ^ Fahr-Becker, Gabriele, L'Art Nouveau, H.F. Ullmann, (2015), p. 335-358
  13. ^ A b Madsen, S. Tschudi (1977). secese (v rumunštině). Editura Meridiane. pp. 7, 71.
  14. ^ "Reteaua Art Nouveau". 7. května 2019. Citováno 6. května 2020.
  15. ^ Bouillon, Jean-Paul, Journal de l'Art Nouveau (1985), str. 6
  16. ^ https://collections.vam.ac.uk/item/O7926/chair-mackmurdo-arthur-heygate/
  17. ^ Viollet-le-Duc, Entretiens sur l'architecture
  18. ^ Bouillon 1985, str. 24.
  19. ^ Rozhovor v L'Écho de Paris, 28 December 1891, cited in Bouillon (1985)
  20. ^ Bouillon 1985, str. 26.
  21. ^ Lahor 2007, str. 30.
  22. ^ Fahr-Becker 2015, str. 91–93.
  23. ^ Fahr-Becker 2015, str. 143.
  24. ^ Oudin, Bernard, Dictionnaiare des Architectes (1994), str. 237
  25. ^ Sembach, L'Art Nouveau p. 47
  26. ^ Culot and Pirlot, Bruxelles Art Nouveau (2005), str. 74–75.
  27. ^ Sembach, L'Art Nouveau- L'Utopie de la Réconciliation (1991) pg. 46–47
  28. ^ Lahor 2007, str. 127.
  29. ^ Sachar, Brian (1984). An Atlas of European Architecture. Van Nostrand Reinhold. p.27. ISBN  978-0-4422-8149-6.
  30. ^ Champigneulle, Bernard (1976). secese. Barronova vzdělávací série. p. 115,121. ISBN  978-0-8120-5111-7.
  31. ^ Citovat web Unesco website
  32. ^ Culot and Pirlot (2005), p. 20
  33. ^ Fahr-Becker, str. 152.
  34. ^ Bouillon 1985.
  35. ^ [2] Hector Guimard – Art Nouveau World
  36. ^ Fahr-Becker 2015, str. 74.
  37. ^ Martin Eidelberg and Suzanne Henrion-Giele, "Horta and Bing: An Unwritten Episode of L'Art Nouveau", Burlingtonský časopis, sv. 119, Special Issue Devoted to European Art Since 1890 (Nov. 1977), pp. 747–752.
  38. ^ Duncan (1994), pp. 15–16, 25–27.
  39. ^ Fahr-Becker, Gabrielle (2015) pp. 391–413)
  40. ^ Sarnitz, August, Otto Wagner (2018), s. 49–50
  41. ^ Sarnitz, August, Hoffmann, (2016), p. 14
  42. ^ Fahr-Becker (2015) pp. 296–27
  43. ^ Fahr-Becker, Gabrielle (2015) pp. 179–188
  44. ^ Texier 2012, str. 86–87.
  45. ^ Lahor, L'Art Nouveau, str. 104
  46. ^ Duncan (1994), p. 37.
  47. ^ Fahr-Becker 2015, str. 136.
  48. ^ Fahr-Becker 2015, s. 136–137.
  49. ^ Culot and Pirlot, Bruxelles Art Nouveau(2005) s. 74–75
  50. ^ Fahr-Becker 2015, str. 140.
  51. ^ Lahor, L'Art Nouveau, str. 91.
  52. ^ Sterner (1982), p. 38–42.
  53. ^ A b Riley 2004, str. 323.
  54. ^ Fahr-Becker (2015), p. 171.
  55. ^ Fahr-Becker (2015), p. 171
  56. ^ A b Fahr-Becker (2015), p. 170–171.
  57. ^ Fahr-Becker (2015), p. 166–167
  58. ^ https://www.vam.ac.uk/articles/arts-and-crafts-an-introduction
  59. ^ Art Nouveau by Rosalind Ormiston and Michael Robinson, 58
  60. ^ "Art Nouveau – Art Nouveau Art". 22. února 2013. Archivovány od originál dne 22. února 2013.
  61. ^ Art Nouveau by Ormiston and Robinson, 61
  62. ^ Lahor, str. 160.
  63. ^ Muter, Grant (1985). „Leon Solon a John Wadsworth“. Časopis společnosti pro dekorativní umění (9): 41–49. JSTOR  41809144.
  64. ^ He was commissioned by the Wardle family of dyers and printers, trading as "Thomas Wardle & Co" and "Bernard Wardle and Co".The Wardel Pattern Books RevealedArchivováno 3. prosince 2013 v Wayback Machine
  65. ^ A. Philip McMahon, "review of F. Schmalenbach, Secese", Parnas, sv. 7 (Oct. 1935), 27.
  66. ^ Reinhold Heller, "Recent Scholarship on Vienna's "Golden Age", Gustav Klimt, and Egon Schiele", Umělecký bulletin, sv. 59 (Mar. 1977), pp. 111–118.
  67. ^ A b [3] Association of Visual Artists Vienna Secession – Official Website
  68. ^ Lahor 2007, str. 52.
  69. ^ [4] Bad Nauheim – Art Nouveau European Route
  70. ^ [5] List of Art Nouveau objects in Moscow – Art Nouveau World
  71. ^ A b Junghanns, Kurt (1982). Der Deutsche Werkbund. Sein erstes Jahrzehnt (v němčině). p. 140. ISBN  388520097X.
  72. ^ [6] Henry van de Velde – Werkbundarchiv
  73. ^ Pevsner, Nikolaus, ed. (1999). Slovník architektury a krajinářské architektury (Brožura). Fleming, John; Honour, Hugh (5th ed.). London: Penguin Books. p. 880. ISBN  978-0-14-051323-3.
  74. ^ [7] List of buildings in Berlin - Art Nouveau World
  75. ^ Lahor 2007, str. 63.
  76. ^ "The "Coup de Fouet" magazine, vol. 27 (2016), pp. 14–25" (PDF).
  77. ^ Lahor 2007, str. 120.
  78. ^ A b Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes (1994), pg. 33–34
  79. ^ A b Sembach, L'Art Nouveau (2013), s. 203–213
  80. ^ A b „Stoclet House“. Centrum světového dědictví UNESCO. 4. července 2009. Citováno 24. července 2019.
  81. ^ A b C d „Časopis„ Coup de Fouet “, sv. 23 (2014), s. 2–35“ (PDF).
  82. ^ [8] Ödön Lechner - secesní svět
  83. ^ „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 8 (2006), str. 37–41“ (PDF).
  84. ^ „Časopis„ Coup de Fouet “, sv. 14 (2009), s. 16“ (PDF).
  85. ^ [9] Aladár Körösfői-Kriesch - secesní svět
  86. ^ [10] Umělecká kolonie Gödöllő - článek Davida A. Hilla
  87. ^ A b C „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 13 (2009), s. 36–41“ (PDF).
  88. ^ [11] Seznam budov v Praze - secesní svět
  89. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (v rumunštině). Editura Cetatea de Scaun. p. 150. ISBN  978-606-537-382-2.
  90. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (v rumunštině). Editura Cetatea de Scaun. p. 178. ISBN  978-606-537-382-2.
  91. ^ Constantin, Paul (1972). Arta 1900 v România (v rumunštině). Editura Meridiane. p. 83, 84, 86, 87 a 90.
  92. ^ Elena Olariu ... pag. 16
  93. ^ http://www.bestofsicily.com/mag/art225.htm
  94. ^ Henry R. Hope, recenze H. Lenninga,] Secese, Umělecký bulletin, sv. 34 (červen 1952), 168–171 (zejm. 168–169): V roce 1952 v diskusi o stavu secese autor poznamenal, že secese ještě nebyla přijatelnou studií pro vážné dějiny umění nebo předmětem vhodným pro významné muzeum výstavy a jejich příslušné katalogy. Předpovídal blížící se změnu
  95. ^ „Storia di Milano ::: Palazzi e case liberty“.
  96. ^ Riley 2007, str. 310.
  97. ^ A b [12] Chronologie - oficiální web Casa Milà
  98. ^ Citace Parc Guell v klasifikaci UNESCO
  99. ^ James Grady, Zvláštní bibliografický dodatek: Bibliografie secese, v „The Journal of the Society of Architectural Historians“, sv. 14 (květen 1955), s. 18–27.
  100. ^ [13] Cronologia - oficiální web Palau Güell
  101. ^ A b C Duncan (1994): 52.
  102. ^ A b https://whc.unesco.org/en/list/804/multiple=1&unique_number=950 Oficiální seznam památek UNESCO „Palau de la Música Catalana and Hospital de Sant Pau, Barcelona“ (1997)
  103. ^ McCully, Marilyn (1978). Els Quarte Gats: Umění v Barceloně kolem roku 1900. Princeton University Press. p. 64.
  104. ^ Riley 2007, str. 311.
  105. ^ [14] Casa do Major Pessoa - Informační systém o Património Arquitetónico
  106. ^ A b C d E „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 11 (2008), s. 2–7“ (PDF).
  107. ^ [15] Francisco Augusto da Silva Rocha - secesní svět
  108. ^ [16] Seznam budov v Lisabonu - secesní svět
  109. ^ [17] Seznam budov v Porto - Art Nouveau World
  110. ^ [18] Seznam zemí - Art Nouveau World
  111. ^ Martin, T. & Pusa, E. 1985, s. 12.
  112. ^ [19] Finské národní muzeum - Muzea EU
  113. ^ A b „Art Nouveau European Route: Helsinki“. www.artnouveau.eu.
  114. ^ „Magnus Schjerfbeck“. Muzeum finské architektury. Citováno 15. února 2020.
  115. ^ Profesor Albert Palmberg, M.A., M.D. (1908). „Kontrola tuberkulózy ve Finsku“. Respirační medicína. Citováno 26. března 2019.CS1 maint: více jmen: seznam autorů (odkaz)
  116. ^ Axel von Bonsdorff (1926). „Zkušenosti s léčbou sanokrysinem v sanatoriu Nummela ve Finsku“. Acta Medica Scandinavica. 64: 123–130. doi:10.1111 / j.0954-6820.1926.tb14017.x.
  117. ^ A b C Riley 2007, str. 312.
  118. ^ A b „Art Nouveau European Route: Ålesund“. www.artnouveau.eu.
  119. ^ [20] Seznam budov ve Stockholmu - Art Nouveau World
  120. ^ [21] Seznam budov v Aarhusu - secesním světě
  121. ^ https://malmo.se/Uppleva-och-gora/Arkitektur-och-kulturarv/Kulturarv-Malmo/Handelser-och-fenomen/Baltiska-utstallningen.html
  122. ^ Duncan, Alistair, Art déco, Thames and Hudson (1988), str. 147–48
  123. ^ A b Fahr-Becker (2015), strany 189–192
  124. ^ „Art Nouveau European Route: Riga“. www.artnouveau.eu.
  125. ^ "Historické centrum Rigy". UNESCO. Citováno 11. března 2016.
  126. ^ A b „Časopis„ Coup de Fouet “, sv. 16 (2010), s. 2–10“ (PDF).
  127. ^ Journel 2015, str. 49.
  128. ^ [22] Ecole d'art et Style sapin - La Chaux-de-Fonds
  129. ^ „Fondation Le Corbusier“. Citováno 28. července 2019.
  130. ^ Lahor 2007, str. 167.
  131. ^ H.F. Koeper. „Louis Sullivan“. Britannica. Citováno 27. července 2019.
  132. ^ Jackie Craven (15. listopadu 2018). „About Louis Sullivan, Architect“. ThoughtCo. Citováno 27. července 2019.
  133. ^ Fahr-Becker (2015), str. 325–330.
  134. ^ A b C d „Art Nouveau European Route: Buenos Aires“. www.artnouveau.eu.
  135. ^ "Art Nouveau European Route: Map". www.artnouveau.eu.
  136. ^ „Art Nouveau European Route: Rosario“. www.artnouveau.eu.
  137. ^ A b „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 10 (2012), s. 44–47“ (PDF).
  138. ^ „Art Nouveau European Route: Havana“. www.artnouveau.eu.
  139. ^ „Časopis„ Coup de Fouet “, sv. 12 (2008), s. 28–29“ (PDF).
  140. ^ „Art Nouveau European Route: Lüderitz“. www.artnouveau.eu.
  141. ^ „Art Nouveau European Route: Valparaiso“. www.artnouveau.eu.
  142. ^ [23] Villino Silveira - secesní svět
  143. ^ [24] Harbin - secesní svět
  144. ^ „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 30 (2018), str. 77–83“ (PDF).
  145. ^ [25] Palacio de Bellas Artes - secesní svět
  146. ^ Umělci AATC - Ze'ev Raban
  147. ^ Mishofy, Alec (2019). Sekularizace posvátného. Brill.
  148. ^ Ducher Caractéristique des Styles (1989), str. 198–199
  149. ^ Ducher, Caractéristique des Styles (1989), str. 198–199
  150. ^ A b C Duncan (1994): 27–28.
  151. ^ Renault and Lazé, (2006) Les Styles de l'architecture et du mobilier, s. 108–109
  152. ^ Fahr-Becker, L'Art Nouveau (2015), php. 74–85
  153. ^ „Archivovaná kopie“ (PDF). Archivovány od originál (PDF) dne 26. července 2011. Citováno 30. června 2010.CS1 maint: archivovaná kopie jako titul (odkaz) Edmond Lachenal produkoval vydání Rodinových soch
  154. ^ Jennifer Opie, Pokrm od Thorvalda Bindesbolla, v Burlingtonský časopis, sv. 132 (květen 1990), s. 356.
  155. ^ Claire Selkurt, „Nový klasicismus: design 20. let 20. století v Dánsku“, v The Journal of Decorative and Propaganda Arts, sv. 4 (jaro 1987), s. 16–29 (zejm. 18 č. 4).
  156. ^ Danuta A. Boczar, Polský plakát, v Art Journal, sv. 44 (jaro, 1984), s. 16–27 (zejm. 16).
  157. ^ Danuta Batorska, "Zofia Stryjeńska: princezna polského malířství", v Ženský umělecký deník, sv. 19 (podzim, 1998 – zima, 1999), s. 24–29 (zejm. 24–25).
  158. ^ Lahor 2007, str. 99.
  159. ^ Úvod do díla Alfonse Muchy a secese, přednáška od Ian Johnston z Malaspina University-College, Nanaimo, Britská Kolumbie.
  160. ^ Fraser, Julie. H. „Recyklace umění“ style2000.com.
  161. ^ Lahor 2007, str. 112.
  162. ^ Lahor, str. 120–121.
  163. ^ A b Sato 2015, str. 43.
  164. ^ Bétard, Daphne, La révolution Nabie, v Les Nabis et le décor„Beaux-Arts Éditions, s. 8–21
  165. ^ Bouillon, Jean-Paul, Journal de l'Art Nouveau (1870–1914), Skira, 1985
  166. ^ „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 31 (2019), s. 34“ (PDF).
  167. ^ Riley 2007, str. 318.
  168. ^ A b C Riley 2007, str. 320.
  169. ^ Riley 2007, str. 322.
  170. ^ Riley 2007, str. 324.
  171. ^ A b „Secesní šperky“. Citováno 22. listopadu 2016.
  172. ^ Thistle - secesní svět
  173. ^ Iris - secesní svět
  174. ^ Renault a Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), s. 107–111
  175. ^ Bony, Anne, L'Architecture Moderne (2012), s. 36–40
  176. ^ Renault and Lazé, (2006), s. 107–111
  177. ^ https://whc.unesco.org/cs/list/320/multiple=1&unique_number=364 Oficiální seznam stránek UNESCO „Díla Antoniho Gaudího“ (1994, 2005)
  178. ^ [26] Agustí Querol Subirats - secesní svět
  179. ^ [27] Motýl - secesní svět
  180. ^ [28] Peacock - secesní svět
  181. ^ [29] Swan - secesní svět
  182. ^ [30] Sova - secesní svět
  183. ^ [31] Bat - secesní svět
  184. ^ [32] Dragon - secesní svět
  185. ^ [33] Medvěd - secesní svět
  186. ^ [34] Atlant - secesní svět
  187. ^ [35] Caryatid - secesní svět
  188. ^ [36] Putti - secesní svět
  189. ^ [37] Chrlič - secesní svět
  190. ^ Riley 2007, str. 302.
  191. ^ Lucie-Smith, 160
  192. ^ Riley 2007, str. 308.
  193. ^ A b Riley 2007, str. 314–15.
  194. ^ Edmond Lachenal a jeho dědictví, autor: Martin Eidelberg, Claire Cass, Hudson Hills Press; ilustrované vydání (25. února 2007)
  195. ^ Časová osa, přístup 23. 1. 2008
  196. ^ Journal of UralNIIProject RAASN - 2014. - № 2. - str. 27—32. - ISSN 2074-2932 (v ruštině)
  197. ^ Riley 2007, str. 328.
  198. ^ [38] Oficiální stránky Leninova rodného muzea
  199. ^ "Galerie umění Haworth" na webových stránkách rady Hyndburn Borough Council

Poznámky

  1. ^ Někteří badatelé připisují Hôtel Jassedé (1893) secesi[35]
  2. ^ Některé zdroje, např. Archiv Werkbund, citujte Van de Velde jako jednoho ze zakládajících členů.[72]
  3. ^ Vyrobeno jako velikonoční dárek od císaře Nicholas II Ruska jeho manželce

Bibliografie

  • Bony, Anne, L'Architecture Moderne, Paříž, Larousse (2012) ISBN  978-2-03-587641-6
  • Bouillon, Jean-Paul, Journal de L'Art Nouveau, Paříž, Skira, 1985. ISBN  2-605-00069-9
  • Culot, Maurice a Pirlot, Ann-Marie, Bruxelles secese, Brusel, Archives d'Architecture Moderne (ve francouzštině), (2005), ISBN  2-87143-126-4
  • Duncan, Alastair, secese, Svět umění, New York: Temže a Hudson, 1994. ISBN  0-500-20273-7
  • Fahr-Becker, Gabriele (2015). L'Art Nouveau (francouzsky). H. F. Ullmann. ISBN  978-3-8480-0857-5.
  • Heller, Steven a Seymour Chwast, Grafický styl od viktoriánské po digitální, nové vydání. New York: Harry N. Abrams, Inc., 2001. str. 53–57.
  • Huyges, René, L'Art et le monde moderne, Svazek 1, Librarie Larousse, Paříž, 1970
  • Journel, Guillemette Morel (2015). Le Corbusier- Construire la Vie Moderne (francouzsky). Editions du Patrimoine: Centre des Monument Nationaux. ISBN  978-2-7577-0419-6.
  • Lahor, Jean (2007) [1901]. L'Art nouveau (francouzsky). Baseline Co. Ltd. ISBN  978-1-85995-667-0.
  • Ormiston, Rosalind; Robinson, Michael (2013). Secese - plakáty, ilustrace a výtvarné umění. Publikování Flame Tree. ISBN  978-1-84786-280-8.
  • Plum, Gilles (2014). Pařížské architektury de la Belle Époque. Éditions Parigramme. ISBN  978-2-84096-800-9.}
  • Renault, Christophe a Lazé, Christophe, les Styles de l'architecture et du mobliier, Éditions Jean-Paul Gisserot, 2006 (ve francouzštině). ISBN  978-2-87747-465-8
  • Riley, Noël (2004). Grammaire des Arts Décoratifs (francouzsky). Flammarion.
  • Sarnitz, srpen (2018). Otto Wagner (francouzsky). Kolín nad Rýnem: Taschen. ISBN  978-3-8365-6432-8.
  • Sato, Tamako (2015). Alphonse Mucha - umělec jako vizionář. Kolín nad Rýnem: Taschen. ISBN  978-3-8365-5009-3.
  • Sembach, Klaus-Jürgen (2013). L'Art Nouveau - L'Utopie de la Réconciliation (francouzsky). Taschen. ISBN  978-3-8228-3005-5.
  • Sterner, Gabriele, Art Nouveau, umění přechodu: od individualismu k masové společnosti, 1. angličtina vyd. (původní název: Jugendstil: Kunstformen zwischen Individualismus und Massengesellschaft), překládali Frederick G. Peters a Diana S. Peters, vydavatel Woodbury, N.Y .: Barronova vzdělávací série, 1982. ISBN  0-8120-2105-3
  • Texier, Simon (2012). Paříž - Panorama de l'architecture. Parigramme. ISBN  978-2-84096-667-8.
  • Thiébaut, Philippe (2018). Mucha et l'Art Nouveau (francouzsky). Paříž: Éditions du Chêne. ISBN  978-2-81231-806-1.
  • Vigne, George (2016). Hector Guimard - Le geste magnifique de l'Art Nouveau (francouzsky). Paris: Editions du Patrimoine - Centre des monumenty nationaux. ISBN  978-2-7577-0494-3.

Další čtení

externí odkazy