Elektronická hudba - Electronic music - Wikipedia

Elektronická hudba je hudba který zaměstnává elektronické hudební nástroje, digitální přístroje nebo na základě obvodů hudební technologie. Lze rozlišovat mezi zvukem produkovaným pomocí elektromechanických prostředků (elektroakustická hudba ) a který byl vyroben pouze pomocí elektroniky.^[1] Elektromechanické nástroje mají mechanické prvky, jako jsou struny, kladiva a elektrické prvky, jako jsou magnetické snímače, výkonové zesilovače a reproduktory. Mezi příklady elektromechanických zařízení produkujících zvuk patří telharmonium, Hammondovy varhany, elektrický klavír a elektrická kytara, které jsou obvykle dostatečně hlasité, aby je umělci a diváci slyšeli pomocí přístrojový zesilovač a skříňka reproduktoru. Čistě elektronické nástroje nemají vibrující struny, kladiva ani jiné mechanismy vytvářející zvuk. Zařízení jako Theremin, syntetizér a počítač může produkovat elektronické zvuky.^[2]

První elektronická zařízení pro provádění hudby byla vyvinuta na konci 19. století a krátce nato italská futuristé prozkoumal zvuky, které nebyly považovány za hudební. Během dvacátých a třicátých let 20. století byly zavedeny elektronické nástroje a byly vytvořeny první skladby pro elektronické nástroje. Ve 40. letech 20. století umožnila magnetická zvuková páska hudebníkům nahrávat zvuky a poté je upravovat změnou rychlosti nebo směru pásky, což vedlo k vývoji elektroakustické kazetová hudba ve 40. letech 20. století v Egyptě a Francii. Musique concrète, vytvořený v Paříži v roce 1948, byl založen na společné editaci zaznamenaných fragmentů přírodních a průmyslových zvuků. Hudba vyrobená výhradně z elektronických generátorů byla poprvé vyrobena v Německu v roce 1953. Elektronická hudba byla také vytvořena v Japonsku a ve Spojených státech od 50. let. Důležitým novým vývojem byl příchod počítačů pro skládání hudby. Algoritmický kompozice s počítači byla poprvé demonstrována v padesátých letech 20. století (ačkoli algoritmická kompozice sama o sobě bez počítače se objevila mnohem dříve, například Mozartova Musikalisches Würfelspiel ).

V šedesátých letech byla v Americe a Evropě propagována živá elektronika, japonské elektronické hudební nástroje začaly ovlivňovat hudební průmysl a jamajský dabovat hudbu se ukázal jako forma populární elektronické hudby. Na začátku 70. let 20. století monofonní Minimoog syntezátor a japonština bicí automaty pomohl popularizovat syntetizovanou elektronickou hudbu.

V 70. letech začala mít na elektronickou hudbu významný vliv populární muzika, s přijetím polyfonní syntezátory, elektronické bicí, bicí automaty a gramofony, vznikem žánrů jako např disko, Krautrock, nová vlna, synth-pop, hip hop a EDM. V 80. letech se v populární hudbě stala dominantní elektronická hudba, která se více spoléhala na syntezátory a přijetí programovatelných bicích automatů, jako je Roland TR-808 a basové syntezátory tak jako TB-303. Na začátku 80. let 20. století digitální technologie pro syntezátory včetně digitální syntezátory tak jako Yamaha DX7 se stala populární a skupina hudebníků a hudebních obchodníků vyvinula Musical Instrument Digital Interface (MIDI ).

Elektronicky vyráběná hudba se stala populární v 90. letech díky příchodu cenově dostupné hudební technologie.^[3] Současná elektronická hudba zahrnuje mnoho druhů a sahá od experimentální umělecká hudba k populárním formám, jako je elektronická taneční hudba. Pop elektronická hudba je nejznámější ve své 4/4 formě a více souvisí s mainstreamem než předchozí formy, které byly populární na specializovaných trzích.^[4]

Počátky: konec 19. století do počátku 20. století

Přední strana Scientific American v roce 1907, což dokazuje velikost, provoz a popularitu Telharmonium

Na přelomu 20. století se experimentovalo s vznikající elektronika vedl k prvnímu elektronické hudební nástroje.^[5] Tyto počáteční vynálezy nebyly prodány, ale byly použity při demonstracích a veřejných představeních. Divákům byly představeny reprodukce stávající hudby namísto nových skladeb pro nástroje.^[6] Zatímco některé byly považovány za novinky a produkovaly jednoduché tóny, Telharmonium syntetizován zvuk několika orchestrálních nástrojů s přiměřenou přesností. Dosáhla životaschopného veřejného zájmu a dosáhla komerčního pokroku streamování hudby přes telefonní sítě.^[7]

Kritici hudebních konvencí v té době viděli slib v tomto vývoji. Ferruccio Busoni povzbudil složení mikrotonální hudba povoleno elektronickými nástroji. Předpovídal použití strojů v budoucí hudbě, psaní vlivných Náčrt nové estetiky hudby (1907).^[8] Futuristé jako Francesco Balilla Pratella a Luigi Russolo začal skládat hudba s akustickým šumem vyvolat zvuk stroje. Předpovídali expanzi v roce témbr povoleno elektronikou v vlivném manifestu Umění zvuků (1913).^[9][10]

Rané skladby

Léon Theremin předvádění Theremin v roce 1927

Vývoj elektronka vedlo k elektronickým nástrojům, které byly menší, zesílený a praktičtější pro výkon.^[11] Zejména Theremin, ondes Martenot a trautonium byly komerčně vyráběny počátkem 30. let.^[12][13]

Od konce 20. let 20. století ovlivňovala zvýšená praktičnost elektronických nástrojů skladatele, jako např Joseph Schillinger přijmout je. Obvykle se používaly uvnitř orchestry a většina skladatelů napsala části pro theremin, se kterými by se jinak dalo hrát strunné nástroje.^[12]

Avantgardní skladatelé kritizoval převládající použití elektronických přístrojů pro konvenční účely.^[12] Nástroje nabízely expanzi zdrojů výšky tónu^[14] které byly využívány zastánci mikrotonální hudby jako např Charles Ives, Dimitrios Levidis, Olivier Messiaen a Edgard Varèse.^[15][16][17] Dále, Percy Grainger použil theremin k úplnému opuštění pevné tonace,^[18] zatímco ruští skladatelé jako např Gavriil Popov považoval to za zdroj hluku v jinak akustickém hlučná hudba.^[19]

Záznam experimentů

Vývoj na počátku záznamová technologie paralelně s elektronickými nástroji. První způsob záznamu a reprodukce zvuku byl vynalezen na konci 19. století s mechanickým fonograf.^[20] Gramofony se staly běžným předmětem domácnosti a do 20. let 20. století je skladatelé používali k přehrávání krátkých nahrávek v představeních.^[21]

Zavedení elektrický záznam v roce 1925 následovalo intenzivnější experimentování s gramofony. Paul Hindemith a Ernst Toch složil několik skladeb v roce 1930 vrstvením nahrávek nástrojů a vokálů upravenou rychlostí. Ovlivněn těmito technikami, John Cage složen Imaginární krajina č. 1 v roce 1939 úpravou rychlostí zaznamenaných tónů.^[22]

Skladatelé současně začali experimentovat s nově vyvinutými zvuk na filmu technologie. Nahrávky lze spojit dohromady a vytvořit zvukové koláže, jako jsou ty od Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Filippo Tommaso Marinetti, Walter Ruttmann a Dziga Vertov. Technologie dále umožňovala zvuk graficky vytvořen a upraven. Tyto techniky byly použity k vytvoření soundtracků k několika filmům v Německu a Rusku, kromě populárních Dr. Jekyll a pan Hyde ve Spojených státech. Pokusy s grafickým zvukem pokračovaly Norman McLaren z konce 30. let.^[23]

Vývoj: 40. až 50. léta

Elektroakustická hudba na pásku

První praktické audio magnetofon byl odhalen v roce 1935.^[24] Vylepšení technologie byla provedena pomocí AC předpětí technika, která výrazně zlepšila věrnost záznamu.^[25][26] Již v roce 1942 byly nahrávány testovací nahrávky stereo.^[27] Ačkoli se tento vývoj původně omezoval na Německo, po skončení druhé světové války byly rekordéry a pásky přivezeny do Spojených států.^[28] Ty byly základem pro první komerčně vyráběný magnetofon v roce 1948.^[29]

V roce 1944, před použitím magnetické pásky pro kompoziční účely, egyptský skladatel Halim El-Dabh, zatímco jsem ještě studentem Káhira, použit těžkopádný drátový záznamník zaznamenat zvuky starověku zaar obřad. El-Dabh zpracoval nahraný materiál pomocí dozvuku, ozvěny, ovládání napětí a opětovného záznamu pomocí středoevropských rozhlasových studií. To, co vyústilo, je považováno za nejstarší skladbu hudební pásky.^[30] Výsledná práce byla oprávněna Výraz Zaar a byla představena v roce 1944 na akci umělecké galerie v Káhiře. Zatímco jeho počáteční experimenty s kompozicí na bázi pásky nebyly v té době široce známé mimo Egypt, El-Dabh je také známý pro svou pozdější práci v elektronické hudbě na Centrum elektronické hudby Columbia-Princeton na konci 50. let.^[31]

Musique concrète

Phonogen (1953), páskový stroj pro úpravu zvukové struktury, vyvinutý Pierre Schaeffer et al. ve společnosti GRMC

Pierre Schaeffer představující Akusmonium (1974), který sestával z 80 reproduktorů pro přehrávání kazet, na GRM

Po jeho práci s Studio d'Essai na Radiodiffusion Française (RDF), na počátku 40. let Pierre Schaeffer je připočítán s původem teorie a praxe musique concrète. Na konci 40. let 20. století byly experimenty se zvukovou kompozicí využívány šelak gramofony poprvé provedl Schaeffer. V roce 1950 byly techniky hudebního betonu rozšířeny, když byly magnetické páskové stroje používány k prozkoumání postupů manipulace se zvukem, jako je změna rychlosti (posun výšky tónu ) a spojování pásky (Palombini 1993, 14).^[32]

Dne 5. října 1948, RDF vysílal Schaeffer's Etude aux chemins de fer. Toto bylo první “hnutí „z Cinq etudes de bruits, a znamenal začátek studiových realizací^[33] a musique concrète (nebo akustické umění). Schaeffer použil řezání disku soustruh, čtyři gramofony, čtyřkanálový mixážní pult, filtry, ozvěna a mobilní záznamová jednotka. Nedlouho poté, Pierre Henry zahájila spolupráci se společností Schaeffer, partnerstvím, které by mělo hluboké a trvalé účinky na směr elektronické hudby. Další Schaefferův spolupracovník, Edgard Varèse, začal pracovat Dezerty, dílo pro komorní orchestr a kazetu. Části pásky byly vytvořeny ve studiu Pierra Schaeffera a později byly revidovány na Kolumbijské univerzitě.

V roce 1950 Schaeffer uspořádal první veřejný (nevysílaný) koncert musique concrète na École Normale de Musique de Paris. „Schaeffer použil a PA systém, několik gramofonů a mixéry. Představení nešlo dobře, protože vytváření živých fotomontáží s gramofony ještě nikdy nebylo hotové. “^[34] Později téhož roku spolupracoval Pierre Henry se Schaefferem Symphonie pour un homme seul (1950) první hlavní dílo hudebního betonu. V Paříži v roce 1951, kdy se měl stát důležitým celosvětovým trendem, založila společnost RTF první studio pro produkci elektronické hudby. Také v roce 1951 uvedli Schaeffer a Henry operu, Orfeus, pro konkrétní zvuky a hlasy.

V roce 1951 dílo Schaeffera, skladatelebubeník Pierre Henry a zvukař Jacques Poullin obdrželi oficiální uznání a Groupe de Recherches de Musique Concrète, Club d 'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française byla založena na RTF v Paříži, předchůdci ORTF.^[35]

Elektronická hudba

Karlheinz Stockhausen ve studiu elektronické hudby WDR v Kolíně nad Rýnem v roce 1991

Karlheinz Stockhausen krátce pracoval ve Schaefferově ateliéru v roce 1952 a poté mnoho let v WDR Kolín nad Rýnem Studio pro elektronickou hudbu.

V roce 1954 došlo k příchodu toho, co by nyní bylo považováno za autentické elektrické plus akustické skladby - akustické vybavení rozšířené / doprovázené nahrávkami manipulovaného nebo elektronicky generovaného zvuku. V tomto roce měla premiéru tři hlavní díla: Varese Dezerty, pro zvuky komorních souborů a kazet a dvě díla od Otto Luening a Vladimir Ussachevsky: Rapsodické variace pro Louisville Symphony a Báseň v cyklech a zvonech, jak pro orchestr, tak pro kazetu. Protože pracoval ve Schaefferově studiu, obsahuje pásková část pro Varèseho dílo mnohem konkrétnější zvuky než elektronické. „Skupina složená z dechových nástrojů, perkusí a klavíru se střídá s mutovanými zvuky továrních zvuků a lodních sirén a motorů, které vycházejí ze dvou reproduktorů.“^[36]

Na německé premiéře Dezerty v Hamburg, který provedla Bruno Maderna, páskové ovladače ovládal Karlheinz Stockhausen.^[36] Nadpis Dezerty navrhl Varèse nejen „všechny fyzické pouště (z písku, moře, sněhu, vesmíru, prázdných ulic), ale také pouště v mysli člověka; nejen ty svléknuté aspekty přírody, které naznačují bledost, odlehlost, nadčasovost , ale také do vzdáleného vnitřního prostoru, kam žádný dalekohled nemůže dosáhnout, kde je člověk sám, svět tajemství a zásadní osamělosti. “^[37]

V Kolíně nad Rýnem, které se stalo nejslavnějším studiem elektronické hudby na světě, bylo oficiálně otevřeno v rozhlasových studiích NWDR v roce 1953, ačkoli to bylo ve fázích plánování již v roce 1950 a rané skladby byly vytvořeny a vysílány v roce 1951.^[38] Nápad z Werner Meyer-Eppler, Robert Beyer a Herbert Eimert (který se stal jejím prvním ředitelem), ke studiu se brzy přidal Karlheinz Stockhausen a Gottfried Michael Koenig. Ve své diplomové práci z roku 1949 Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache„Meyer-Eppler dostal nápad syntetizovat hudbu výhradně z elektronicky produkovaných signálů; Takto, elektronická hudba byl ostře odlišený od francouzštiny musique concrète, který používal zvuky zaznamenané z akustických zdrojů.^[39]

V roce 1954 Stockhausen složil jeho Elektronische Studie II — První elektronická skladba, která má být zveřejněna jako partitura. V roce 1955 se začaly objevovat experimentálnější a elektronická studia. Pozoruhodné bylo vytvoření Studio di fonologia musicale di Radio Milano, studio u NHK v Tokio založeno Toshiro Mayuzumi a studio Philips na adrese Eindhoven, Holandsko, který se přestěhoval do Univerzita v Utrechtu jako Sonologický ústav v roce 1960.

„S Stockhausenem a Mauricio Kagel v rezidenci se z něj stal celoroční úl charismatického avantgardismu [sic ]"^[40] při dvou příležitostech kombinujících elektronicky generované zvuky s relativně konvenčními orchestry -v Směs (1964) a Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967).^[41] Stockhausen uvedl, že jeho posluchači mu řekli, že jeho elektronická hudba jim poskytla zážitek z „vesmíru“, pocitů z létání nebo z pobytu ve „fantastickém světě snů“.^[42]V poslední době se Stockhausen obrátil na produkci elektronické hudby ve svém vlastním studiu v Kürten, jeho poslední práce v médiu Kosmické impulsy (2007).

Japonská elektronická hudba

Tato sekce možná matoucí nebo nejasné čtenářům. Prosím, pomoz nám vyjasnit část. Možná o tom bude diskuse diskusní stránka. (Březen 2012) (Zjistěte, jak a kdy odstranit tuto zprávu šablony)

Yamaha Magna Organ a určený tónový kabinet (1935)^[43]

Nejstarší skupina elektronických hudebních nástrojů v Japonsku, Yamaha Magna Organ byl postaven v roce 1935,^[43] po druhé světové válce japonský skladatelé jako Minao Shibata věděli o vývoji elektronických hudebních nástrojů. Na konci 40. let 20. století začali japonští skladatelé experimentovat s elektronickou hudbou a institucionální sponzorství jim umožnilo experimentovat s pokročilým vybavením. Jejich infuze Asijská hudba do vznikajícího žánru by nakonec podpořilo popularitu Japonska ve vývoji hudební technologie o několik desetiletí později.^[44]

Po založení společnosti s elektronikou Sony v roce 1946 skladatelé Toru Takemitsu a Minao Shibata nezávisle prozkoumal možné využití elektronické technologie k produkci hudby.^[45] Takemitsu měl podobné nápady musique concrète, o kterém nevěděl, zatímco Shibata předvídal vývoj syntezátory a předpovídal drastickou změnu v hudbě.^[46] Sony začala vyrábět populární magnetická páska rekordéry pro vládní a veřejné použití.^[44][47]

Avantgardní kolektiv Jikken Kōbō (Experimental Workshop), která byla založena v roce 1950, jí společnost Sony nabídla přístup k nově vznikající zvukové technologii. Společnost najala Toru Takemitsu, aby předvedl své magnetofony s kompozicemi a vystoupeními elektronické pásky.^[48] První kusy elektronické pásky od skupiny byly „Toraware no Onna“ („Uvězněná žena“) a „Piece B“, které v roce 1951 složil Kuniharu Akiyama.^[49] Mnoho z elektroakustické kusy pásky, které vyrobili, byly použity jako scénická hudba pro rádio, film, a divadlo. Konali také koncerty zaměstnávající a prezentace synchronizováno se zaznamenanou zvukovou stopou.^[50] Skladatelé mimo Jikken Kōbō, jako např Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga a Shiro Fukai, také experimentovali s radiofonický kazetová hudba mezi lety 1952 a 1953.^[47]

Musique concrète byl do Japonska představen Toshiro Mayuzumi, který byl ovlivněn koncertem Pierra Schaeffera. Od roku 1952 komponoval hudbu pro komediální film, rozhlasové vysílání a rozhlasové drama.^[49][51] Schaefferův koncept zvukový objekt nebyl vlivný mezi japonskými skladateli, kteří se hlavně zajímali o překonání omezení lidského výkonu.^[52] To vedlo k několika Japoncům elektroakustické hudebníky s využitím serialismus a dvanáctitónové tóny,^[52] evidentní v Yoshiro Irino rok 1951 dodekafonické kus "Concerto daCamera",^[51] v organizaci elektronických zvuků v Mayuzumiho „X, Y, Z pro Musique Concrète“ a později v Shibatově elektronické hudbě do roku 1956.^[53]

Modelování studia NWDR v Kolíně nad Rýnem, NHK založila v Tokiu v roce 1955 studio elektronické hudby, které se stalo jedním z předních světových zařízení elektronické hudby. NHK Studio bylo vybaveno technologiemi, jako jsou zařízení pro generování tónů a zpracování zvuku, záznamová a radiofonická zařízení, ondes Martenot, Monochord a Melochord, sinusoida oscilátory, magnetofony, kruhové modulátory, pásmové filtry a čtyřkanálový a osmikanálový míchačky. Mezi hudebníky spojené se studiem patřili Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagi a Toru Takemitsu. První elektronické skladby studia byly dokončeny v roce 1955, včetně pětiminutových skladeb Mayuzumi „Studie I: Music for Sine Wave by Proportion of Prime Number“, „Music for Modulated Wave by Proportion of Prime Number“ a „Invention for Square Wave and Sawtooth“. Wave "vyrobeno pomocí různých schopností studia generovat tóny a Shibatova 20 minut stereo dílo „Musique Concrète pro stereofonní vysílání“.^[54][55]

Americká elektronická hudba

Ve Spojených státech byla elektronická hudba vytvářena již v roce 1939, kdy publikoval John Cage Imaginární krajina, č. 1, používající dva gramofony s proměnnou rychlostí, frekvenční nahrávky, ztlumený klavír a činel, ale žádné elektronické výrobní prostředky. Cage složil mezi lety 1942 a 1952 dalších pět „Imaginárních krajin“ (jedno staženo), většinou pro soubor bicích nástrojů, i když číslo 4 je pro dvanáct rádií a číslo 5, napsané v roce 1952, používá 42 nahrávek a má být realizováno jako magnetické páska. Podle Otta Lueninga Cage také provedl a William [sic] Smíchejte v Donaueschingenu v roce 1954, pomocí osmi reproduktorů, tři roky po jeho údajné spolupráci.^{[je zapotřebí objasnění ]} Williams Mix byl úspěch na Donaueschingen Festival, kde to udělalo „silný dojem“.^[56]

Projekt Hudba pro magnetické pásky byl vytvořen členy Newyorská škola (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor, a Morton Feldman ),^[57] a trvala tři roky až do roku 1954. Cage o této spolupráci napsal: „V této sociální temnotě proto práce Earle Browna, Mortona Feldmana a Christiana Wolffa i nadále představují brilantní světlo, a to z toho důvodu, že v několika bodech notace , výkon a konkurz, akce je provokativní. “^[58]

Klec dokončena Williams Mix v roce 1953 při práci s projektem Hudba pro magnetické pásky.^[59] Skupina neměla trvalé zařízení a musela se spoléhat na vypůjčený čas v komerčních zvukových studiích, včetně studia Louis a Bebe Barron.

Columbia-Princeton Center

Ve stejném roce Columbia University koupil svůj první magnetofon - profesionála Ampex stroj - za účelem nahrávání koncertů. Vladimir Ussachevsky, který byl na hudební fakultě Kolumbijské univerzity, byl pověřen vedením zařízení a téměř okamžitě s ním začal experimentovat.

Herbert Russcol píše: „Brzy ho zaujaly nové zvučnosti, kterých by mohl dosáhnout nahráváním hudebních nástrojů a jejich následným překrýváním.“^[60] Ussachevsky později řekl: „Najednou jsem si uvědomil, že s magnetofonem lze zacházet jako s nástrojem zvukové transformace.“^[60] Ve čtvrtek 8. května 1952 představil Ussachevskij několik ukázek páskové hudby / efektů, které vytvořil na svém Skladatelském fóru v McMillinově divadle na Kolumbijské univerzitě. Mezi ně patří Transpozice, dozvuk, experiment, složení, a Podvodní Valse. V rozhovoru uvedl: „Uvedl jsem několik příkladů svého objevu na veřejném koncertě v New Yorku spolu s dalšími skladbami, které jsem napsal pro konvenční nástroje.“^[60]Otto Luening, který se tohoto koncertu zúčastnil, poznamenal: „Zařízení, které měl k dispozici, sestávalo z magnetofonu Ampex ... a jednoduchého zařízení ve tvaru krabice navrženého skvělým mladým inženýrem Peterem Mauzeym, aby vytvořil zpětnou vazbu, formu mechanické dozvuky. Ostatní vybavení bylo vypůjčeno nebo zakoupeno z osobních prostředků. “^[61]

Pouhé tři měsíce později, v srpnu 1952, Ussachevsky cestoval do Benningtonu ve Vermontu na Lueningovo pozvání, aby představil své experimenty. Tam dva spolupracovali na různých dílech. Luening událost popsal: „Vybaven sluchátky a flétnou jsem začal vyvíjet svoji první skladbu magnetofonu. Oba jsme byli plynulí improvizátoři a médium vypálilo naši představivost.“^[61]Několik raných skladeb hráli neformálně na večírku, kde „nám řada skladatelů téměř slavnostně poblahopřála slovy:„ To je ono “(„ to “znamená hudbu budoucnosti).“^[61]

Slovo se rychle dostalo do New Yorku. Oliver Daniel zatelefonoval a vyzval pár, aby „vytvořili skupinu krátkých skladeb pro říjnový koncert sponzorovaný American Composers Alliance a Broadcast Music, Inc., pod vedením Leopold Stokowski v Muzeu moderního umění v New Yorku. Po nějakém váhání jsme souhlasili. . . . Henry Cowell umístil svůj dům a studio ve Woodstocku v New Yorku k dispozici. S vypůjčeným vybavením v zadní části Ussachevského auta jsme opustili Bennington pro Woodstock a zůstali dva týdny. . . . Na konci září 1952 se cestovní laboratoř dostala do Ussachevského obývacího pokoje v New Yorku, kde jsme nakonec skladby dokončili. “^[61]

O dva měsíce později, 28. října, představili Vladimir Ussachevsky a Otto Luening první koncert Tape Music ve Spojených státech. Koncert zahrnoval Luening's Fantazie ve vesmíru (1952) - „impresionistický virtuos kus"^[61] pomocí manipulovaných nahrávek flétny - a Nízká rychlost (1952), „exotická skladba, která flétnu dostala hluboko pod její přirozený rozsah“.^[61] Oba kusy byly vytvořeny v domě Henryho Cowella ve Woodstocku v New Yorku. Poté, co několik koncertů vyvolalo senzaci v New Yorku, byli Ussachevskij a Luening pozváni na živé vysílání Today Show NBC, aby provedli demonstraci rozhovoru - první televizní elektroakustické představení. Luening popsal událost: „Improvizoval jsem některé [flétnové] sekvence pro magnetofon. Ussachevskij je tehdy a tam provedl elektronickými transformacemi.“^[62]

Skóre pro Zakázaná planeta tím, že Louis a Bebe Barron,^[63] byl zcela složen s použitím vlastních elektronických obvodů a magnetofonů v roce 1956 (ale žádné syntezátory v moderním slova smyslu).^{[je zapotřebí objasnění ]}

Austrálie

CSIRAC, první digitální počítač v Austrálii, zobrazený na Melbourne Museum

První počítač na světě, který přehrával hudbu, byl CSIRAC, který navrhl a postavil Trevor Pearcey a Maston Beard. Matematik Geoff Hill naprogramoval CSIRAC na přehrávání populárních hudebních melodií od počátku 50. let. V roce 1951 veřejně hrála Plukovník Bogey March, z nichž neexistují žádné známé nahrávky, pouze přesná rekonstrukce.^[64] Nicméně, CSIRAC hrál standardní repertoár a nebyl používán k rozšíření hudebního myšlení nebo skladatelské praxe. CSIRAC nebyl nikdy zaznamenán, ale přehrávaná hudba byla přesně rekonstruována. Nejstarší známé nahrávky počítačově generované hudby byly přehrávány Ferranti Mark 1 počítač, komerční verze Dítě Stroj z University of Manchester na podzim roku 1951.^[65] Hudební program napsal Christopher Strachey.

Střední až pozdní 1950

Dopad počítačů pokračoval i v roce 1956. Lejaren Hiller a Leonard Isaacson složen Illiac Suite pro smyčcový kvartet, první kompletní dílo kompozice podporované počítačem algoritmické složení. „... Hiller předpokládal, že počítač lze naučit pravidlům konkrétního stylu, a poté vyzval, aby podle toho skládal.“^[66] Pozdější vývoj zahrnoval práci Max Mathews na Bell Laboratories, který vyvinul vlivný HUDBA I Program v roce 1957, jeden z prvních počítačových programů pro přehrávání elektronické hudby. Vokodér technologie byla také významným vývojem v této rané éře. V roce 1956 Stockhausen složil Gesang der Jünglinge, první hlavní dílo Kolín nad Rýnem studio, na základě textu z Kniha Daniel. Důležitým technologickým vývojem toho roku byl vynález Clavivox syntetizér podle Raymond Scott s podsestavou od Robert Moog.

V roce 1957, Kid Baltan (Dick Raaymakers ) a Tom Dissevelt vydali své debutové album, Píseň druhého měsíce, nahráno ve studiu Philips v Nizozemsku.^[67] Veřejnost se i nadále zajímala o nové zvuky vytvářené po celém světě, což lze odvodit zahrnutím Varèse Poème électronique, který se hrál přes čtyři sta reproduktorů v pavilonu Philips z roku 1958 Světová výstava v Bruselu. Ten stejný rok, Mauricio Kagel, an argentinský skladatel, složený Transición II. Práce byla realizována ve studiu WDR v Kolíně nad Rýnem. Dva hudebníci hráli na klavír, jeden tradičním způsobem, druhý na strunách, rámu a pouzdře. Dva další umělci pomocí pásky spojili prezentaci živých zvuků s budoucností předem nahraných materiálů z pozdější doby a s minulostí nahrávek pořízených dříve v představení.

Zvukový syntezátor RCA Mark II

V roce 1958 vyvinula společnost Columbia-Princeton Zvukový syntezátor RCA Mark II, první programovatelný syntetizér.^[68] Přední skladatelé jako Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt, Charles Wuorinen, Halim El-Dabh, Bülent Arel a Mario Davidovský použil RCA Syntetizátor značně v různých složeních.^[69] Jedním z nejvlivnějších skladatelů spojených s počátky studia byl egyptský Halim El-Dabh SZO,^[70] poté, co vyvinuli nejdříve známou elektronickou páskovou hudbu v roce 1944,^[30] se stal slavnějším pro Leiyla a básník, série elektronických skladeb z roku 1959, která vynikla svým ponořením a bezproblémovostí fúze elektronických a lidová hudba, na rozdíl od matematičtějšího přístupu, který používá seriál skladatelé té doby, jako je Babbitt. El-Dabh Leiyla a básník, vydané jako součást alba Centrum elektronické hudby Columbia-Princeton v roce 1961, by byl citován jako silný vliv řady hudebníků, od Neil Rolnick, Charles Amirkhanian a Alice Shields na rockoví hudebníci Frank Zappa a Experimentální skupina West Coast Pop Art.^[71]

Po vzniku rozdílů v rámci GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète) rezignovali v dubnu 1958. Pierre Henry, Philippe Arthuys a několik jejich kolegů. Schaeffer vytvořil nový kolektiv, tzv. Groupe de Recherches Musicales (GRM) a pustil se do náboru nových členů včetně Luc Ferrari, Beatriz Ferreyra, François-Bernard Mâche, Iannis Xenakis, Bernard Parmegiani a Mireille Chamass-Kyrou. Pozdější příjezdy v ceně Ivo Malec, Philippe Carson, Romuald Vandelle, Edgardo Canton a François Bayle.^[72]

Expanze: 1960

Byla to plodná léta pro elektronickou hudbu - nejen pro akademickou obec, ale i pro nezávislé umělce syntetizér technologie se stala přístupnější. Do této doby vznikla silná komunita skladatelů a hudebníků, kteří pracují s novými zvuky a nástroji. 1960 byl svědkem složení Lueninga Chrliče pro housle a kazetu, stejně jako premiéru Stockhausenu Kontakte pro elektronické zvuky, klavír a perkuse. Tento kousek existoval ve dvou verzích - jedna pro 4kanálovou pásku a druhá pro pásku s lidskými umělci. "V KontakteStockhausen opustil tradiční hudební formu založenou na lineárním vývoji a dramatickém vyvrcholení. Tento nový přístup, který nazval „momentová forma“, se podobá technikám „filmového spojení“ ve filmu z počátku dvacátého století. “^[73]

The Theremin se používal od 20. let 20. století, ale díky svému použití ve sci-fi filmu dosáhl určitého stupně populárního uznání soundtrack hudba v 50. letech (např. Bernard Herrmann klasické skóre pro Den, kdy se zastavila Země ).^[74]

Ve Velké Británii v tomto období Radiofonický workshop BBC (založena v roce 1958) se dostala do popředí díky velké míře díky své práci na seriálu sci-fi BBC Doktor kdo. Jeden z nejvlivnějších britských elektronických umělců v tomto období^[75] byl zaměstnancem Workshopu Delia Derbyshire, která je nyní známá svou elektronickou realizací ikonického roku 1963 Doktor kdo téma, složeno Ron Grainer.

Izraelský skladatel Josef Tal ve studiu elektronické hudby v Jeruzalémě (asi 1965) s Hugh Le Caine Kreativní magnetofon (a zvukový syntezátor ) aka „Multi-track“

V roce 1961 Josef Tal založil Centrum pro elektronickou hudbu v Izraeli na Hebrejská univerzita, a v roce 1962 Hugh Le Caine přijel do Jeruzaléma nainstalovat své Kreativní magnetofon v centru.^[76] V 90. letech provedl Tal ve spolupráci s Dr. Shlomo Markelem Technion - Izraelský technologický institut a Volkswagen Stiftung výzkumný projekt (Talmark) zaměřený na vývoj nového systému notového zápisu pro elektronickou hudbu.^[77]

Milton Babbitt složil své první elektronické dílo pomocí syntetizátoru - svého Složení pro syntetizátor (1961) - který vytvořil pomocí RCA syntezátoru v Columbia-Princeton Electronic Music Center.

Pro Babbitt byl RCA syntezátor splněným snem ze tří důvodů. Za prvé, schopnost přesně určit a ovládat každý hudební prvek přesně. Zadruhé, čas potřebný k realizaci jeho komplikovaných sériových struktur byl dosažen v praktickém dosahu. Za třetí, otázka už nebyla „Jaké jsou limity lidského umělce?“ ale spíše „Jaké jsou limity lidského sluchu?“^[78]

Ke spolupráci došlo také napříč oceány a kontinenty. V roce 1961 Ussachevsky pozval Varèse do studia Columbia-Princeton Studio (CPEMC). Po příjezdu se Varese pustil do revize Dezerty. Pomohl mu Mario Davidovský a Bülent Arel.^[79]

Intenzivní aktivita probíhající na CPEMC a jinde inspirovala založení San Francisco Tape Music Center v roce 1963 Morton Subotnick, s dalšími členy Pauline Oliveros, Ramon Sender, Anthony Martin a Terry Riley.^[80]

Později se Centrum přestěhovalo do Mills College, režie Pauline Oliveros, kde je dnes známé jako Centrum současné hudby.^[81]

Současně v San Francisku představili skladatel Stan Shaff a návrhář vybavení Doug McEachern první koncert „Audium“ na San Francisco State College (1962), po kterém následovala práce na San Francisco Museum of Modern Art (1963), koncipovaný jako v čase, kontrolovaný pohyb zvuku v prostoru. Publikum obklopilo dvanáct reproduktorů, čtyři reproduktory byly namontovány na rotující, mobilní konstrukci výše.^[82] V představení SFMOMA následující rok (1964), San Francisco Chronicle hudební kritik Alfred Frankenstein poznamenal: „možnosti vesmírně-zvukového kontinua byly zřídka tak rozsáhle prozkoumány“.^[82] V roce 1967 první Hlediště se otevřelo „kontinuum zvukového prostoru“, které pořádalo týdenní představení až do roku 1970. V roce 1975 to umožnily počáteční peníze z Národní nadace pro umění, nové Audium otevřené, navržené od podlahy ke stropu pro prostorovou zvukovou kompozici a výkon.^[83] "Naproti tomu existují skladatelé, kteří manipulovali se zvukovým prostorem tak, že umístili více reproduktorů na různá místa ve výkonovém prostoru a poté přepínali nebo posouvali zvuk mezi zdroji." V tomto přístupu je složení prostorové manipulace závislé na umístění reproduktorů a obvykle využívá akustické vlastnosti krytu. Mezi příklady patří Varese's Poeme Electronique (kazetová hudba předváděná v pavilonu Philips na světové výstavě 1958 v Bruselu) a Stanley Schaff's [sic ] Hlediště instalace, aktuálně aktivní v San Francisku “.^[84] Prostřednictvím týdenních programů (více než 4 500 za 40 let) Shaff „vyřezává“ zvuk a provádí živě digitalizované prostorové práce prostřednictvím 176 reproduktorů.^[85]

Známý příklad použití Moogovy plné velikosti Modulární syntezátor Moog je Zapnutý Bach album od Wendy Carlos, který spustil šílenství pro hudbu syntetizátoru.

V roce 1969 David Tudor přinesl Modulární syntezátor Moog a páskové stroje Ampex do Národní institut designu v Ahmedabadu s podporou Sarabhai rodina, tvořící základ prvního indického studia elektronické hudby. Zde skupina skladatelů Jinraj Joshipura, Gita Sarabhai, SC Sharma, IS Mathur a Atul Desai vyvinula experimentální zvukové skladby v letech 1969 až 1973^[86]

Spolu s modulárním syntetizátorem Moog zahrnovaly další značky tohoto období ARP a Buchla.

Pietro Grossi byl italský průkopník počítačové kompozice a hudby na pásku, který poprvé experimentoval s elektronickými technikami na počátku šedesátých let. Grossi byl violoncellista a skladatel, narozen v Benátkách v roce 1917. V roce 1963 založil S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze), aby experimentoval s elektronickým zvukem a kompozicí.

Počítačová hudba

Hudební melodie byly nejprve generovány počítačem CSIRAC v Austrálii v roce 1950. Objevily se novinové zprávy z Ameriky a Anglie (časné i nedávné), že počítače mohly hrát hudbu dříve, ale důkladný výzkum tyto příběhy vyvrátil, protože neexistují důkazy, které by novinové zprávy podporovaly (některé byly zjevně spekulativní ). Výzkum ukázal, že lidé spekuloval o počítačích hrajících hudbu, možná proto, že počítače vydávají zvuky,^[87] ale neexistují žádné důkazy o tom, že to skutečně udělali.^[88][89]

První počítač na světě, který přehrával hudbu, byl CSIRAC, který navrhl a postavil Trevor Pearcey a Maston Beard v 50. letech. Matematik Geoff Hill naprogramoval CSIRAC na přehrávání populárních hudebních melodií od počátku 50. let. V roce 1951 hrálo veřejně „Plukovník Bogey March "^[90] z nichž neexistují žádné známé nahrávky. CSIRAC hrál standardní repertoár a nebyl používán k rozšíření hudebního myšlení nebo kompoziční praxe, což je současná počítačová hudební praxe.

První hudbou, která byla uvedena v Anglii, bylo představení Britská národní hymna to bylo naprogramováno uživatelem Christopher Strachey na Ferranti Mark I, koncem roku 1951. Později téhož roku tam byly krátkými výňatky ze tří kusů zaznamenány a BBC vnější vysílací jednotka: národní hymna, “Ba, Ba černá ovce ", a "V náladě „a toto je rozpoznáno jako nejstarší nahrávka počítače pro přehrávání hudby. Tuto nahrávku lze slyšet na tento web Manchester University. Vědci z University of Canterbury Christchurch odmítl a obnovil tento záznam v roce 2016 a výsledky budou k dispozici SoundCloud.^[91][92][65]

Koncem padesátých, šedesátých a sedmdesátých let došlo také k vývoji velké počítačové počítačové syntézy. Počínaje rokem 1957 vyvinul Max Mathews z Bell Labs programy MUSIC, které vyvrcholily MUSIC V, jazyk přímé digitální syntézy^[93]

Laurie Spiegel vyvinul algoritmická hudební skladba software "Hudební myš "(1986) pro Macintosh, Amiga, a Atari počítače.

Živá elektronika

V Evropě v roce 1964 složil Karlheinz Stockhausen Mikrophonie I. pro tam-tam, ruční mikrofony, filtry a potenciometry a Směs pro orchestr, čtyři sinusoida generátory a čtyři kruhové modulátory. V roce 1965 složil Mikrophonie II pro sbor, Hammondovy varhany a kruhové modulátory.^[94]

V letech 1966–67 Reed Ghazala objevil a začal učit "ohýbání obvodu „—Použití kreativního zkratu, proces náhodného zkratu, tvorba experimentálních elektronických nástrojů, zkoumání zvukových prvků hlavně zabarvení as menším ohledem na výšku tónu nebo rytmus, a ovlivněno John Cage je aleatorická hudba [sic ] koncept.^[95]

Japonské nástroje

Tato sekce obsahuje obsah, který je napsán jako reklama. Prosím pomozte vylepši to odstraněním propagační obsah a nevhodné externí odkazy, a přidáním encyklopedického obsahu napsaného z a neutrální hledisko. (Červen 2018) (Zjistěte, jak a kdy odstranit tuto zprávu šablony)

Brzy elektronické varhany: Yamaha Electone D-1 (1959)

V padesátých letech^[96][97] japonský elektronické hudební nástroje začal ovlivňovat mezinárodní hudební průmysl.^[98][99] Ikutaro Kakehashi, který založil Eso tón v roce 1960 vyvinul vlastní verzi elektronických perkusí, která již byla populární u zámořských elektronických varhan.^[100] Na NAMM V roce 1964 to odhalil jako R-1 Rhythm Ace, ručně ovládané perkusní zařízení, které přehrávalo zvuky elektronického bicí ručně, když uživatel stiskl tlačítka, podobně jako moderní elektronické bicí pads.^{[100][101][102]}

Brzybicí automat: Korg Donca Matic DA-20 (1963)

V roce 1963 Korg uvolnil Donca-Matic DA-20, elektromechanický bicí automat.^[103] V roce 1965 Nippon Columbia patentovaný plně elektronický bicí automat.^[104] Korg vydal elektronický bicí automat Donca-Matic DC-11 v roce 1966, který následovali s Korg Mini Pops, který byl vyvinut jako volba pro Yamaha Electone elektrický orgán.^[103] Série Korg's Stageman a Mini Pops byly pozoruhodné zvuky „přírodních kovových perkusí“ a zabudováním ovládacích prvků pro bicí.přestávky a výplně."^[99]

V roce 1967 zakladatel Ace Tone Ikutaro Kakehashi patentoval přednastavený generátor rytmických vzorů pomocí diodová matice obvod^[105] podobně jako Seeburg je před US patent 3 358 068 podána v roce 1964 (viz Historie bubnového stroje ), který vydal ve stejném roce jako bicí automat FR-1 Rhythm Ace.^[100] It offered 16 preset patterns, and four buttons to manually play each instrument sound (činel, claves, kravský zvon a basový buben ). The rhythm patterns could also be cascaded together by pushing multiple rhythm buttons simultaneously, and the possible combination of rhythm patterns were more than a hundred.^[100] Ace Tone's Rhythm Ace drum machines found their way into populární muzika from the late 1960s, followed by Korg drum machines in the 1970s.^[99] Kakehashi later left Ace Tone and founded Roland Corporation v roce 1972, s Roland synthesizers a bicí automaty becoming highly influential for the next several decades.^[100] The company would go on to have a big impact on populární muzika, and do more to shape popular electronic music than any other company.^[102]

Gramofon s přímým pohonem: Technika SL-1200 (introduced in 1972)

Turntablism has origins in the invention of gramofony s přímým pohonem. Brzy belt-drive turntables were unsuitable for turntablism, since they had a slow start-up time, and they were prone to wear-and-tear and breakage, as the belt would break from backspin or scratching.^[106] The first direct-drive turntable was invented by Shuichi Obata, an engineer at Matsushita (Nyní Panasonic ),^[107] sídlící v Osaka, Japonsko. It eliminated belts, and instead employed a motor to directly drive a platter on which a vinyl record rests.^[108] In 1969, Matsushita released it as the SP-10,^[108] the first direct-drive turntable on the market,^[109] and the first in their influential Technika series of turntables.^[108] It was succeeded by the Technics SL-1100 and SL-1200 in the early 1970s, and they were widely adopted by hip hopoví hudebníci,^[108] with the SL-1200 remaining the most widely used turntable in DJ culture for several decades.^[110]

Jamaican dub music

Na Jamajce, a form of popular electronic music emerged in the 1960s, dabovat hudbu zakořeněné v ozvučení kultura. Dub music was pioneered by studio engineers, such as Sylvan Morris, King Tubby, Errol Thompson, Lee "Scratch" Perry, a Vědec, produkující reggae - ovlivněno experimentální hudba with electronic sound technology, in recording studios and at sound system parties.^[111] Their experiments included forms of tape-based composition comparable to aspects of musique concrète, an emphasis on repetitive rhythmic structures (often stripped of their harmonic elements) comparable to minimalismus, the electronic manipulation of spatiality, the sonic electronic manipulation of pre-recorded musical materials from mass media, deejays toasting over pre-recorded music comparable to live electronic music,^[111] remixování hudba,^[112] turntablism,^[113] and the mixing and scratching of vinyl.^[114]

Despite the limited electronic equipment available to dub pioneers such as King Tubby and Lee "Scratch" Perry, their experiments in remix culture were musically cutting-edge.^[112] King Tubby, for example, was a sound system proprietor and electronics technician, whose small front-room studio in the Waterhouse ghetto of western Kingston was a key site of dub music creation.^[115]

Late 1960s to early 1980s

Rise of popular electronic music

Na konci 60. let pop a rockoví hudebníci, počítaje v to Beach Boys a brouci, began to use electronic instruments, like the Theremin a Mellotron, to supplement and define their sound. Ve své knize Elektronická a experimentální hudba, Thom Holmes recognises the Beatles' 1966 recording "Zítřek nikdy neví " as the song that "ushered in a new era in the use of electronic music in rock and pop music" due to the band's incorporation of tape loops and reversed and speed-manipulated tape sounds.^[116] Also in the late 1960s, the music duo Stříbrná jablka and experimental rock bands like Bílý šum a Spojené státy americké, are regarded as pioneers to the electronic rock and electronica genres for their work in melding psychedelic rock with oscillators and synthesizers.^{[117][118][119]}

Gershon Kingsley „“Popcorn " composed in 1969 was the first international electronic dance hit popularised by Horké máslo in 1972 (which leads to a wave of žvýkačka pop the following years).

Keith Emerson performing in St. Petersburg in 2008

By the end of the 1960 decade, the Moog syntezátor took a leading place in the sound of emerging progresivní rock s kapelami včetně Pink Floyd, Ano, Emerson, Lake & Palmer, a Genesis making them part of their sound. Instrumental prog rock was particularly significant in continental Europe, allowing bands like Kraftwerk, Mandarinkový sen, Umět, Neu!, a Faust to circumvent the language barrier.^[120] Their synthesiser-heavy "Krautrock ", along with the work of Brian Eno (for a time the keyboard player with Hudba Roxy ), would be a major influence on subsequent elektronický rock.^[121]

Ambient dub was pioneered by King Tubby and other Jamaican sound artists, using DJ-inspired okolní electronics, complete with drop-outs, echo, equalization and psychedelické electronic effects. It featured layering techniques and incorporated elements of světová hudba, hluboko basové linky and harmonic sounds.^[122] Techniques such as a long echo delay were also used.^[123] Other notable artists within the genre include Dreadzone, Vyšší zpravodajská agentura, The Orb, Ott, Loop Guru, Woob a Transglobální podzemí.^[124]

Dub music influenced electronic musical techniques later adopted by hip hopová hudba, when Jamaican immigrant DJ Kool Herc in the early 1970s introduced Jamaica's sound system culture and dub music techniques to America. One such technique that became popular in hip hop culture was playing two copies of the same record on two turntables in alternation, extending the b-tanečníci ' favorite section.^[125] The turntable eventually went on to become the most visible electronic musical instrument, and occasionally the most virtuózní, v 80. a 90. letech.^[113]

Electronic rock was also produced by several Japanese musicians, including Isao Tomita je Electric Samurai: Switched on Rock (1972), which featured Moog synthesizer renditions of contemporary pop and rock songs,^[126] a Osamu Kitajima 's progressive rock album Benzaiten (1974).^[127] The mid-1970s saw the rise of electronic art music musicians such as Jean Michel Jarre, Vangelis, Tomito a Klaus Schulze were a significant influence on the development of hudba nového věku.^[122] The hi-tech appeal of these works created for some years the trend of listing the electronic musical equipment employed in the album sleeves, as a disctintive feature. Electronic music began to enter regularly in radio programming and top-sellers charts, as the French band Prostor with their 1977 single Magic Fly.^[128]

In this era, the sound of rock musicians like Mike Oldfield a Projekt Alan Parsons (who is credited the first rock song to feature a digital vokodér v roce 1975, Havran ) used to be arranged and blended with electronic effects and/or music as well, which became much more prominent in the mid-1980s. Jeff Wayne achieved a long lasting success^[129] with his 1978 electronic rock musical version of Válka světů.

Film zvukové stopy also benefit of the electronic sound. V roce 1977 Genová stránka recorded a disco version of the hit theme by John Williams z Steven Spielberg film Blízká setkání třetího druhu. Page's version peaked on the R & B. chart at #30 in 1978. The score of 1978 film Půlnoční expres composed by Italian syntezátor -průkopník Giorgio Moroder vyhrál Cena Akademie za nejlepší originální skóre v 1979, as did it again in 1981 the score by Vangelis pro Ohnivé vozy.

Po příjezdu punk rock, a form of basic electronic rock emerged, increasingly using new digital technology to replace other instruments. The American duo Sebevražda, who arose from the punk scene in New York, utilized drum machines and synthesizers in a hybrid between electronics and punk on their stejnojmenné album z roku 1977.^[130]

Synth-pop pioneering bands which enjoyed success for years included Ultravox with their 1977 track "Hiroshima Mon Amour" on Ha ha ha!,^[131] Orchestr žluté magie s jejich eponymní album (1978), The Buggles with their prominent 1979 debut single Video zabilo hvězdu rádia,^[132] Gary Numan with his solo debut album Princip potěšení a svobodný Auta v roce 1979,^[133] Orchestrální manévry ve tmě with their 1979 single Elektřina featured on their eponymní debutové album,^[134] Depeche Mode with their first single Snění o mně recorded in 1980 and released in 1981 album Mluv a kouzlo,^[135] Hejno racků with their 1981 single Mluvící,^[136] Nová objednávka s Obřad^[137] v roce 1981 a Lidská liga with their 1981 hit Don't You Want Me from debut album Odvážit se.^[138]

New Order performing in Chile in 2019

Definice MIDI a rozvoj digitální zvuk made the development of purely electronic sounds much easier,^[139] s zvukoví inženýři, výrobci and composers exploring frequently the possibilities of virtually every new model of electronic sound equipment launched by manufacturers. Synth-pop sometimes used synthesizers to replace all other instruments, but was more common that bands had one of more keyboardists in their line-ups along with guitarists, bassists, and/or drummers. These developments led to the growth of synth-pop, which after it was adopted by the Nový romantický movement, allowed synthesizers to dominate the pop and rock music of the early 1980s, until the style began to fall from popularity in the mid-to-end of the decade.^[138] Along with aforementioned successful pioneers, key acts included Yazoo, Duran Duran, Balet Spandau, Kulturní klub, Mluv mluv, Japonsko, a Eurythmics.

Synth-pop was taken up across the world, with international hits for acts including Muži bez klobouků, Trans-X a Limetka z Kanady, Telex from Belgium, Peter Schilling, Sandra, Modern Talking, Propaganda a Alphaville z Německa, Yello ze Švýcarska a Azul y Negro ze Španělska. Also, the synth sound is a key feature of Italo-disco.

Some synth-pop bands created futuristic visual styles of themselves to reinforce the idea of electronic sounds were linked primarily with technology, as Americans Devo a Španělé Aviador Dro.

Keyboard synthesizers became so common that even těžký kov rock bands, a genre often regarded as the naproti in aesthetics, sound and lifestyle from that of electronic pop artists by fans of both sides, achieved worldwide success with themes as 1983 Skok^[140] podle Van Halen a 1986 Poslední odpočet^[141] podle Evropa, which feature synths prominently.

Proliferation of electronic music research institutions

Elektronmusikstudion ^{[sv ]} (EMS), formerly known as Electroacoustic Music in Sweden, is the Swedish national centre for electronic music and zvukové umění. The research organisation started in 1964 and is based in Stockholm.

IRCAM at the Place Igor Stravinsky, Paris

STEIM je centrem pro výzkum a vývoj nových hudebních nástrojů in the electronic performing arts, located in Amsterdam, Netherlands. STEIM existuje od roku 1969. Založil jej Misha Mengelberg, Louis Andriessen, Peter Schat, Dick Raaymakers, Jan van Vlijmen ^{[nl ]}, Reinbert de Leeuw, a Konrad Boehmer. Tato skupina nizozemských skladatelů bojovala za reformu amsterdamských feudálních hudebních struktur; they insisted on Bruno Maderna's appointment as musical director of the Concertgebouw Orchestra and enforced the first public fundings for experimental and improvised electronic music in The Netherlands.

IRCAM in Paris became a major center for computer music research and realization and development of the Sogitec 4X computer system,^[142] featuring then revolutionary real-time digital signal processing. Pierre Boulez je Répons (1981) for 24 musicians and 6 soloists used the 4X to transform and route soloists to a loudspeaker system.

Barry Vercoe describes one of his experiences with early computer sounds:

Sogitec 4X (c. 1983)^[143]
at IRCAM machine room in 1989

At IRCAM in Paris in 1982, flutist Larry Beauregard had connected his flute to DiGiugno's 4X audio processor, enabling real-time pitch-following. Na Guggenheim at the time, I extended this concept to real-time score-following with automatic synchronized accompaniment, and over the next two years Larry and I gave numerous demonstrations of the computer as a chamber musician, playing Handel flute sonatas, Boulez je Sonatin for flute and piano and by 1984 my own Synapse II for flute and computer—the first piece ever composed expressly for such a setup. A major challenge was finding the right software constructs to support highly sensitive and responsive accompaniment. All of this was pre-MIDI, but the results were impressive even though heavy doses of tempo rubato would continually surprise my Synthetic Performer. In 1985 we solved the tempo rubato problem by incorporating learning from rehearsals (each time you played this way the machine would get better). We were also now tracking violin, since our brilliant, young flautist had contracted a fatal cancer. Moreover, this version used a new standard called MIDI, and here I was ably assisted by former student Miller Puckette, whose initial concepts for this task he later expanded into a program called MAX.^[144]

Keyboard synthesizers

Mini-Moog synthesizer

Released in 1970 by Hudba Moog, Mini-Moog was among the first widely available, portable and relatively affordable synthesizers. It became once the most widely used synthesizer at that time in both popular and electronic art music.^[145]Patrick Gleeson, playing live with Herbie Hancock in the beginning of the 1970s, pioneered the use of synthesizers in a touring context, where they were subject to stresses the early machines were not designed for.^[146][147]

V roce 1974 WDR studio in Cologne acquired an EMS Synthi 100 synthesizer, which a number of composers used to produce notable electronic works—including Rolf Gehlhaar je Fünf deutsche Tänze (1975), Karlheinz Stockhausen's Sírius (1975–1976) a John McGuire je Pulse Music III (1978).^[148]

Díky miniaturization of electronics in the 1970s, by the start of the 1980s keyboard synthesizers became lighter and affordable, integrating in a single slim unit all the necessary audio synthesys electronics and the piano-style keyboard itself, in sharp contrast with the bulky machinery and "cable spaguetty " employed along the 1960s and 1970s. First with analog synthesizers, the trend followed with digital synthesizers and samplers as well (see below).

Digitální syntéza

In 1975, the Japanese company Yamaha licencoval algoritmy pro syntéza frekvenční modulace (FM syntéza) z John Chowning, který s tím experimentoval v Stanfordská Univerzita od roku 1971.^[149][150] Yamaha's engineers began adapting Chowning's algorithm for use in a digital synthesizer, adding improvements such as the "key scaling" method to avoid the introduction of distortion that normally occurred in analog systems during frekvenční modulace.^[151]

In 1980, Yamaha eventually released the first FM digital synthesizer, the Yamaha GS-1, but at an expensive price.^[152] In 1983, Yamaha introduced the first stand-alone digital synthesizer, the DX7, which also used FM synthesis and would become one of the best-selling synthesizers of all time.^[149] The DX7 was known for its recognizable bright tonalities that was partly due to an překonání vzorkovací frekvence 57 kHz.^[153]

Yamaha DX7, a model for many digital synthesizers of the 1980s.

The Korg Poly-800 is a synthesizer released by Korg in 1983. Its initial list price of $795 made it the first fully programmable synthesizer that sold for less than $1000. It had 8-voice polyfonie s jedním Digitálně řízený oscilátor (DCO) per voice.

The Casio CZ-101 was the first and best-selling fázové zkreslení synthesizer in the Casio CZ čára. Released in November 1984, it was one of the first (if not the first) fully programmable polyphonic synthesizers that was available for under $500.

The Roland D-50 is a digital synthesizer produced by Roland and released in April 1987. Its features include subtraktivní syntéza, on-board effects, a joystick for data manipulation, and an analogue synthesis-styled layout design. The external Roland PG-1000 (1987-1990) programmer could also be attached to the D-50 for more complex manipulation of its sounds.

Vzorníky

A vzorkovač je elektronická nebo digitální hudební nástroj který používá zvukové nahrávky (nebo „Vzorky „) skutečných zvuků nástrojů (např. klavír, housle nebo trubka), ukázky z nahraných skladeb (např. pětisekundová basová kytara riff od a funk píseň) nebo nalezené zvuky (např. sirény a vlny oceánu). Vzorky jsou načítány nebo zaznamenávány uživatelem nebo výrobcem. Tyto zvuky jsou poté přehrávány pomocí samplerového programu, a MIDI klávesnice, řadič nebo jiné spouštěcí zařízení (např. elektronické bicí ) k provádění nebo skládání hudby. Protože tyto vzorky jsou obvykle uloženy v digitální paměti, lze k informacím rychle přistupovat. Jeden vzorek může být často pitch-shifted na různá hřiště a produkovat muzikál váhy a akordy.

Fairlight CMI (1979–)

Před samplery založenými na počítačové paměti hudebníci používali páskové přehrávací klávesnice, které ukládaly nahrávky na analogovou pásku. Po stisknutí klávesy se hlava pásky dotkne pohybující se pásky a přehraje zvuk. The Mellotron byl nejpozoruhodnějším modelem, který používala řada skupin na konci 60. a 70. let, ale tyto systémy byly drahé a těžké kvůli více zapojeným páskovým mechanismům a rozsah nástroje byl omezen na maximálně tři oktávy. Pro změnu zvuků musela být do nástroje nainstalována nová sada pásek. Vznik digitální sampler učinil vzorkování mnohem praktičtějším.

Nejstarší digitální vzorkování bylo provedeno na internetu EMS Musys system, vyvinutý Peterem Grogonem (software), Davidem Cockerellem (hardware a rozhraní) a Peter Zinovieff (návrh a provoz systému) v jejich londýnském (Putney) Studio c. 1969.

The first commercially available sampling synthesizer was the Melodian počítačové hudby podle Harry Mendell (1976).

First released in 1977–78,^[154] the Synclavier I použitím FM syntéza, re-licensed from Yamaha,^[155] and sold mostly to universities, proved to be highly influential among both electronic music composers and music producers, including Mike Thorne, an early adopter from the commercial world, due to its versatility, its cutting-edge technology, and distinctive sounds.

The first polyphonic digital sampling synthesizer was the Australian-produced Fairlight CMI, poprvé k dispozici v roce 1979. Tyto časné samplovací syntezátory používaly wavetable syntéza založená na vzorcích.^[156]

Birth of MIDI

In 1980, a group of musicians and music merchants met to standardize an interface that new instruments could use to communicate control instructions with other instruments and computers. This standard was dubbed Musical Instrument Digital Interface (MIDI ) and resulted from a collaboration between leading manufacturers, initially Sekvenční obvody, Oberheim, Roland —and later, other participants that included Yamaha, Korg, a Kawai.^[157] A paper was authored by Dave Smith of Sequential Circuits and proposed to the Audio Engineering Society in 1981. Then, in August 1983, the MIDI Specification 1.0 was finalized.

MIDI technology allows a single keystroke, control wheel motion, pedal movement, or command from a microcomputer to activate every device in the studio remotely and in synchrony, with each device responding according to conditions predetermined by the composer.

MIDI instruments and software made powerful control of sophisticated instruments easily affordable by many studios and individuals. Acoustic sounds became reintegrated into studios via vzorkování and sampled-ROM-based instruments.

Miller Puckette developed graphic signal-processing software for 4X volala Max (po Max Mathews ) and later ported it to Macintosh (with Dave Zicarelli extending it for Operační kód )^[158] for real-time MIDI control, bringing algorithmic composition availability to most composers with modest computer programming background.

Sequencers and drum machines

Tento článek je věcná přesnost je sporný. Relevantní diskuse je k dispozici na internetu diskusní stránka. Pomozte prosím zajistit, aby sporná prohlášení byla spolehlivě získáván. (Prosinec 2011) (Zjistěte, jak a kdy odstranit tuto zprávu šablony)

The early 1980s saw the rise of basové syntezátory, the most influential being the Roland TB-303, a bass synthesizer and řadič released in late 1981 that later became a fixture in elektronická taneční hudba,^[159] zejména kyselý dům.^[160] One of the first to use it was Charanjit Singh in 1982, though it wouldn't be popularized until Phuture „“Kyselé stopy „v roce 1987.^[160] Hudební řadiče began being used around the mid 20th century, and Tomita's albums in mid-1970s being later examples.^[126] In 1978, Yellow Magic Orchestra were using počítač -based technology in conjunction with a synthesiser to produce popular music,^[161] making their early use of the mikroprocesor -na základě Mikroprocesor Roland MC-8 řadič.^{[162][163][ověření se nezdařilo ]}

Bubnové stroje, also known as rhythm machines, also began being used around the late-1950s, with a later example being Osamu Kitajima 's progressive rock album Benzaiten (1974), which used a rhythm machine along with elektronické bicí and a synthesizer.^[127] V roce 1977 Ultravox „“Hirošima Mon Amour " was one of the first singles to use the metronom -jako poklep a Roland TR-77 bicí automat.^[131] V roce 1980 Roland Corporation uvolnil TR-808, one of the first and most popular programmable bicí automaty. The first band to use it was Yellow Magic Orchestra in 1980, and it would later gain widespread popularity with the release of Marvin Gaye „“Sexuální uzdravení " a Afrika Bambaataa „“Planet Rock " in 1982.^[164] The TR-808 was a fundamental tool in the later Detroit techno scene of the late 1980s, and was the drum machine of choice for Derrick May a Juan Atkins.^[165]

Chiptunes

The characteristic lo-fi sound of chip music was initially the result of early computer's zvukové čipy a zvukové karty ' technical limitations; however, the sound has since become sought after in its own right.

Common cheap popular sound chips of the firsts domácí počítače of the 1980s include the SID z Commodore 64 a General Instrument AY series and clones (as the Yamaha YM2149) used in ZX Spectrum, Amstrad CPC, MSX compatibles and Atari ST modely, mimo jiné.

Late 1980s to 1990s

Rise of dance music

Synth-pop continued into the late 1980s, with a format that moved closer to dance music, including the work of acts such as British duos Zverimex, Vymazání a Komunardové, achieving success along much of the 1990s.

The trend has continued to the present day with modern nightclubs worldwide regularly playing electronic dance music (EDM). Today, electronic dance music has radio stations,^[166] webové stránky,^[167] and publications like Mixmag dedicated solely to the genre. Moreover, the genre has found commercial and cultural significance in the United States and North America, thanks to the wildly popular velký pokojový dům /EDM sound that has been incorporated into U.S. pop music^[168] and the rise of large-scale commercial rave jako Electric Daisy Carnival, Země zítřka a Ultra hudební festival.

Pokroky

Other recent developments included the Tod Machover (MIT and IRCAM) composition Begin Again Again pro "hypercello ", an interactive system of sensors measuring physical movements of the cellist. Max Mathews developed the "Conductor" program for real-time tempo, dynamic and timbre control of a pre-input electronic score. Morton Subotnick released a multimedia CD-ROM All My Hummingbirds Have Alibis.

2000 a 2010

Weekend Festival, an electronic music event in Pärnu, Estonsko v roce 2016

As computer technology has become more accessible and hudební software has advanced, interacting with music production technology is now possible using means that bear no relationship to traditional hudební vystoupení postupy:^[169] například, notebook představení (laptronica ),^[170] živé kódování^[171] a Algorave. In general, the term Živé PA refers to any live performance of electronic music, whether with laptops, synthesizers, or other devices.

Beginning around the year 2000, a number of software-based virtual studio environments emerged, with products such as Propellerhead's Důvod a Ableton živě finding popular appeal.^[172] Such tools provide viable and cost-effective alternatives to typical hardware-based production studios, and thanks to advances in mikroprocesor technology, it is now possible to create high quality music using little more than a single laptop computer. Such advances have democratized music creation,^[173] leading to a massive increase in the amount of home-produced electronic music available to the general public via the internet. Software based instruments and effect units (so called "plugins") can be incorporated in a computer-based studio using the VST platform. Some of these instruments are more or less exact replicas of existing hardware (such as the Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 or Korg M1). In many cases, these software-based instruments are sonically indistinguishable from their physical counterpart.^{[je zapotřebí objasnění ][Citace je zapotřebí ]}

Ohýbání obvodu

Ohýbání obvodu is the modification of battery powered toys and synthesizers to create new unintended sound effects. It was pioneered by Reed Ghazala in the 1960s and Reed coined the name "circuit bending" in 1992.^[174]

Modular synth revival

Following the circuit bending culture, musicians also began to build their own modular synthesizers, causing a renewed interest for the early 1960s designs. Eurorack became a popular system.

Viz také

• Klaviolin
• Elektronický pytel
• Seznam žánrů elektronické hudby
• Nová rozhraní pro hudební vyjádření
• Ondiolin
• Zvuková socha
• Spektrální hudba
• Sledovací hudba
• Časová osa žánrů elektronické hudby

Živá elektronická hudba

• Seznam festivalů elektronické hudby
• Živá elektronická hudba
• Zvuková instalace
• Audium (divadlo)

Poznámky pod čarou

Reference

Další čtení

externí odkazy

• Média související s Elektronická hudba na Wikimedia Commons
• Historie elektroakustické hudby - časová osa
• Nadace elektronické hudby
• Historie a vývoj elektronické hudby