Rokoko - Rococo - Wikipedia

Pro další použití viz Rokoko (disambiguation).

Rokoko
Ca 'rezzonico, salone da ballo, quadrature di pietro visconti e affreschi di g.b. crosato (caduta di febo e 4 continenti), 1753, 02.jpg
Charles Cressent, komoda, c. 1730 ve Waddesdon Manor.jpg
Kaisersaal Würzburg.jpg
Strop tanečního sálu Ca Rezzonico v Benátkách s iluzionistou kvadratura malba od Giovanni Battista Crosato (1753); Komoda od Charles Cressent (1730); Kaisersaal z Rezidence Wurzburg podle Balthasar Neumann (1749–51)
Aktivní roky1730 až 1760
ZeměFrancie, Itálie, střední Evropa

Rokoko (/rəˈkoʊkoʊ/, taky NÁS: /ˌroʊkəˈkoʊ/), méně často Rokoko nebo Pozdní baroko, je výjimečně ornamentální a divadelní styl architektury, umění a dekorace, který kombinuje asymetrii, rolování křivek, zlacení, bílé a pastelové barvy, tvarované tvarování a trompe-l'œil fresky vytvářejí překvapení a iluzi pohybu a dramatu. To je často popisováno jako konečné vyjádření Barokní hnutí.[1]

Rokokový styl začal ve Francii ve 30. letech 17. století jako reakce proti formálnějším a geometrickým Styl Ludvík XIV. To bylo známé jako styl rokajl nebo rokajový styl.[2] Brzy se rozšířil do dalších částí Evropy, zejména do severní Itálie, Rakouska, jižního Německa, střední Evropy a Ruska.[3] Přišlo to také ovlivnit další umění, zejména sochařství, nábytek, stříbro a sklo, malbu, hudbu a divadlo.[4] Přestože se původně rokokální styl používal především pro interiéry soukromých rezidencí, měl rokokový duchovní aspekt, což vedlo k jeho širokému použití v interiérech kostelů, zejména ve střední Evropě, Portugalsku a Jižní Americe.[5]

Původ pojmu

Integrovaná rokoková řezba, štuk a freska na Opatství Zwiefalten (1739–45)

Slovo rokoko byl poprvé použit jako vtipná variace slova rokajl.[6][7] Rokajl byl původně způsob zdobení pomocí oblázků, mušlí a cementu, který se od renesance často používal k zdobení jeskyní a fontán.[8][9] Na konci 17. a na počátku 18. století se rokajl stal termínem pro jakýsi dekorativní motiv nebo ornament, který se objevil na konci Styl Ludvík XIV, ve formě mušle prokládané s akant listy. V roce 1736 designér a klenotník Jean Mondon zveřejnil Premier Livre de forme rocquaille et cartel, sbírka vzorů pro ozdoby na nábytek a výzdobu interiérů. Jednalo se o první vzhled výrazu „rokajl“ v tisku, který označil styl.[10] Vyřezávaný nebo tvarovaný motiv mušle byl kombinován s palmovými listy nebo zkroucenými vinicemi, aby byly zdobeny dveře, nábytek, stěnové panely a další architektonické prvky.[11]

Termín rokoko byl poprvé použit v tisku v roce 1825 k popisu dekorace, která byla „mimo styl a staromódní“. To bylo používáno v roce 1828 k dekoraci „která patřila stylu 18. století, přetížená zkroucenými ornamenty“. V roce 1829 autor Stendhal popsal rokoko jako „rokajový styl 18. století“.[12]

Hlavní město Opatství Engelszell, z Rakousko (1754-1764)

V 19. století byl tento termín používán k popisu architektury nebo hudby, která byla příliš ornamentální.[13][14] Od poloviny 19. století tento termín přijal historici umění. I když stále existuje určitá debata o historickém významu stylu, rokoko je nyní často považováno za odlišné období ve vývoji Evropské umění.

Vlastnosti

Rokoko má bujnou výzdobu s množstvím křivek, protikřivek, zvlnění a prvků pocházejících z přírody. Exteriéry rokokových budov jsou často jednoduché, zatímco v interiérech zcela dominuje jejich ornament. Styl byl vysoce divadelní, navržený tak, aby na první pohled zaujal a ohromil. Půdorysy kostelů byly často složité a obsahovaly do sebe zapadající ovály; V palácích se velká schodiště stala středobodem a nabízela různé pohledy na výzdobu.[15] Hlavní ozdoby rokoka jsou: asymetrické mušle, akant a jiné listy, ptáci, kytice, ovoce, hudební nástroje, andělé a Dálného východu prvky (pagody, draky, opice, bizarní květiny a Číňané).[16]

Styl často integroval malbu, formované štuky a řezbářství a kvadratura nebo iluzionistické stropní malby, které byly navrženy tak, aby budily dojem, že ti, kteří vstupují do místnosti, hleděli na oblohu, kde na ně hleděli cherubíni a další postavy. Použité materiály zahrnovaly štuk, buď malovaný, nebo vlevo bílý; kombinace různých barevných dřev (obvykle dub, buk nebo ořech); lakované dřevo v japonském stylu, ozdoba ze zlaceného bronzu a mramorové desky z komod nebo stolů.[17] Záměrem bylo vytvořit dojem překvapení, úžasu a úžasu na první pohled.[18]

Rozdíly mezi barokem a rokokem

Níže jsou uvedeny charakteristiky, které má rokoko, a Barokní není:

  • Částečné opuštění symetrie, vše je složeno z ladných linií a křivek, podobných secese
  • Obrovské množství asymetrických křivek a tvaru C. voluty
  • Příkladem je velmi široké použití květin v ornamentice girlandy z květin
  • Čínské a japonské motivy (viz také: chinoiserie a Japonismus )
  • Teplé pastelové barvy[19] (bělavě žlutá, krémově zbarvená, perlově šedá, velmi světle modrá)[20]

Francie

Viz také: Rokajl a Louis Quinze

The Rokajl styl, nebo francouzské rokoko, se objevil v Paříži za vlády Louis XV a vzkvétal mezi lety 1723 a 1759.[21] Tento styl byl používán zejména v salonech, nový styl místnosti navržený tak, aby zapůsobil a pobavil hosty. Nejvýznamnějším příkladem byl salon princezny v Hôtel de Soubise v Paříži, navrhl Germain Boffrand a Charles-Joseph Natoire (1735–40). K charakteristikám francouzského rokoka patřilo výjimečné umění, zejména v komplexních rámech pro zrcadla a obrazy, které byly vytesány do sádry a často pozlaceny; a použití rostlinných forem (vinná réva, listy, květiny) propletených do složitých vzorů.[22] Nábytek měl také klikaté křivky a rostlinné vzory. Přední návrháři nábytku a řemeslníci v tomto stylu Juste-Aurele Meissonier, Charles Cressent, a Nicolas Pineau.[23][24]

Rokajlský styl trval ve Francii až do poloviny 18. století, a přestože se stal více zakřiveným a rostlinným, nikdy nedosáhl extravagantní rokokové bujnosti v Bavorsku, Rakousku a Itálii. Objevy římských starožitností začínající v roce 1738 v Herculaneum a zejména na Pompeje v roce 1748 obrátil francouzskou architekturu směrem k symetrickější a méně okázalé neoklasicismus.

Itálie

Umělci zejména v Itálii Benátky, také produkoval bujný rokokový styl. Benátské komody napodobovaly zakřivené čáry a vyřezávané ozdoby francouzského rokajlu, ale s určitou benátskou variací; kousky byly malované, často s krajinami nebo květinami nebo výjevy z Guardi nebo jiní malíři, nebo Chinoiserie, na modrém nebo zeleném pozadí, odpovídající barvám Benátská škola malířů, jejichž práce zdobila salony. Včetně významných dekorativních malířů Giovanni Battista Tiepolo, který maloval stropy a nástěnné malby jak kostelů, tak paláců, a Giovanni Battista Crosato kdo maloval strop tanečního sálu Ca Rezzonico v quadraturo způsobem, což dává iluzi tří dimenzí. Tiepelo cestoval se svým synem do Německa v letech 1752–1754 a zdobil stropy Rezidence Würzburg, jedna z hlavních památek bavorského rokoka. Dříve oslavovaný benátský malíř byl Giovanni Battista Piazzetta, který maloval několik pozoruhodných stropů kostela. [25]

Benátské rokoko představovalo také výjimečné sklo Murano sklo, často ryté a barevné, který se vyvážel do celé Evropy. Práce zahrnovaly vícebarevné lustry a zrcadla s extrémně zdobenými rámečky. [25]

Jižní Německo

Při stavbě kostelů, zejména v jihoněmecko-rakouském regionu, se někdy pouze z praktických důvodů vytvářejí gigantické prostorové výtvory, které však nevypadají monumentálně, ale vyznačují se jedinečným spojením architektury, malby, štuku atd., často zcela eliminuje hranice mezi uměleckými žánry a vyznačuje se lehkou beztížností, sváteční veselostí a pohybem. Rokokový dekorativní styl dosáhl svého vrcholu v jižním Německu a Rakousku od 30. let do 70. let 17. století. Tam dominuje církevní krajině dodnes a je tam hluboce zakotven v populární kultuře. Poprvé byl představen z Francie prostřednictvím publikací a děl francouzských architektů a dekoratérů, včetně sochaře Claude III Audran, návrhář interiérů Gilles-Marie Oppenordt, architekt Germain Boffrand, sochař Jean Mondon a kreslíř a rytec Pierre Lepautre. Jejich práce měla významný vliv na německý rokokový styl, ale nedosahuje úrovně budov v jižním Německu.[26]

Němečtí architekti přizpůsobili rokokový styl, ale učinili jej mnohem asymetrickějším a nabitým zdobnější výzdobou než francouzský originál. Německý styl byl charakterizován výbuchem forem, které se kaskádovaly po stěnách. To představovalo tvarování formované do křivek a protikřivek, kroucení a otáčení vzorů, stropů a stěn bez pravých úhlů a štukové listí, které vypadalo, že se plazí po stěnách a přes strop. Výzdoba byla často pozlacená nebo postříbřená, aby kontrastovala s bílými nebo bledými pastelovými stěnami.[27]

Belgický architekt a designér François de Cuvilliés byl jedním z prvních, kdo vytvořil rokokovou budovu v Německu s pavilonem Amalienburg v Mnichově (1734-1739), inspirovaný pavilony Trianon a Marly ve Francii. Byl postaven jako lovecký zámeček s plošinou na střeše pro střelbu z bažantů. Zrcadlová síň v interiéru, od malíře a štukatéra Johann Baptist Zimmermann, byl mnohem bujnější než jakékoli francouzské rokoko.[28]

Dalším pozoruhodným příkladem raného německého rokoka je Rezidence Würzburg (1737–1744) postavený pro knížete-biskupa ve Würzburgu Balthasar Neumann. Neumann odcestoval do Paříže a radil se s francouzskými rokajovými dekorativními umělci Germain Boffrand a Robert de Cotte. Zatímco exteriér byl v střízlivějším barokním stylu, interiér, zejména schodiště a stropy, byl mnohem světlejší a dekorativní. Princ-biskup dovezl italského rokokového malíře Giovanni Battista Tiepolo v letech 1750–53 vytvořili nástěnnou malbu na vrcholu tříúrovňového slavnostního schodiště.[29][30] Neumann popsal interiér rezidence jako „divadlo světla“. Schodiště bylo také ústředním prvkem v rezidenci, kterou postavil Neumann Augustusburgský palác v Brühlu (1743–1748). V této budově vedlo schodiště návštěvníky skrz štukovou fantazii obrazů, sochařství, kování a dekorace s překvapivými výhledy na každém kroku.[29]

Ve 40. a 50. letech 20. století byla v roce postavena řada poutních kostelů Bavorsko, s interiéry zdobenými výraznou variantou rokokového stylu. Jedním z nejvýznamnějších příkladů je Wieskirche (1745–1754) navrhl Dominikus Zimmermann. Stejně jako většina bavorských poutních kostelů je exteriér velmi jednoduchý, s pastelovými zdmi a malým ornamentem. Při vstupu do kostela narazí návštěvník na úžasné divadlo pohybu a světla. Má svatyni oválného tvaru a deambulatory ve stejné podobě, vyplňující kostel ze všech stran světlem. Bílé stěny kontrastovaly se sloupy modrého a růžového štuku ve chóru a klenutý strop obklopený sádrovými anděly pod kupolí představující nebesa přeplněná barevnými biblickými postavami. Mezi další významné poutní kostely patří Bazilika čtrnácti svatých pomocníků podle Balthasar Neumann (1743–1772).[31][32]

Johann Michael Fischer byl architektem Opatství Ottobeuren (1748–1766), další bavorský rokokový orientační bod. Kostel se vyznačuje, stejně jako většina rokokové architektury v Německu, pozoruhodným kontrastem mezi pravidelností fasády a nadbytkem výzdoby v interiéru.[29]

Británie

Ve Velké Británii bylo rokoko nazýváno „francouzským vkusem“ a mělo menší vliv na design a dekorativní umění než v kontinentální Evropě, ačkoli jeho vliv byl patrný v oblastech jako stříbro, porcelán a hedvábí. William Hogarth pomohl vyvinout teoretický základ pro rokokovou krásu. Ačkoli rokoko nezmínil jménem, ​​argumentoval ve svém Analýza krásy (1753), že zvlněné linie a S-křivky prominentní v rokoku byly základem pro půvab a krásu v umění nebo v přírodě (na rozdíl od přímky nebo kruhu v Klasicismus ).[33]

Rokoko přišlo do Anglie pomalu. Před vstupem do rokoka britský nábytek na nějaký čas následoval neoklasicistní Palladian model pod návrhářem William Kent, který navrhl pro lorda Burlingtona a další důležité mecenáše umění. Kent cestoval do Itálie s lordem Burlingtonem v letech 1712 až 1720 a přivezl mnoho modelů a nápadů z Palladia. Navrhl nábytek pro Hampton Court Palace (1732), lord Burlington Chiswick House (1729), London, Thomas Coke's Holkham Hall „Norfolk, hromada Roberta Walpoleho Houghton, pro Devonshire House v Londýně a v Roushamu.[34]

Mahagon se objevil v Anglii asi v roce 1720 a okamžitě se stal populárním pro nábytek vlašský ořech dřevo. Rokoko se začalo v Anglii objevovat mezi lety 1740 a 1750. Nábytek z Thomas Chippendale byl nejblíže rokokovému stylu. V roce 1754 vydal „Gentleman's and Cabinet-maker's directory“, katalog návrhů rokoka, chinoiserie a dokonce i gotický nábytek, který získal širokou popularitu a prošel třemi vydáními. Na rozdíl od francouzských designérů Chippendale ve svém nábytku nepoužíval intarzie ani intarzie. Převládajícím návrhářem vykládaného nábytku byli Vile a Cob, truhláři krále Jiřího III. Další důležitou postavou britského nábytku byla Thomas Johnson, který v roce 1761, velmi pozdě, vydal katalog rokokových návrhů nábytku. Patří mezi ně nábytek vycházející z poměrně fantastických čínských a indických motivů, včetně postele s nebesy korunované čínskou pagodou (nyní v muzeu Victoria and Albert).[25]

Mezi další významné osobnosti britského rokoka patřil stříbrník Charles Friedrich Kandler.

  • Design pro státní postel Thomas Chippendale (1753–54)

  • Navrhovaná čínská pohovka od Thomas Chippendale (1753–54)

  • Návrh pro komody a stojany na lampy od Thomase Chippendale (1753–1754)

  • Boční židle; Thomas Chippendale; kolem 1755–1760; mahagon; Metropolitní muzeum umění (New York City)

  • Design pro svícny v "Čínské chuti" od Thomas Johnson (1756)

  • Židle Chippendale (1772), Metropolitní muzeum

  • Ohniště od stříbrníka Charlese Friedricha Kandera (1735), Metropolitní muzeum

Rusko

Ruská císařovna Kateřina Veliká byl dalším obdivovatelem rokoka; Zlatý kabinet čínského paláce v palácovém komplexu Oranienbaum poblíž Petrohradu, navržený Italem Antonio Rinaldi, je příkladem ruského rokoka.

Odmítnout a skončit

Viz také: Neoklasicismus a empír
Srovnání mezi 18. stoletím leptání tím, že Jacques de Lajoue rokokového kalich krater; a 1. století římský kalich krater, který má přesně stejný tvar jako a Neoklasicistní kamenná zahradní váza

Umění Boucher a další malíři tohoto období, s důrazem na dekorativní mytologii a statečnost, brzy inspirovali reakci a poptávku po „ušlechtilejších“ tématech. Zatímco rokoko pokračovalo v Německu a Rakousku, Francouzská akademie v Římě začala učit klasický styl. To potvrdila nominace De Troy jako ředitel akademie v roce 1738 a poté v roce 1751 Charles-Joseph Natoire.

Madame de Pompadour, paní Ludvíka XV. přispěla k úpadku rokokového stylu. V roce 1750 poslala svého bratra, Abel-François Poisson de Vandières, na dvouleté misi ke studiu uměleckého a archeologického vývoje v Itálii. Doprovázel jej několik umělců, včetně rytce Charles-Nicolas Cochin a architekt Soufflot. Vrátili se do Paříže s vášní pro klasické umění. Vandiéres se stal markýzem Marigny a byl jmenován generálním ředitelem Královských budov. Obrátil oficiální francouzskou architekturu k neoklasicistní. Cochin se stal důležitým kritikem umění; odsoudil petit styl Boucher a vyzval k velkolepému stylu s novým důrazem na starověk a šlechtu na malířských a architektonických akademiích.[35]

Začátek konce rokoka přišel na počátku šedesátých let 20. století jako čísla Voltaire a Jacques-François Blondel začali vyjadřovat kritiku povrchnosti a úpadku umění. Blondel odsoudil „směšnou směsici mušlí, draků, rákosí, palem a rostlin“ v současných interiérech.[36]

Do roku 1785 rokoko ve Francii omdlelo a nahradilo ho pořadí a vážnost neoklasicistních umělců jako Jacques-Louis David. V Německu bylo rokoko koncem 18. století zesměšňováno jako Zopf und Perücke („pigtail and periwig“) a tato fáze se někdy označuje jako Zopfstil. Rokoko zůstalo populární v některých německých spolkových zemích a v Itálii až do druhé fáze neoklasicismu, “empír “, dorazil s napoleonskými vládami a smetl rokoko.

Nábytek a dekorace

Volal ornamentální styl rokajl se ve Francii objevily mezi lety 1710 a 1750, většinou za regentství a vlády Louis XV; styl byl také nazýván Louis Quinze. Jeho hlavními charakteristikami byly malebné detaily, křivky a protikřivky, asymetrie a divadelní nevázanost. Na stěnách nových pařížských salónů se kolem dveří a zrcadel jako vinná réva vinuli kroucení a vinutí, obvykle vyrobené ze zlaceného nebo malovaného štuku. Jedním z prvních příkladů byl Hôtel Soubise v Paříži (1704–05) se slavným oválným salonem zdobeným obrazy Bouchera a Charles-Joseph Natoire.[37]

Nejznámějším francouzským návrhářem nábytku té doby byl Juste-Aurèle Meissonnier (1695–1750), který byl také sochařem, malířem. a zlatník pro královskou domácnost. Byl držitelem titulu oficiálního designéra Komory a kabinetu Ludvíka XV. Jeho dílo je dnes dobře známé díky enormnímu množství rytin z jeho díla, které popularizovalo styl v celé Evropě. Navrhl díla pro královské rodiny v Polsku a Portugalsku.

Itálie byla dalším místem, kde rokoko vzkvétalo, a to jak v počáteční, tak v pozdější fázi. Řemeslníci v Římě, Miláně a Benátkách vyráběli bohatě zdobený nábytek a dekorativní předměty.

  • Svíčka od Juste-Aurèle Meissonnier (1735–40)

  • Vůz Apolla návrh na strop hraběte Bielinského od Meissonier, Varšava, Polsko (1734)

  • Jednohubka navržená Meissonnierem pro hraběte Bielinského, Varšava, Polsko (1735)

  • Konzolový stůl, Řím, Itálie (cca 1710)

Vyřezávané dekorace zahrnovaly fleurety, palety, mušle a listy, vyřezávané do dřeva. Nejextravagantnější formy rokajlu byly nalezeny na konzolách, stolech navržených tak, aby stály u zdí. Commody neboli truhly, které se poprvé objevily za Ludvíka XIV., Byly bohatě zdobeny rokajovým ornamentem ze zlaceného bronzu. Vyráběli je včetně mistrů Jean-Pierre Latz a také představoval intarzie různobarevných dřev, někdy umístěných v šachovnicových kubických vzorech, vyrobených ze světlých a tmavých dřev. V tomto období došlo také k příchodu Chinoiserie, často ve formě lakovaných a zlacených komod, tzv sokol de Chine z Vernis Martin, po ebenistovi, který zavedl tuto techniku ​​do Francie. Ormolu, nebo zlacený bronz, používali mistři včetně Jean-Pierre Latz. Latz vyrobil zvlášť zdobené hodiny namontované na kartonáži Fridrich Veliký pro jeho palác v Postupim. Kousky dovážený čínský porcelán byly často namontovány ormolu (pozlacený bronz) nastavení rokoka pro zobrazení na stolech nebo konzolách v salonech. Ostatní řemeslníci napodobovali Japonské umění lakovaného nábytku a vyrábí komody s japonskými motivy.[18]

britský Rokoko mělo tendenci být zdrženlivější. Designy nábytku Thomase Chippendale udržovaly křivky a pocit, ale zastavily se před francouzskými výšinami rozmarů. Nejúspěšnějším představitelem britského rokoka byl pravděpodobně Thomas Johnson, nadaný řezbář a návrhář nábytku působící v Londýně v polovině 18. století.

Malování

Prvky Rokajl styl se objevil v díle některých francouzských malířů, včetně vkusu pro malebnost v detailech; křivky a protikřivky; a nesymetrie, která nahradila pohyb baroka nadsázkou, ačkoli Francouzi rokajl nikdy nedosáhl extravagance germánského rokoka.[38] Vedoucí navrhovatel byl Antoine Watteau, zejména v Pouť na ostrově Cythera (1717), Louvre, v žánru zvaném Fête Galante zobrazující scény mladých šlechticů, kteří se shromáždili, aby slavili v pastoračním prostředí. Watteau zemřel v roce 1721 ve věku třiceti sedmi let, ale jeho práce měla i nadále vliv po zbytek století. The Pouť do Cythery obraz zakoupil Fridrich Veliký Pruska v roce 1752 nebo 1765 na výzdobu jeho paláce Charlottenberg v Berlíně.[38]

Nástupce Watteau a Féte Galante v dekorativní malbě byl François Boucher (1703–1770), oblíbený malíř Madame de Pompadour. Jeho práce zahrnovala smyslné Toilette de Venus (1746), který se stal jedním z nejznámějších příkladů tohoto stylu. Boucher se účastnil všech žánrů té doby, navrhoval tapiserie, modely pro porcelánové sochy, dekoroval pařížskou operu a opera-comiquea výzdoba veletrhu Saint-Laurent. [39] Další významní malíři Fête Galante styl v ceně Nicolas Lancret a Jean-Baptiste Pater. Tento styl byl zvláště ovlivněn François Lemoyne, který namaloval honosnou výzdobu stropu Herkulova salonu na náměstí Palác ve Versailles, dokončena v roce 1735.[38] Malby s galantními a mytologickými motivy od Bouchera, Pierre-Charles Trémolières a Charles-Joseph Natoire vyzdobil slavný salon Hôtel Soubise v Paříži (1735–40).[39] Mezi další rokokové malíře patří: Jean François de Troy (1679–1752), Jean-Baptiste van Loo (1685–1745), jeho dva synové Louis-Michel van Loo (1707–1771) a Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719–1795), jeho mladší bratr Charles-André van Loo (1705–1765) a Nicolas Lancret (1690–1743).

V Rakousku a jižním Německu měla italská malba největší vliv na rokokový styl. Benátský malíř Giovanni Battista Tiepolo, ve spolupráci s jeho synem, Giovanni Domenico Tiepolo, byl pozván k malování fresek pro Rezidence Würzburg (1720–1744). Nejvýznamnějším malířem bavorských rokokových kostelů byl Johann Baptist Zimmermann, který maloval strop Wieskirche (1745–1754).

Sochařství

Rokoková socha byla divadelní, barevná a dynamická a poskytovala pocit pohybu v každém směru. Nejčastěji se vyskytoval v interiérech kostelů, obvykle úzce propojených s malbou a architekturou. Náboženské sochařství navazovalo na italský barokní styl, jak dokládá divadelní oltářní obraz Karlskirche ve Vídni.

Brzy rokoko nebo Rokajl socha ve Francii byla socha lehčí a nabídla více pohybu než klasický styl Ludvíka XIV. To bylo podporováno zejména Madame de Pompadour, paní Ludvíka XV., která zadala mnoho prací pro své zámky a zahrady. Sochař Edmé Bouchardon zastoupeny Amor zabýval se vyřezáváním svých šípů lásky z klubu Herkules. Rokokové postavy také zaplnily pozdější fontány ve Versailles, například Neptunovu fontánu Lambert-Sigisbert Adam a Nicolas-Sebastien Adam (1740). Na základě jejich úspěchu ve Versailles byli pozváni do Pruska Fridrich Veliký vytvořit fontánovou plastiku pro Sanssouci Palác, Prusko (40. léta 17. století).[40]

Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) byl v tomto období dalším předním francouzským sochařem. Falconet byl nejvíce známý pro jeho sochu Petra Velikého na koni v Petrohradě, ale také vytvořil řadu menších děl pro bohaté sběratele, které by mohly být reprodukovány v sérii v terakota nebo odlitý z bronzu. Francouzští sochaři, Jean-Louis Lemoyne, Jean-Baptiste Lemoyne, Louis-Simon Boizot, Michel Clodion, Lambert-Sigisbert Adam a Jean-Baptiste Pigalle všechny vyráběné plastiky v sérii pro sběratele.[41]

V Itálii, Antonio Corradini patřil k předním rokokovým sochařům. Benátčan cestoval po Evropě a pracoval pro Petra Velikého v Petrohradě, pro císařské dvory v Rakousku a Neapoli. Upřednostňoval sentimentální témata a vytvořil několik zručných prací žen s tvářemi zakrytými závoji, z nichž jedna je nyní v Louvre.[42]

Nejkomplikovanější příklady rokokového sochařství byly nalezeny ve Španělsku, Rakousku a jižním Německu, ve výzdobě paláců a kostelů. Socha byla úzce propojena s architekturou; nebylo možné vědět, kde se jeden zastavil a druhý začal. V Palác Belvedere ve Vídni (1721-1722) je klenutý strop Atlantského sálu zvednut na ramenou svalnatých postav navržených Johann Lukas von Hildebrandt. Portál Palác markýze Dos Aguas ve Valencii (1715-1776) byla kompletně promáčena plastikou vytesanou do mramoru podle návrhů Hipolita Roviry Brocandela.[43]

The El Transparente oltář, v hlavní kapli sv Toledská katedrála je tyčící se socha z polychromovaného mramoru a zlaceného štuku v kombinaci s malbami, sochami a symboly. Bylo to od Narciso Tomé (1721–32), jeho konstrukce umožňuje průchod světla a při změně světla se zdá, že se pohybuje.[44]

Porcelán

Objevila se nová forma sochy malého rozsahu, porcelán figurka, nebo malá skupina figurek, původně nahrazující sochy z cukru na velkolepých jídelních stolech, ale brzy oblíbené pro umístění na římsy a nábytek. Počet evropských továren v průběhu století stabilně rostl a některé vyráběly porcelán, který si mohla rozšiřující se střední třída dovolit. Množství barev overglaze dekorace použité na nich také vzrostlo. Obvykle byly modelovány umělci, kteří se školili v sochařství. Mezi běžné předměty patřily postavy z Commedia dell'arte, prodejci městských ulic, milenci a postavy v módním oblečení a dvojice ptáků.

Johann Joachim Kändler byl nejdůležitější modelář Míšeňský porcelán, nejstarší evropská továrna, která zůstala nejdůležitější až do roku 1760. Německý sochař narozený ve Švýcarsku Franz Anton Bustelli produkoval širokou škálu barevných postav pro Manufaktura na porcelán Nymphenburg v Bavorsku, které se prodávaly po celé Evropě. Francouzský sochař Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) následoval tento příklad. Zatímco také dělal rozsáhlé práce, stal se ředitelem Porcelán Sevres manufaktura a vyráběla malá díla, obvykle o lásce a veselosti, pro sériovou výrobu.

Hudba

Rokokové období existovalo v hudební historie, i když to není tak dobře známé jako dřívější barokní a později klasické formy. Samotný rokokový hudební styl se vyvinul z barokní hudby ve Francii, kde byl nový styl označován jako styl galant („galantní“ nebo „elegantní“ styl) a v Německu, kde byl označován jako empfindsamer Stil („citlivý styl“). Lze ji charakterizovat jako lehkou, intimní hudbu s extrémně propracovanými a vytříbenými formami zdobení. Mezi příklady patří Jean Philippe Rameau, Louis-Claude Daquin a François Couperin ve Francii; v Německu byli hlavními zastánci stylu C. P. E. Bach a Johann Christian Bach, dva synové J.S. Bach.

Ve druhé polovině 18. století došlo k reakci na rokokový styl, zejména na jeho vnímané nadužívání ornamentů a dekorací. Vedené Christoph Willibald Gluck, tato reakce zahájila Klasická éra. Na počátku 19. století se katolický názor obrátil proti vhodnosti stylu pro církevní kontexty, protože „v žádném případě nepřispíval k náladám oddanosti“.[45]

Ruský skladatel romantické éry Petr Iljič Čajkovskij napsal The Variace na rokokové téma, Op. 33, pro violoncello a orchestr v roce 1877. Ačkoli téma není původem rokoka, je psáno rokokovým stylem.

Móda

Pytel a spodnička, 1775-1780 V&A Museum č. T.180 a A-1965

Rokoková móda byla založena na extravaganci, eleganci, zdokonalení a dekoraci. Dámská móda sedmnáctého století byla kontrastována s módou osmnáctého století, která byla ozdobená a sofistikovaná, skutečným rokokovým stylem.[46] Tyto způsoby se rozšířily za královský dvůr do salónů a kaváren převládající buržoazie.[47] Bujarý, hravý, elegantní styl dekorace a designu, který dnes známe jako „rokokový“, byl tehdy známý jako le style rocaille, le style moderne, le dna.[48]

Styl, který se objevil na počátku osmnáctého století, byl župan volante,[46] splývavé šaty, které se staly populární na konci vlády krále Ludvíka XIV. Tato róba měla rysy živůtku s velkými záhyby stékajícími po zádech k zemi přes zaoblenou spodničku. Paleta barev byla bohatá, tmavé látky doprovázené propracovanými a těžkými designovými prvky. Po smrti Ludvíka XIV se styly oblečení začaly měnit. Móda se změnila v lehčí a frivolnější styl, který přechází z období baroka do známého stylu rokoka.[49] Pozdější období bylo známé svými pastelovými barvami, více odhalujícími šaty a množstvím volánků, volánků, mašlí a krajek jako ozdob. Krátce poté, co byly představeny typické dámské rokokové šaty, župan à la Française,[46] šaty s pevným živůtkem, které měly hluboký výstřih, obvykle s velkými mašličkami, které se mašlovaly dolů uprostřed vpředu, širokými kufry, a byly bohatě zdobené velkým množstvím krajek, stužky a květin.

The Watteau záhyby[46] také se stala populárnější, pojmenovaná po malíři Jean-Antoine Watteauovi, který maloval detaily šatů až po krajkové stehy a jiné ozdoby s nesmírnou přesností. Později 'košík' a „mantua„začaly být módní kolem roku 1718, byly to široké obruče pod šaty, které rozšířily boky do stran, a brzy se staly základem formálního oblečení. To dalo rokokovému období ikonické šaty širokých boků v kombinaci s velkým množstvím dekorace na oděvech. Široké kufry se nosily při zvláštních příležitostech a mohly dosáhnout až 4,8 metru v průměru,[50] a menší obruče se nosily pro každodenní nastavení. Tyto rysy původně pocházely ze španělské módy sedmnáctého století, známé jako strážkyně, původně navržen tak, aby skryl těhotné břicho, poté byl znovu představen jako kufr.[50] Rok 1745 se stal rokokovým zlatým věkem zavedením exotičtější orientální kultury ve Francii a la turque.[46] To si oblíbila milenka Ludvíka XV., Madame Pompadour, která pověřila umělce Charlese Andre Van Loo, aby ji namaloval jako tureckou sultanu.

V šedesátých letech 20. století se objevil styl méně formálních šatů a jedním z nich byl i polonézas inspirací z Polska. Byly kratší než francouzské šaty, což umožňovalo vidět spodničku a kotníky, což usnadňovalo pohyb. Další šaty, které přišly do módy, byly roucho l'anglais, který zahrnoval prvky inspirované mužskou módou; krátká bunda, široké klopy a dlouhé rukávy.[49] Mělo to také pohodlný živůtek, plnou sukni bez kufrů, ale stále trochu dlouhou vzadu, aby tvořila vláček, a často nějaký krajkový šátek kolem krku. Dalším kusem byl „redingote“, na půli cesty mezi pláštěm a kabátem.

Během této doby byly pro všechny ženy důležité také doplňky, které zvyšovaly bohatost a dekor těla, aby ladily s jejich šaty. Při jakémkoli oficiálním obřadu byly dámy povinny zakrýt si ruce a paže rukavicemi, pokud byly jejich šaty bez rukávů.[49]

Galerie

Architektura

Rytiny

  • Neznámý umělec. Alegorie astronomie a geografie. Francie (?), Ca. 50. léta

  • A. Avelin po Mondon le Fils. Moment L'Heureux. 1736

  • A. Avelin po Mondon le Fils. Čínský bůh. Rytina z tvrze «Quatrieme livre des formes, orneė des rocailles, carteles, figurky oyseaux et dragon» 1736

Malování

Rokoková malba

Viz také

Poznámky a citace

  1. ^ Owens 2014, str. 92.
  2. ^ Ducher 1988, str. 136.
  3. ^ „Co je rokoko?“. Victoria and Albert Museum. Citováno 20. října 2018.
  4. ^ „Rokokový styl (design) - Britannica online encyklopedie“. Britannica.com. Citováno 24. dubna 2012.
  5. ^ Gauvin Alexander Bailey, Duchovní rokoko: výzdoba a božství od pařížských salonů po mise Patagonie (Farnham: Ashgate, 2014).
  6. ^ Slovník Merriam-Webster online
  7. ^ Monique Wagner, Od Galie k De Gaulle: Nástin francouzské civilizace. Peter Lang, 2005, str. 139. ISBN  0-8204-2277-0
  8. ^ Slovník Larousse online
  9. ^ Marilyn Stokstad, ed. Historie umění. 4. vyd. New Jersey: Prentice Hall, 2005. Tisk.
  10. ^ De Morant, Henry, Histoire des arts décoratifs, str. 355
  11. ^ Renault a Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier(2006) s. 66
  12. ^ "Rokoková etymologie" (francouzsky). Ortolong: web Centra národních zdrojů Textuelles et Lexicales. Citováno 12. ledna 2019.
  13. ^ Rokokový režim Ancien Archivováno 11. dubna 2018 v Wayback Machine. Bc. Edu. Citováno 2011-05-29.
  14. ^ Rokoko - rokokové umění. Huntfor.com. Citováno 2011-05-29.
  15. ^ Hopkins 2014, str. 92.
  16. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 193 a 194.
  17. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 194.
  18. ^ A b Ducher 1988, str. 144.
  19. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 160 a 163.
  20. ^ Graur, Neaga (1970). Styly v dekorativní dekoraci (v rumunštině). Cerces. p. 192.
  21. ^ Lovreglio, Aurélia a Anne, Dictionnaire des Mobiliers et des Objets d'art, Le Robert, Paříž, 2006, s. 369
  22. ^ Hopkins 2014, str. 92-93.
  23. ^ De Morant 1970, str. 382.
  24. ^ Kleiner, Fred (2010). Gardnerovo umění v průběhu věků: západní perspektiva. Cengage Learning. str. 583–584. ISBN  978-0-495-57355-5. Citováno 21. února 2011.
  25. ^ A b C de Morant 1970, str. 383.
  26. ^ De Morant, Henry, Histoire des arts décoratifs (1977), str. 354–355
  27. ^ Ducher 1988, str. 150-153.
  28. ^ Ducher, Caractéristique des Styles (1988), str. 150
  29. ^ A b C Prina a Demartini (2006), s. 222–223
  30. ^ https://www.bavaria.by/experiences/city-country-culture/castles-palaces/wuerzburg-residence; https://www.bavaria.by/experiences/city-country-culture/castles-palaces/wuerzburg-residence; B.M. Pole Největší architektura na světě: minulost a současnost, Regency House Publishing Ltd, 2001.
  31. ^ Ducher 1988, str. 152.
  32. ^ Cabanne 1988, str. 89–94.
  33. ^ „Rokokový vliv na britské umění - figuríny“. figuríny. Citováno 23. června 2017.
  34. ^ de Morant 1970, str. 382.
  35. ^ Cabanne 1988, str. 106.
  36. ^ „Archivovaná kopie“. Archivovány od originál dne 17. března 2020. Citováno 8. dubna 2013.CS1 maint: archivovaná kopie jako titul (odkaz)
  37. ^ Cabanne 1988, str. 102.
  38. ^ A b C Cabanne 1988, str. 98.
  39. ^ A b Cabanne 1988, str. 104.
  40. ^ Duby, Georges a Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (2013), str. 789-791
  41. ^ Duby, Georges a Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (2013) s. 819
  42. ^ Duby, Georges a Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (2013), str. 781-832
  43. ^ Duby, Georges a Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (2013), str. 782-783
  44. ^ Duby, Georges a Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (2013), str. 802-803
  45. ^ Rococo Style – Catholic Encyclopedia. Newadvent.org (1912-02-01). Retrieved on 2014-02-11.
  46. ^ A b C d E Fukui, A., & Suoh, T. (2012). Fashion: A history from the 18th to the 20th century.CS1 maint: více jmen: seznam autorů (odkaz)
  47. ^ "Baroque/Rococo 1650-1800". Historie kostýmu.
  48. ^ Coffin, S. (2008). Rococo: The continuing curve, 1730-2008. New York.
  49. ^ A b C "Marie Antoinette's Style Revolution". národní geografie. Listopad 2016. Citováno 22. dubna 2018.
  50. ^ A b Glasscock, J. "Eighteenth-Century Silhouette and Support". Metropolitní muzeum umění. Citováno 22. dubna 2018.

Bibliografie

  • De Morant, Henry (1970). Histoire des arts décoratifs. Librarie Hacahette.
  • Droguet, Anne (2004). Les Styles Transition et Louis XVI. Les Editions de l'Amateur. ISBN  2-85917-406-0.
  • Cabanne, Perre (1988), L'Art Classique et le Baroque, Paris: Larousse, ISBN  978-2-03-583324-2
  • Duby, Georges and Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle, (French translation from German), Taschen, (2013), (ISBN  978-3-8365-4483-2)
  • Ducher, Robert (1988), Caractéristique des Styles, Paříž: Flammarion, ISBN  2-08-011539-1
  • Fierro, Alfred (1996). Histoire et dictionnaire de Paris. Robert Laffont. ISBN  2-221--07862-4.
  • Prina, Francesca; Demartini, Elena (2006). Petite encylopédie de l'architecture. Paris: Solar. ISBN  2-263-04096-X.
  • Hopkins, Owen (2014). Les styles en architektura. Dunod. ISBN  978-2-10-070689-1.
  • Renault, Christophe (2006), Les Styles de l'architecture et du mobilier, Paris: Gisserot, ISBN  978-2-877-4746-58
  • Texier, Simon (2012), Paris- Panorama de l'architecture de l'Antiquité à nos jours, Paris: Parigramme, ISBN  978-2-84096-667-8
  • Dictionnaire historique de paris. Le Livre de Poche. 2013. ISBN  978-2-253-13140-3.
  • Vila, Marie Christine (2006). Paris Musique- Huit Siècles d'histoire. Paris: Parigramme. ISBN  978-2-84096-419-3.
  • Marilyn Stokstad, ed. Historie umění. 3. vyd. New Jersey: Prentice Hall, 2005. Print.
  • Bailey, Gauvin Alexander (2014). The Spiritual Rococo: Décor and Divinity from the Salons of Paris to the Missions of Patagonia. Farnham: Ashgate.Duchovní rokoko: výzdoba a božství od pařížských salonů po mise Patagonie

Další čtení

externí odkazy