Abstraktní umění - Abstract art

Abstraktní umění používá vizuální jazyk tvaru, tvaru, barvy a linie k vytvoření kompozice, která může existovat se stupněm nezávislosti na vizuálních referencích ve světě.[1] Západní umění byl z renesance až do poloviny 19. století, podloženo logikou perspektivní a pokus reprodukovat iluzi viditelné reality. Na konci 19. století mnoho umělců pociťovalo potřebu vytvořit nový druh umění, který by zahrnoval základní změny probíhající v technologie, Věda a filozofie. Zdroje, z nichž jednotliví umělci čerpali teoretické argumenty, byly různorodé a odrážely sociální a intelektuální zaujetí ve všech oblastech západní kultury v té době.[2]
Abstraktní umění, nefigurativní umění, neobjektivní umění a nereprezentativní umění, jsou úzce související pojmy. Jsou podobné, ale možná nemají stejný význam.
Abstrakce označuje odklon od reality v zobrazení snímky v umění Tento odklon od přesného znázornění může být mírný, částečný nebo úplný. Abstrakce existuje podél kontinua. I umění, které usiluje o věrohodnost nejvyššího stupně, lze považovat za alespoň teoreticky abstraktní, protože dokonalá reprezentace bude pravděpodobně nesmírně nepolapitelná. Umělecká díla, která berou svobody, mění například barvu a formu způsobem, který je nápadný, lze považovat za částečně abstraktní. Totální abstrakce nenese žádnou stopu po jakémkoli odkazu na něco rozpoznatelného. v geometrická abstrakce například je nepravděpodobné, že bychom našli odkazy na naturalistické entity. Figurativní umění a celková abstrakce je téměř vzájemně se vylučující. Ale obrazné a reprezentativní (nebo realistický ) umění často obsahuje částečnou abstrakci.
Geometrická abstrakce i lyrická abstrakce jsou často zcela abstraktní. Mezi velmi početné umělecká hnutí to ztělesňuje částečnou abstrakci by bylo například fauvismus ve kterém je barva viditelně a záměrně měněna ve srovnání s realitou, a kubismus, který mění podoby zobrazených entit skutečného života.[3][4]
Abstrakce v raném umění a mnoha kulturách
Hodně z umění dřívějších kultur - znaky a značky na keramice, textilu a nápisy a malby na skále - používaly jednoduché, geometrické a lineární formy, které mohly mít symbolický nebo dekorativní účel.[5] Právě na této úrovni vizuálního významu komunikuje abstraktní umění.[6] Jeden může užít si krásy Čínská kaligrafie nebo Islámská kaligrafie aniž by to bylo možné číst.[7]

V čínské malbě lze abstrakci vysledovat až k Dynastie Tchang malíř Wang Mo (王 墨), který se zaslouží o to, že vynalezl styl malby postříkaným inkoustem.[8] I když žádný z jeho obrazů nezůstal, tento styl je v některých zřetelně vidět Dynastie písní Obrazy. The Chan buddhista malíř Liang Kai (梁楷, c. 1140–1210) použil styl na figurální malbu ve svém „Nesmrtelném ve stříkajícím inkoustu“, ve kterém je obětována přesná reprezentace, aby se zvýšila spontánnost spojená s neracionální myslí osvíceného. Pozdní malíř písní jménem Yu Jian, adept na Tiantai buddhismus, vytvořil sérii postříkaných inkoustových krajin, které nakonec inspirovaly mnoho japonských malířů zenu. Jeho obrazy ukazují silně zamlžené hory, ve kterých jsou tvary objektů sotva viditelné a extrémně zjednodušené. Tento typ malby pokračoval Sesshu Toyo v pozdějších letech.

Další příklad abstrakce v čínské malbě je vidět v Zhu Derun Kosmický kruh. Na levé straně tohoto obrazu je borovice ve skalnaté půdě, jeho větve jsou lemovány vinnou révou, která se rozprostírá neuspořádaně k pravé straně obrazu, ve které je dokonalý kruh (pravděpodobně vytvořený pomocí kompasu)[9]) plave v prázdnotě. Obraz je odrazem Taoista metafyzika, ve které jsou chaos a realita doplňkovými fázemi běžného běhu přírody.
V Japonsku Tokugawa vytvořili malíři zenových mnichů Enso, kruh, který představuje absolutní osvícení. Obvykle se vyrábělo jedním spontánním tahem štětce a stalo se paradigmatem minimalistické estetiky, která vedla část zenové malby.
19. století
Záštita nad kostelem se zmenšila a soukromá záštita před veřejností se stala schopnější zajistit živobytí umělcům.[10][11] Tři umělecká hnutí které přispěly k rozvoji abstraktního umění Romantismus, Impresionismus a Expresionismus. Umělecká nezávislost umělců byla pokročilá v průběhu 19. století. An objektivní zájem o viděné, lze rozeznat od obrazů John Constable, J M W Turner, Camille Corot a od nich k impresionistům, kteří pokračovali v plenér malování Barbizonská škola.

První náznaky nového umění vytvořil James McNeill Whistler který ve své malbě Nocturne v černé a zlaté barvě: Padající raketa, (1872), klade větší důraz na vizuální vjem než na vyobrazení objektů. Ještě dříve, s jejími „duchovními“ kresbami, Georgiana Houghton Volba práce s abstraktními tvary koreluje s nepřirozenou povahou jejího předmětu, v době, kdy abstrakce ještě není konceptem (výstavu uspořádala v roce 1871).
Expresionistický malíři zkoumali odvážné použití povrchu barvy, kreslení zkreslení a přehánění a intenzivní barvy. Expresionisté vytvořili emocionálně nabité obrazy, které byly reakcemi na současné vnímání a vnímáním; a reakce na Impresionismus a další konzervativnější směry malby z konce 19. století. Expresionisté drasticky změnili důraz na předmět ve prospěch zobrazení psychologických stavů bytí. Ačkoli umělci rádi Edvard Munch a James Ensor čerpal vlivy hlavně z práce Postimpresionisté napomohly příchodu abstrakce ve 20. století.Paul Cézanne začal jako impresionista, ale jeho cílem - vytvořit logickou konstrukci reality na základě pohledu z jediného bodu,[14] s modulovanou barvou v plochých oblastech - se stal základem nového vizuálního umění, z něhož se později vyvinulo Kubismus podle Georges Braque a Pablo Picasso.
Navíc na konci 19. století ve východní Evropě mysticismus a brzy modernista náboženská filozofie vyjádřená teosofista Paní. Blavatsky měl hluboký dopad na průkopníka geometrický umělci jako Hilma af Klint a Vasilij Kandinskij. Mystické učení Georges Gurdjieff a P.D. Ouspensky měl také významný vliv na rané formace geometrických abstraktních stylů Piet Mondrian a jeho kolegové na počátku 20. století.[15] The spiritualismus také inspiroval abstraktní umění Kasimir Malevich a František Kupka.[16]
20. století


Postimpresionismus jak to praktikuje Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh a Paul Cézanne měl obrovský dopad na Umění 20. století a vedlo k příchodu abstrakce 20. století. Dědictví malířů jako Van Gogh, Cézanne, Gauguin, a Seurat byl nezbytný pro rozvoj moderní umění. Na počátku 20. století Henri Matisse a několik dalších mladých umělců včetně předkubisty Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy a Maurice de Vlaminck způsobila revoluci v pařížském uměleckém světě „divokými“ vícebarevnými expresivními krajinami a figurálními obrazy, které kritici nazývali Fauvismus. Svým expresivním použitím barev a volnou a nápaditou kresbou se Henri Matisse velmi blíží čisté abstrakci Francouzské okno v Collioure (1914), Pohled na Notre-Dame (1914) a Žlutá opona z roku 1915. Surový jazyk barev, který vyvinuli Fauvesové, přímo ovlivnil dalšího průkopníka abstrakce, Vasilij Kandinskij.
Ačkoli Kubismus nakonec záleží na předmětu, stalo se to spolu s Fauvismus, umělecké hnutí, které ve 20. století přímo otevřelo dveře abstrakci. Pablo Picasso udělal svůj první kubistický obrazy založené na Cézannově myšlence, že veškeré zobrazení přírody lze snížit na tři pevné látky: krychle, koule a kužel. S obrazem Les Demoiselles d'Avignon (1907), Picasso dramaticky vytvořil nový a radikální obraz zobrazující surovou a primitivní bordelskou scénu s pěti prostitutkami, násilně malovanými ženami, připomínající Africké domorodé masky a jeho vlastní nový Kubistický vynálezy. Analytický kubismus byl společně vyvinut Pablem Picassem a Georges Braque, přibližně od roku 1908 do roku 1912. Po analytickém kubismu, prvním jasném projevu kubismu, následoval Syntetický kubismus, cvičil Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp a další do 20. let 20. století. Syntetický kubismus se vyznačuje zavedením různých textur, povrchů, koláž elementy, papírová kolé a velké množství sloučených témat. Koláž umělci rádi Kurt Schwitters a Muž Ray a další, kteří o tom věděli Kubismus byly pomocné pro rozvoj tzv. hnutí Dada.

Italský básník Filippo Tommaso Marinetti zveřejnil Manifest futurismu v roce 1909, který později inspiroval umělce jako např Carlo Carra v Malování zvuků, zvuků a vůní a Umberto Boccioni Vlak v pohybu, 1911, do další fáze abstrakce, která by spolu s Kubismus, hluboce ovlivnil umělecká hnutí v celé Evropě.[17]
V průběhu roku 1912 Salon de la Oddíl d'Or, kde František Kupka vystavoval abstraktní obraz Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuga ve dvou barvách) (1912), básník Guillaume Apollinaire pojmenoval dílo několika umělců včetně Robert Delaunay, Orphism.[18] Definoval to jako „umění malování nových struktur z prvků, které nebyly vypůjčeny z vizuální sféry, ale byly vytvořeny výhradně umělcem ... je to čisté umění.“[19]
Od přelomu století se kulturní styky mezi umělci z hlavních evropských měst staly mimořádně aktivními, protože se snažily vytvořit uměleckou formu rovnou vysokým aspiracím modernismus. Nápady se mohly vzájemně obohacovat prostřednictvím uměleckých knih, výstav a manifesty takže mnoho zdrojů bylo otevřeno experimentování a diskusi a tvořily základ pro rozmanitost způsobů abstrakce. Následující výpis z Svět pozpátku působí dojmem vzájemné propojenosti tehdejší kultury: “David Burliuk Znalosti o moderních uměleckých směrech musely být pro druhé extrémně aktuální Výstava Knave of Diamonds, která se konala v lednu 1912 (v Moskvě), zahrnovala nejen obrazy zaslané z Mnichova, ale i některé německé členy Die Brücke skupina, zatímco z Paříže přišla práce Robert Delaunay, Henri Matisse a Fernand Léger, stejně jako Picasso. Během jara přednesl David Burliuk dvě přednášky o kubismu a naplánoval polemickou publikaci, kterou měl financovat Knave of Diamonds. V květnu odešel do zahraničí a vrátil se odhodlaný soupeřit s almanachem Der Blaue Reiter který se objevil z tiskařů, když byl v Německu “.[20]
Od roku 1909 do roku 1913 bylo při hledání tohoto „čistého umění“ vytvořeno mnoho experimentálních děl mnoha umělců: Francis Picabia malované Kaučuk, c. 1909,[21] Jaro, 1912,[22] Tance na jaře[23] a Průvod, Sevilla, 1912;[24] Vasilij Kandinskij malované Bez názvu (první abstraktní akvarel), 1913,[25] Improvizace 21A, Dojem série, a Obrázek s kruhem (1911);[26] František Kupka maloval Orphist díla, Disky Newton (Studovat Fuga ve dvou barvách), 1912[27] a Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuga ve dvou barvách), 1912; Robert Delaunay namaloval sérii s názvem Simultánní Windows a Formes Circulaires, Soleil č. 2 (1912–13);[28] Léopold Survage vytvořeno Barevný rytmus (Studie k filmu), 1913;[29] Piet Mondrian, malované Tablo č. 1 a Složení č. 11, 1913.[30]


A hledání pokračovalo: Rayist (Luchizm) kresby Natalia Goncharova a Michail Larionov, k vytvoření konstrukce byly použity čáry jako paprsky světla. Kasimir Malevich dokončil své první zcela abstraktní dílo, Suprematist, Černý čtverec, v roce 1915. Další ze skupiny Suprematist Liubov Popova, vytvořil Architectonic Constructions and Spatial Force Constructions v letech 1916 až 1921. Piet Mondrian vyvíjel svůj abstraktní jazyk, vodorovných a svislých čar s barevnými obdélníky, mezi lety 1915 a 1919, Neoplastika byla estetika, kterou Mondrian, Theo van Doesburg a další ve skupině De Stijl zamýšlel přetvořit prostředí budoucnosti.
Hudba
S tím, jak se vizuální umění stává abstraktnějším, rozvíjí některé charakteristiky hudby: umělecká forma, která využívá abstraktní prvky zvuku a rozdělení času. Vasilij Kandinskij, sám amatérský hudebník,[32][33][34] byla inspirována možností značek a asociativní barvy znějící v duši. Myšlenka byla předložena Charles Baudelaire, že všechny naše smysly reagují na různé podněty, ale smysly jsou propojeny na hlubší estetické úrovni.
S tím úzce souvisí myšlenka, kterou umění má Duchovní rozměr a může překonat každodenní zkušenost a dosáhnout duchovní úrovně. The Theosofická společnost popularizoval starodávnou moudrost posvátných knih Indie a Číny v prvních letech století. Bylo to v této souvislosti Piet Mondrian Wassily Kandinsky, Hilma af Klint a další umělci usilující o „bezobjektivní stát“ se začali zajímat o okultismus jako o způsob vytvoření „vnitřního“ objektu. Univerzální a nadčasové tvary nalezené v geometrie: kruh, čtverec a trojúhelník se staly prostorovými prvky v abstraktním umění; jsou, stejně jako barva, základními systémy pod viditelnou realitou.
Ruská avantgarda
Mnoho abstraktních umělců v Rusku se stalo Konstruktivisté věřit, že umění už není něco vzdáleného, ale život sám. Umělec se musí stát technikem a musí se naučit používat nástroje a materiály moderní výroby. Umění do života! byl Vladimír Tatlin slogan a heslo všech budoucích konstruktivistů. Varvara Stepanova a Alexandre Exter a další opustili malbu na stojanu a odvrátili svou energii na divadelní design a grafická díla. Na druhé straně stál Kazimir Malevich, Anton Pevsner a Naum Gabo. Tvrdili, že umění je v zásadě duchovní činností; vytvářet místo jednotlivce ve světě, ne organizovat život v praktickém, materialistickém smyslu. Mnoho z těch, kdo se nepřátelili materialistické produkční myšlence umění, Rusko opustilo. Anton Pevsner odešel do Francie, Gabo nejdříve do Berlína, poté do Anglie a nakonec do Ameriky. Kandinsky studoval v Moskvě a poté odešel do Bauhaus. V polovině 20. let skončilo revoluční období (1917–1921), kdy umělci mohli experimentovat; a pouze do 30. let socialistický realismus bylo povoleno.[35]
Bauhaus
The Bauhaus ve Weimaru v Německu byla založena v roce 1919 Walter Gropius.[36] Filozofií vzdělávacího programu byla jednota veškerého vizuálního a plastického umění od architektury a malby po tkaní a vitráže. Tato filozofie vyrostla z myšlenek Hnutí umění a řemesel v Anglii a Deutscher Werkbund. Mezi učiteli byli Paul Klee, Vasilij Kandinskij, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers, a László Moholy-Nagy. V roce 1925 byla škola přesunuta do Dessau a jako Nacistická strana získal kontrolu v roce 1932, Bauhaus byl uzavřen. V roce 1937 výstava zdegenerované umění „Entartete Kunst“ obsahoval všechny typy avantgarda umění neschváleno nacistickou stranou. Potom začal exodus: nejen z Bauhausu, ale obecně z Evropy; do Paříže, Londýna a Ameriky. Paul Klee odešel do Švýcarska, ale mnoho umělců z Bauhausu odjelo do Ameriky.
Abstrakce v Paříži a Londýně

Během třicátých let se Paříž stala hostitelem umělců z Ruska, Německa, Nizozemska a dalších evropských zemí postižených vzestupem totalita. Sophie Tauberová a Jean Arp spolupracoval na malbách a sochařství pomocí organických / geometrických forem. Polský Katarzyna Kobro aplikoval matematicky založené nápady na sochařství. Mnoho druhů abstrakce nyní v těsné blízkosti vedlo k pokusům umělců analyzovat různá koncepční a estetická seskupení. Výstava čtyřiceti šesti členů Cercle et Carré skupina organizovaná Joaquin Torres-Garcia[37] s pomocí Michel Seuphor[38] obsahovala práci neplastikářů i abstrakcionistů, jakými byli Kandinsky, Anton Pevsner a Kurt Schwitters. Kritizováno uživatelem Theo van Doesburg aby byl příliš neurčitou sbírkou, vydal časopis Umělecký beton kterým se stanoví manifest definující abstraktní umění, ve kterém je konkrétní realitou pouze čára, barva a povrch.[39] Společnost Abstraction-Création založená v roce 1931 jako otevřenější skupina poskytla referenční základnu pro abstraktní umělce, protože politická situace se zhoršila v roce 1935 a umělci se znovu přeskupili, mnozí v Londýně. První výstava britského abstraktního umění se konala v Anglii v roce 1935. Následující rok mezinárodní Abstrakt a konkrétní výstavu pořádal Nicolete Gray včetně práce Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworthová a Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson a Gabo se přestěhovali do Skupina St. Ives v Cornwallu, aby pokračovali ve své „konstruktivistické“ práci.[40]
Amerika: v polovině století

Během nacistického nástupu k moci ve 30. letech mnoho umělců uprchlo z Evropy do Spojených států. Na počátku 40. let 20. století byly hlavní směry moderního umění, expresionismus, kubismus, abstrakce, surrealismus, a dada byli zastoupeni v New Yorku: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst, André Breton, bylo jen několik Evropanů v exilu, kteří přijeli do New Yorku.[42] Bohaté kulturní vlivy, které přinesli evropští umělci, destilovali a stavěli na nich místní newyorští malíři. Klima svobody v New Yorku umožnilo všem těmto vlivům vzkvétat. Umělecké galerie, které se primárně zaměřovaly na evropské umění, si začaly všímat místní umělecké komunity a práce mladších amerických umělců, kteří začali dospívat. Někteří umělci se v této době stali ve své zralé tvorbě výrazně abstraktní. Během tohoto období obraz Piet Mondrian Složení č. 10, 1939–1942, charakteristický primárními barvami, bílou broušenou a černou čarou mřížky jasně definoval jeho radikální, ale klasický přístup k obdélníku a abstraktnímu umění obecně. Georgia O'Keeffe která, i když byla modernistickým abstrakcionistou, byla čistým mistrem v tom, že malovala vysoce abstraktní formy, aniž by se připojila k žádné konkrétní skupině tohoto období.
Nakonec se američtí umělci, kteří pracovali ve velké rozmanitosti stylů, začali slučovat do soudržných stylistických skupin. Nejznámější skupina amerických umělců se stala známou jako Abstraktní expresionisté a Newyorská škola. V New Yorku panovala atmosféra, která podněcovala diskusi, a byla zde nová příležitost k učení a růstu. Umělci a učitelé John D. Graham a Hans Hofmann se staly důležitými mosty mezi nově příchozími evropskými modernisty a mladšími americkými umělci, kteří dospěli. Mark Rothko, narozený v Rusku, začal se silně surrealistickými obrazy, které se později rozpustily v jeho silných barevných kompozicích na počátku 50. let. The expresionistické gesto a samotný akt malování se pro něj stal primárně důležitým Jackson Pollock, Robert Motherwell, a Franz Kline. Zatímco v průběhu roku 1940 Arshile Gorky a Willem de Kooning Na konci desetiletí se obrazové dílo vyvinulo v abstrakci. New York City se stal centrem a přitahovali se k němu umělci z celého světa; i z jiných míst v Americe.[43]
Pozdější vývoj
Digitální umění, tvrdá malba, geometrická abstrakce, minimalismus, lyrická abstrakce, op art, abstraktní expresionismus, malba barevných polí, monochromatické malování, shromáždění, neo-Dada, tvarované plátno malba, je několik směrů vztahujících se k abstrakci ve druhé polovině 20. století.
Ve Spojených státech, Umění jako objekt jak je vidět na Minimalistický sochařství Donald Judd a obrazy Frank Stella jsou dnes považovány za novější permutace. Mezi další příklady patří Lyrická abstrakce a smyslné použití barev, které lze vidět v práci malířů tak různorodých jako Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell.
Příčina
Jedno sociálně-historické vysvětlení, které bylo nabídnuto pro rostoucí převahu abstraktu v moderním umění - vysvětlení spojené se jménem Theodor W. Adorno - je to, že taková abstrakce je reakcí a odrazem rostoucí abstrakce sociálních vztahů v průmyslová společnost.[44]
Frederic Jameson podobně vidí modernistickou abstrakci jako funkci abstraktní síly peněz a všechny věci rovní stejně jako směnné hodnoty.[45] Sociální obsah abstraktního umění je pak právě abstraktní povaha sociální existence - právní formality, byrokratická zosobnění, informace / moc - ve světě pozdní moderna.[46]
Post-Jungians naopak by viděl kvantové teorie s jejich rozpadem konvenčních myšlenek na formu a hmotu jako základ rozvodu konkrétního a abstraktního v moderním umění.[47]
Galerie
Albert Gleizes, 1910–12, Les Arbres (stromy), olej na plátně, 41 × 27 cm. Reprodukováno v Du "Cubisme", 1912
Arthur Dove, 1911–12, Na základě listových formulářů a prostorů, pastel na neidentifikovanou podporu. Nyní ztracen
Francis Picabia, 1912, Tarentelle, olej na plátně, 73,6 × 92,1 cm, Muzeum moderního umění, New York. Reprodukováno v Du "Cubisme"
Vasilij Kandinskij, 1912, Improvizace 27 (Zahrada lásky II), olej na plátně, 120,3 × 140,3 cm, The Metropolitní muzeum umění, New York. Vystaveno v roce 1913 Armory Show
Pablo Picasso, 1913–14, Hlava (Tête), nařezaný a vložený barevný papír, kvaš a dřevěné uhlí na lepenku, 43,5 × 33 cm, Skotská národní galerie moderního umění, Edinburgh
Henri Matisse, 1914, Francouzské okno v Collioure, Centrum Georges Pompidou, Paříž
Hilma af Klint, Svanen (Labuť), Č. 17, skupina IX, řada SUW, říjen 1914 – březen 1915. Toto abstraktní dílo nebylo nikdy vystaveno během života Klinta.
Theo van Doesburg, Neoplastika: 1917, Složení VII (Tři Grácie)
Fernand Léger 1919, Železniční přejezd, olej na plátně, 53,8 × 64,8 cm, Institut umění v Chicagu
Joseph Csaky, Deux figurky, 1920, reliéf, vápenec, polychrom, 80 cm, Muzeum Kröller-Müller, Otterlo
Albert Gleizes, 1921, Složení bleu et jaune (Složení jaune), olej na plátně, 200,5 × 110 cm
Piet Mondrian, Složení s žlutá, černá, modrá, červená a šedá, 1921, Art Institute of Chicago
Paul Klee, Oheň večer, 1929
Otto Gustaf Carlsund, Rychlý (1930), a Konkrétní umění restaurace nástěnná malba, Stockholm
Barnett Newman, Onement 1, 1948, Muzeum moderního umění, New York
Viz také
V jiných médiích
Reference
- ^ Rudolph Arnheim, Vizuální myšlení, University of California Press, 1969, ISBN 0-520-01871-0
- ^ Mel Gooding, Abstraktní umění, Tate Publishing, Londýn, 2000
- ^ „Abstract Art - What Is Abstract Art or Abstract Painting, vyvoláno 7. ledna 2009“. Painting.about.com. 07.06.2011. Archivováno z původního dne 7. července 2011. Citováno 2011-06-11.
- ^ „Témata v americkém umění - abstrakce, vyvoláno 7. ledna 2009“. Nga.gov. 2000-07-27. Archivovány od originál dne 8. června 2011. Citováno 2011-06-11.
- ^ György Kepes, Znamení, obrázek a symbol, Studio Vista, Londýn, 1966
- ^ Derek Hyatt, "Setkání na blatech", Moderní malíři, Podzim 1995
- ^ Simon Leys, 2013. The Hall of Uselessness: Collected Essays. New York: New York Recenze Knihy. str. 304. ISBN 978-1-59017-620-7.
- ^ Lippit, Y. (2012). "Režimů a způsobů v japonském inkoustovém malířství: Sesshū's Splashed Ink Landscape of 1495". Umělecký bulletin, 94 (1), s. 56.
- ^ Watt, J. C. (2010). Svět Khubilai Khan: Čínské umění v dynastii Yuan. Metropolitní muzeum umění, str. 224
- ^ Ernst Gombrich, "Časní Medici jako patroni umění" v Norma a forma, str. 35–57, Londýn, 1966
- ^ Judith Balfe, ed. Paying the Piper: Causes and Consequences of Art Patronage, Univ. of Illinois Press
- ^ Whistler versus Ruskin, Princeton edu. Archivováno 16. června 2010, v Wayback Machine Citováno 13. června 2010
- ^ Od Tate, vyvoláno 12. dubna 2009
- ^ Herbert Read, Stručná historie moderního umění, Temže a Hudson
- ^ "Hilton Kramer," Mondrian & mysticismus: Moje dlouhé hledání skončilo, " Nové kritérium, Září 1995 ". Newcriterion.com. Citováno 2012-02-26.
- ^ Brenson, Michael (21. prosince 1986). „Umělecký pohled; jak duchovní zalil abstrakt“ - přes NYTimes.com.
- ^ Caroline Tisdall a Angelo Bozzolla, Futurismus, Thames and Hudson, 1977
- ^ La Section d'or, 1912–1920–1925, Cécile Debray, Françoise Lucbert, Musées de Châteauroux, Musée Fabre, katalog výstavy, Éditions Cercle d'art, Paříž, 2000
- ^ Harrison a Wood, Umění teoreticky, 1900–2000, Wiley-Blackwell, 2003, s. 189. ISBN 978-0-631-22708-3.books.google.com "
- ^ Susan P Compton, Svět pozpátku, British museum Publications, London, 1978
- ^ „Francis Picabia, Caoutchouc, asi 1909, MNAM, Paříž“. Francispicabia.org. Citováno 2013-09-29.
- ^ „Muzeum moderního umění, New York, Francis Picabia, Jaro, 1912". Moma.org. Citováno 2013-09-29.
- ^ „MoMA, New York, Francis Picabia, Tance na jaře, 1912". Moma.org. Citováno 2013-09-29.
- ^ „National Gallery of Art, Washington, DC., Francis Picabia, The Procession, Seville, 1912“. Nga.gov. Archivovány od originál dne 2012-08-05. Citováno 2013-09-29.
- ^ Stan Rummel (13.12.2007). „Vasilij Kandinský, Nepojmenovaná (First Abstract Watercolor), 1910 ". Faculty.txwes.edu. Archivovány od originál dne 19. 7. 2012. Citováno 2013-09-29.
- ^ „Padesáté výročí Guggenheimova muzea, Kandinsky Retrospective, Guggenheimovo muzeum, New York, 2009“ (PDF). Archivovány od originál (PDF) dne 18. 7. 2012. Citováno 2013-09-29.
- ^ „Muzeum umění ve Filadelfii, disky Newtona (studie„ Fuga ve dvou barvách “), 1912“. Philamuseum.org. Citováno 2013-09-29.
- ^ „Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paříž, Robert Delaunay, Formes Circulaires, Soleil č. 2 (1912–13)" (francouzsky). Centrepompidou.fr. Archivovány od originál 7. září 2012. Citováno 2013-09-29.
- ^ "Museum of Modern Art, New York, Léopold Survage, Colored Rhythm (Study for the film) 1913". Moma.org. 1914-07-15. Citováno 2013-09-29.
- ^ „Rijksmuseum Kröller-Müller, Otterlo, Nizozemsko, Piet Mondrian, 1913“. Kmm.nl. Archivovány od originál 2. října 2013. Citováno 2013-09-29.
- ^ Wassily Kandinsky, Bez názvu (studium pro Složení VII, premiéra abstrakce), akvarel, 1913, MNAM, Center Pompidou
- ^ Shawn, Allene. 2003. Cesta Arnolda Schoenberga. Harvard University Press. str. 62. ISBN 0-674-01101-5
- ^ François Le Targat, Kandinskij, Řada mistrů dvacátého století, Random House Incorporated, 1987, s. 7, ISBN 0-8478-0810-6
- ^ Susan B. Hirschfeld, muzeum Šalamouna R. Guggenheima, Nadace Hilla von Rebay, Akvarely Kandinského v Guggenheimově muzeu: výběr z Muzea Šalamouna R. Guggenheima a Nadace Hilla von RebayV roce 1871 se rodina přestěhovala do Oděsy, kde mladý Kandinsky navštěvoval gymnázium a naučil se hrát na violoncello a klavír.
- ^ Camilla Gray, Ruský experiment v umění, 1863–1922, Thames and Hudson, 1962
- ^ Walter Gropius a kol., Bauhaus 1919–1928 Herbert Bayer ed., Museum of Modern Art, publ. Charles T Banford, Boston, 1959
- ^ Seuphor, Michel (1972). Geometric Abstraccion 1926-1949. Dallas Museum of Fine Arts.
- ^ Michel Seuphor, Abstraktní malba
- ^ Anna Moszynska, Abstraktní umění, str. 104, Thames and Hudson, 1990
- ^ Anna Moszynska, Abstraktní umění, Thames and Hudson, 1990
- ^ Utopická realita: Rekonstrukce kultury v revolučním Rusku i mimo něj; Christina Lodder, Maria Kokkori, Maria Mileeva; BRILL, 24. října 2013 „Van Doesburg uvedl, že účelem umění bylo naplnit člověka těmi pozitivními duchovními vlastnostmi, které jsou potřebné k překonání dominance fyzických a vytvoření podmínek pro ukončení válek. esej o Wassily Kandinsky, kterou napsal o dialogu mezi umělcem a divákem, a roli umění jako „vychovatele našeho vnitřního života, vychovatele našich srdcí a myslí“. Van Doesburg následně přijal názor, že duchovní v člověka živí konkrétně abstraktní umění, které později popsal jako „čistou myšlenku, která neznamená koncept odvozený z přírodních jevů, ale který je obsažen v počtech, mírách, vztazích a abstraktních liniích.“ Ve své reakci na Piet Mondrian Složení 10„Van Doesburg spojil mír a duchovní s nereprezentativním uměleckým dílem a tvrdil, že„ vytváří nejduchovnější dojem… dojem klidu: klidu duše “.“
- ^ Gillian Naylor, BauhausStudio Vista, 1968
- ^ Henry Geldzahler, New York Painting and Sculpture: 1940–1970, Metropolitní muzeum moderního umění, 1969
- ^ David Cunningham, „Askeze proti barvám“, in Nové formace 55 (2005) s. 110
- ^ M. Hardt / K. Weeks eds., Čtenář Jameson (2000) str. 272
- ^ Cunningham, str. 114
- ^ Aniela Jaffé, C. G. Jung ed., Muž a jeho symboly (1978), str. 288–89, 303
Zdroje
- ^ Compton, Susan (1978). The World Backwards: Russian Futurist Books 1912–16. Britská knihovna. ISBN 978-0-7141-0396-9.
- ^ Stangos, Nikos, ed. (1981). Koncepty moderního umění. Temže a Hudson. ISBN 978-0-500-20186-2.
- ^ Gooding, Mel (2001). Abstraktní umění. Pohyby v sérii moderního umění. Tate Publishing. ISBN 978-1-85437-302-1.
- ^ Rump, Gerhard Charles (1985). Jak se dívat na abstraktní malbu. Inter Nationes.