Divadlo dvacátého století - Twentieth-century theatre
![]() | tento článek potřebuje další citace pro ověření.Únor 2012) (Zjistěte, jak a kdy odstranit tuto zprávu šablony) ( |
Divadlo dvacátého století popisuje období velkých změn uvnitř EU divadelní kultura 20. století, hlavně v Evropa a Severní Amerika. Dlouho zavedená pravidla týkající se divadelní reprezentace byla rozšířená; což má za následek vývoj mnoha nových forem divadla, včetně modernismus, Expresionismus, Impresionismus, politické divadlo a další formy Experimentální divadlo, stejně jako pokračující vývoj již zavedených divadelních forem jako naturalismus a realismus.
Po celé století se umělecká reputace divadla zlepšovala poté, co se v 19. století posmívali. Nicméně, růst jiných médií, zejména film, má za následek zmenšenou roli v celé kultuře. Ve světle této změny byli divadelní umělci nuceni hledat nové způsoby zapojení do společnosti. Různé odpovědi nabízené v reakci na to podnítily transformace, které tvoří jeho moderní historii.[1]
Vývoj v oblastech, jako je Genderová teorie a postmoderní filozofie identifikoval a vytvořil předměty, které divadlo musí prozkoumat. Tato někdy výslovně meta-divadelní představení měla za cíl konfrontovat divácké vnímání a předpoklady s cílem vyvolat otázky o jejich společnosti. Tyto náročné a vlivné hry charakterizovaly většinu posledních dvou desetiletí 20. století.
Ačkoli se z velké části vyvíjí v roce Evropa a Severní Amerika počátkem století došlo v příštích 50 letech k objetí nezápadních divadelních forem. Ovlivněn demontáží říší a pokračujícím rozvojem postkoloniální teorie, mnoho nových umělců využilo své vlastní prvky kultur a společnosti vytvořit rozmanité divadlo.
Realismus

Realismus se zaměřuje na pokus o pravdivou reprezentaci učiva, bez umělosti a vyhýbání se uměleckým konvencím nebo nepravděpodobným, exotickým a nadpřirozeným prvkům. Pro mnoho divadelních umělců po celé století měl realismus směřovat pozornost k sociálním a psychologickým problémům běžného života.
Ovlivněn myšlenkami Sigmund Freud, Charles Darwin a další, mnoho umělců začalo hledat psychologický přístup k divadlu, který zdůrazňoval vnitřní rozměry postav na jevišti. To bylo provedeno jak na jevišti v herectví styly, v hrát psaní a v divadelní design. Počínaje dílem ruských dramatiků Ivan Turgeněv, Alexander Ostrovský a Lev Tolstoj a pokračoval Emile Zola ve Francii a Henrik Ibsen v Norsku pozdě 19. století, realismus přišel ovládnout většinu divadelní kultury 20. století v Británii a Severní Americe.
Rusko
V Rusku začalo směřování k realismu dříve než kdekoli jinde na světě. V návaznosti na práci dřívějších průkopníků Constantin Stanislavski a Vladimir Nemirovich-Danchenko založil Moskevské umělecké divadlo v roce 1898 chtěl reformovat ruské divadlo, kterému dominuje melodrama k takovému, ve kterém bylo vysoce kvalitní umění dostupné široké veřejnosti. Na možná nejdůležitější divadelní schůzce 20. století se tito dva setkali na epických 18 hodinách od 14:00 do 8:00 následujícího rána a položili základ jedné z nejvlivnějších společností tohoto století.[2] Společně by vytvořili profesionální společnost s étosem souboru, který odradil individuální ješitnost, výběrem herců z Nemirovichovy třídy na filharmonické škole a Stanislavského amatérské skupiny Společnost umění a literatury spolu s dalšími profesionálními herci; vytvořili by realistické divadlo mezinárodního významu s populárními cenami sedadel, jejichž organicky jednotná estetika by spojily techniky Meiningen Ensemble a ti z André Antoine je Théâtre Libre (který Stanislavský viděl během cest do Paříže).[3]
29. prosince 1898 bylo divadlo otevřeno Anton Čechov je Racek sám Stanislavski hrál roli Trigorina a Vsevolod Meyerhold jako Treplev v „jedné z největších událostí v historii ruského divadla a jedné z největších událostí v historii světového dramatu“.[4] Nemirovich popsal potlesk, který se dostavil po dlouhém tichu, jako praskající z publika jako a přehrada lámání a výroba získala jednomyslnou chválu tisku.[5] Pozdější analytici připisují úspěch inscenace věrnosti jemného zobrazení každodenního života, intimnímu, ansámblovému hraní a rezonanci nálady sklíčené nejistoty s psychologickou dispozicí tehdejší ruské inteligence.[6] Produkce Ibsen, Shakespeare a Čechov Strýček Váňa, Třešňový sad a Tři sestry byli také velmi úspěšní v počátcích společnosti.
Po úspěchu Moskevského uměleckého divadla se Stanislavski rozhodl vytvořit jednotný systém jednání který by školil herce a herečky, aby vytvářeli věrohodné charakterizace jejich výkonů. Tento přístup, který se vyvíjel hlavně v letech 1911 až 1916 a byl revidován po celý jeho život, byl částečně založen na konceptu emoční paměti, na kterou se herec interně zaměřuje, aby na jevišti zobrazil emoce postavy. Mezi oblasti studia patří soustředění, hlas, fyzické dovednosti, emoční paměť, pozorování a dramatická analýza. Systém Stanislavského byl široce praktikován v Sovětském svazu a ve Spojených státech, kde experimenty s jeho používáním začaly ve 20. letech 20. století a pokračovaly v mnoha školách a odborných dílnách.
Na počátku 20. století zažilo Rusko kulturní Silver Age a divadlo nebylo výjimkou. Do roku 1916 činil celkový počet divadel v samotném Moskvě téměř 200. Tato celoroční a sezónní divadla produkovala hlavně frašky, komedie, estrády a dokonce melodramy, ale existoval také značný počet divadel nabízejících realistické nebo naturalistický divadlo. Mezi ně patří Aleksey Suvorin je Malé divadlo a Moskevské dramatické divadlo (1914–19). Zatímco tam byla řada hereček-manažerů Petrohrad a Moskva jako Vera Komissarzhevskaya a Ida Rubinstein V průběhu ruského divadla ve stříbrném věku převážně dominovali muži.[7]
Po První světová válka a Ruská revoluce, mnoho divadelních umělců opustilo Rusko pro další země, včetně Georges Pitoëff do Francie, Theodore Komisarjevsky do Británie a skvěle Michail Čechov do USA, exportuje systém Stanislavski a přispívá k rozvoji „režisérova divadla“ v poválečném světě.[8]

Spojené státy
Ve Spojených státech, William Vaughn Moody hry Velký předěl (1906) a Léčitel víry (1909) poukázali na cestu k realističtějšímu americkému dramatu v jejich důrazu na emoční konflikty, které jsou jádrem současných sociálních konfliktů. Mezi další klíčové dramatiky signalizující přechod k realismu na začátku století patří Edward Sheldon, Charles Rann Kennedy a Rachel Crothers. Na jevišti dominovalo americkému divadlu Barrymore rodina: Lionel Barrymore, Ethel Barrymore ("První dáma amerického divadla") a John Barrymore („... nejvlivnější a nejmodernější herec své doby.“). Byli tak populární, že se o nich dokonce napsalo divadlo: Královská rodina podle George S. Kaufman a Edna Ferberová, parodie na Barrymores, se zvláštním zaměřením na Johna a Ethel Barrymore.
Na počátku století neměl žádný americký dramatik tak velký vliv na vývoj dramatu jako Eugene O'Neill. Narodil se v divadle od mladého věku a většinu svého mládí strávil ve vlacích a v zákulisí divadel, než rozvíjel svůj talent u Hráči v Provincetown v New Yorku. V letech 1916 až 1920 napsal několik her pro společnost, než debutoval o svém prvním kritickém zásahu Beyond the Horizon v roce 1920, který pokračoval vyhrát Pulitzerova cena za drama. Následoval kritické a komerční úspěchy, včetně Císař Jones, Anna Christie (Pulitzerova cena 1922), Touha pod jilmy (1924), Divná přestávka (Pulitzerova cena 1928), Smutek se stává Electrou (1931), Iceman Cometh (1939) a jeho jediná známá komedie, Ah, divočina!. Po jeho smrti jeho opus a mistrovské dílo Cesta dlouhého dne do noci vyšlo a je často považováno za jednu z nejlepších amerických her 20. století.
Ekonomická krize EU Velká deprese vedlo k vytvoření Federální divadelní projekt (1935–1939), a Nový úděl program, který financoval divadlo a další živá umělecká představení po celé zemi. Národní ředitel Hallie Flanagan formoval projekt do federace regionálních divadel, která vytvořila relevantní umění, podpořila experimentování a umožnila milionům Američanů poprvé vidět divadlo. Projekt přímo zaměstnával 15 000 mužů a žen a odehrál 1 200 inscenací pro téměř 30 milionů lidí ve 200 divadlech po celé zemi, přičemž 65% bylo uvedeno zdarma, s celkovými náklady 46 milionů $.[9]
Mezi klíčové postavy raného století patří George S. Kaufman, George Kelly, Langston Hughes, S. N. Behrman, Sidney Howard, Robert E. Sherwood, a soubor dramatiků, kteří následovali O'Neillovu cestu filozofického hledání, Philip Barry, Thornton Wilder a William Saroyan.
Modernismus
Modernismus byl převážně evropským hnutím, které se vyvinulo jako sebevědomá přestávka od tradičních forem umění. Představuje významný posun v kulturní citlivosti, který se často připisuje spadu první světová válka.[10] Nejprve bylo modernistické divadlo z velké části pokusem uskutečnit reformovanou scénu naturalistický zásady, jak prosazuje Émile Zola v 80. letech 19. století. Souběžná reakce proti naturalismu však nutila divadlo mnohem jiným směrem. Dlužím symbolismus Hnutí se pokusilo integrovat poezii, malbu, hudbu a tanec do harmonické fúze. Obě tato zdánlivě protichůdná hnutí zapadají pod pojem „modernismus“.[11]
Politické divadlo

Politické divadlo je pokusem přehodnotit povahu a fungování divadla ve světle dynamiky společnosti mimo ni a zapojení publika do ní. Vedlo to k hlubokým a originálním teoriím herectví, inscenace a psaní scénářů.[12]
Populární divadlo
Na začátku 20. století mnozí považovali divadlo za „příliš oblíbenou záležitost“.[13] Skuteční reformátoři rané fáze století často požadovali stále menší divadla, kde by se jejich techniky mohly zaregistrovat u vybraného publika. Tito praktičtí praktici často snili o tom, že jejich umění bude skutečným lidovým divadlem: divadlem pro lidi. Inspirováno pochopením Řecké divadlo a silně ovlivněn Nietzsche, hledali hlubokou nebo extatickou rituální událost, která zahrnovala hudbu a pohyb, v prostoru bez a proscenium arch. Později se praktici líbí Vsevolod Meyerhold a Bertolt Brecht inicioval pokus o překlenutí „propasti“ mezi modernismem a lidmi.[14]
Hudební divadlo
V populární hudební divadlo existují různé trendy a fáze komerčního úspěchu, včetně děl následujících:
- velká popularita Britů Edvardovské hudební komedie (1892-1917),
- příchod Princezna divadlo muzikály v New Yorku (1913-1923),
- vznik amerického populárního hudební divadlo, s pracemi:
- Jerome Kern (1885-1945); Princezna divadlo muzikály, Ziegfeld Follies (1916, 1917), Show Boat (1927)
- George Gershwin (1898-1937) a Ira Gershwin (1896-1983) Rhapsody in Blue (1924), Američan v Paříži (1928), Porgy a Bess (1935).
- Cole Porter (1891-1964); Paříž (1928), Probuďte se a sníte (1929), Něco jde (1934)
- Rodgers a Hart; Richard Rodgers (1902-1979) a Lorenz Hart (1895-1943) Babes in Arms (1937), Pal Joey (1940)
- Rodgers a Hammerstein; Richard Rodgers (1902-1979) a Oscar Hammerstein II (1895 – 1960):Oklahoma! (1943), Kolotoč (1945), Jižní Pacifik (1949), Král a já (1951) a Zvuk hudby (1959).
- Ve druhé polovině 20. století se objevily nové tvůrčí talenty, které přilákaly velké publikum, včetně:
- Stephen Sondheim (1930--); West Side Story (1957) (texty), Na cestě na fórum se stala legrační věc (1962), Malá noční hudba (1973), Sweeney Todd (1979), Do lesů (1987).
- Andrew Lloyd Webber (1948--); Evita (1978), Kočky (1981), Fantom opery (1986)
- Claude-Michel Schönberg (1944-) a Alain Boublil (1941--); Les Misérables (hudební) (1980) a Slečno Saigonová (1989)
Postmoderní divadlo
Postmoderní divadlo je ve světovém divadle fenoménem nedávným, vycházejícím z postmoderní filozofie který vznikl v Evropě v polovině 20. století. Postmoderní divadlo se ukázalo jako reakce proti modernistickému divadlu. Většina postmoderních inscenací je zaměřena na zdůraznění omylnosti určité pravdy, místo toho povzbuzuje diváky, aby dosáhli svého individuálního porozumění. Postmoderní divadlo tedy v zásadě vyvolává spíše otázky, než se pokoušet poskytovat odpovědi.
Globální divadlo
Na začátku 20. století bylo mnoho evropských diváků vystaveno „exotickému“ divadelnímu světu japonský a čínština představení. To vedlo k tomu, že mnoho západních odborníků interpretovalo a začleňovalo tyto styly do svých divadel: nejvíce pozoruhodně Bertolt Brecht adaptace Čínská opera na podporu jeho efektu „Odcizení“. Vliv nezápadního divadla na divadelní kulturu ve 20. století byl pro nový vývoj často zásadní. Období během a po nástupu postkoloniální Teorie v 60. a 70. letech vedla k obrovskému rozvoji divadelní praxe po celém světě. Tím se poprvé vytvořilo skutečně globální divadlo.[15]
Významné údaje
Mezi významné postavy a některé významné teorie a pohyby tohoto období patří:
- Constantin Stanislavski (1863-1938) a jeho Systém: „naturalistická“ metoda čerpání z vlastních emocionálních vzpomínek herce k vyjádření myšlenek a emocí postavy
- Antonín Artaud (1896-1948) a Divadlo krutosti: plán, jak donutit diváky zbavit se iluzí
- Bertolt Brecht (1898-1956) a Epické divadlo: reakce proti naturalistické metodě Stanislavského, divadlo Epic jasně ukazuje, že diváci sledují hru a vynalézavost
- Lee Strasberg (1901-1982) a Metoda jednání: který trénuje herce, aby čerpali ze svých vlastních emocí a vzpomínek, aby přesvědčivě vykreslili část.
- Jerzy Grotowski (1933–1999), který představil koncept „chudého divadla“
- Eugenio Barba Grotowského žák a zakladatel Odin Theatret, představující pojmy divadelní antropologie
- Samuel Beckett (1906-1989) a Absurdní divadlo: v moderním světě bez smyslu a účelu se dialog hry, zápletka a postavy vzdávají vláken „logiky“ nebo „zprávy“. (související s Existencialismus )
- Hans-Thies Lehmann teorie o Postdramatické divadlo: zaměřeno více na účinek na diváky než na původní text.
Nositelé Nobelovy ceny
Během dvacátého století Nobelova cena za literaturu byla udělena následujícím, kteří byli především dramatici:
- 1904 - José Echegaray - španělština; El gran Galeoto
- 1910 - Paul Heyse - Němčina
- 1911 - Maurice Maeterlinck - Belgičan
- 1912 - Gerhart Hauptmann - Němčina
- 1915 - Romain Rolland - Francouzsky
- 1922 - Jacinto Benavente - Španělština
- 1925 - George Bernard Shaw - Irský
- 1934 - Luigi Pirandello - Italská
- 1936 - Eugene O'Neill - Američan
- 1969 - Samuel Beckett - Irský
- 1986 - Wole Soyinka - Nigérijský
- 1997 - Dario Fo - Italská
Dramatici získali Nobelovu cenu za literaturu v letech 2000 a 2005 Gao Xingjian a Harold Pinter většina z nich byla složena ve dvacátém století.
Viz také
- Časová osa divadla dvacátého století
- Dějiny divadla
- Divadlo z devatenáctého století
- Avantgardní divadlo
- Hudební divadlo
Reference
- ^ Richard Drain, předmluva, Divadlo dvacátého století: Zdrojová kniha, Taylor & Francis, 1995.
- ^ Benedetti, Jean. 1991. Dopisy Moskevského uměleckého divadla. New York: Routledge.
- ^ Benedetti (1989, 18) a (1999, 61–62)
- ^ Rudnitsky (1981, 8) a Benedetti (1999, 85)
- ^ Benedetti (1999, 86).
- ^ Braun (1981, 64).
- ^ Golub, 278-282.
- ^ Esslin, 379
- ^ Flanagan, Hallie (1965). Arena: Historie federálního divadla. New York: Benjamin Blom, dotisk vydání [1940]. OCLC 855945294.
- ^ Modris Ekstein, Rites of Spring: The Great War and the Birth of the Modern Age, Lester & Orpen Dennys, 2002.
- ^ Vypusťte 3
- ^ Vypusťte 75.
- ^ Vypusťte 153
- ^ Vypusťte 156-157
- ^ Vypusťte 293
Zdroje
- Benedetti, Jean. 1989. Stanislavski: Úvod. Přepracované vydání. Původní vydání vydané v roce 1982. London: Methuen. ISBN 0-413-50030-6.
- ---. 1991. Dopisy Moskevského uměleckého divadla. New York: Routledge.
- ---. 1999. Stanislavski: Jeho život a umění. Přepracované vydání. Původní vydání vydané v roce 1988. London: Methuen. ISBN 0-413-52520-1.
- Braun, Edward. 1982. „Stanislavský a Čechov ". Režisér a scéna: Od naturalismu k Grotowskému. Londýn: Methuen. ISBN 0-413-46300-1. str. 59–76.
- Esslin, Martin. Moderní divadlo 1890 - 1920. V John Russell Brown. 1995. Oxfordská ilustrovaná historie divadla. Oxford: Oxford University Press. ISBN 0-19-212997-X.
- Golub, Spencer. 1999. „The Silver Age, 1905-1917.“ In Robert Leach and Victor Borovsky, eds. 1999. Dějiny ruského divadla. Cambridge: Cambridge University Press.
- Rudnitsky, Konstantin. 1981. Meyerhold, ředitel. Trans. George Petrov. Vyd. Sydney Schultze. Upravený překlad Rezhisser Meierkhol'd. Moskva: Akademie věd, 1969. ISBN 0-88233-313-5.
externí odkazy
- Sbírka fotografií J. Willis Sayre - Obsahuje obrázky umělců, hudebníků a bavičů z knihovních sbírek University of Washington