American Epic (filmová série) - American Epic (film series) - Wikipedia

American Epic
Originální plakát k uvedení do kina
Režie:	Bernard MacMahon
Produkovaný	Allison McGourty Vévoda Erikson Bernard MacMahon
Napsáno	Bernard MacMahon Allison McGourty Vévoda Erikson
Hudba od	Bernard MacMahon Vévoda Erikson
Kinematografie	Vern Moen
Upraveno uživatelem	Dan Gitlin Gillian McCarthy Brittonya Sanden
Výroba společnost	Lo-Max Films, Wildwood Enterprises
Distribuovány	BBC, PBS
Datum vydání	16. května 2017
Provozní doba	310 minut (divadelní verze)
Země	Spojené státy
Jazyk	Angličtina

American Epic je dokumentární film série o prvních nahrávkách kořenová hudba v Spojené státy během dvacátých let 20. století a jejich kulturní, sociální a technologické dopady na Severní Amerika a svět.^[1] Režie a spoluautor scénáře Bernard MacMahon, příběh je vyprávěn prostřednictvím dvanácti etnicky a hudebně rozmanitých hudebníků, kteří se ucházeli o tyto průkopnické hry a účastnili se jich nahrávání: Carterova rodina, Memphis Jug Band, Starší J.E. Burch, Williamson Brothers, Dick Justice, Charley Patton Indičtí chani Hopi, Joseph Kekuku, Lydia Mendoza, Breaux rodina, Mississippi John Hurt a Slepý Willie Johnson.^[2] Filmová série je jádrem filmu American Epic mediální franšíza, která zahrnuje několik souvisejících děl.

Filmovou sérii vytvořil, napsal a produkoval MacMahon, Allison McGourty a Vévoda Erikson. Poprvé byl vysílán 16. května 2017 ve Spojených státech a byl vyprávěn Robert Redford.^[2] Film byl výsledkem deseti let intenzivního hraní terénní výzkum a předpokládal radikálně nový pohled na americké dějiny, konkrétně na to, že Amerika byla demokratizována vynálezem elektrický zvukový záznam a následné konkurzy nahrávací společnosti konané po celé Severní Americe na konci 20. let 20. století, které bylo otevřené každé etnické menšině a žánru hudby.^[3][4] Filmy obsahovaly mnoho dříve nevyřčených příběhů,^[5][6] obrovské množství dosud neviděných a extrémně vzácných archivních záběrů^[7][8] a dramaticky pokročilé zvukové obnovy nahrávek 20. a 30. let.^[9][10]

MacMahon rozhodl, že všichni respondenti museli osobně znát dávno zesnulé subjekty filmů a tyto rozhovory byly provedeny na místě, kde hudebníci žili, doprovázeni panoramatickými sledování záběrů současných i historických geografických lokalit, které dávají pocit divoce rozmanité severoamerické krajiny a jejího vlivu na hudbu.^[7][11] Během předprodukce, kdy MacMahon na svém prvním setkání představil svou vizi filmů a archivních záběrů Robertu Redfordovi, ji Redford prohlásil za „největší nevyřčený příběh Ameriky“.^[12]

Filmová série získala řadu ocenění, včetně ceny Foxtel Cena diváků v roce 2016 Filmový festival v Sydney^[13] a cenu Discovery Award v roce 2016 Mezinárodní filmový festival v Calgary.^[14] Byl nominován na Primetime Emmy.^[15] 23. dubna 2018 se konal Focal International Awards nominován American Epic za nejlepší využití záznamu v historii a nejlepší využití záznamu v hudební produkci.^[16] Mnoho kritiků uvádí American Epic filmy jako jeden z nejlepších hudebních dokumentů, jaké kdy byly natočeny.^{[17][18][19][20][21]}

Epizody

V bouřlivých dvacátých letech se střetly dva světy: jeden jižní, venkovský a tradiční; ostatní severní, městská a průmyslová. Amerika byla v pohybu. Nahrávací společnosti vysílaly skauty po celých Spojených státech a hledaly nové umělce a zvuky. Cestovali do odlehlých oblastí, ucházeli se o tisíce Američanů všedního dne a vydávali hudbu na gramofonové desky. Bylo to poprvé, co se Amerika slyšela. Umělci, které objevili, formovali náš svět. Zde jsou některé z jejich příběhů ...

— Robert Redford, od epizody jedna

Ne.	Titul[22]	Původní datum vysílání
1	"Velký třesk"	16. května 2017 (2017-05-16)[22]
Přehled První epizoda ukazuje, jak hudební průmysl ve 20. letech 20. století došlo k revoluci rádio začal převzít hudební průmysl. Jako bohatí lidé ve velkých městech se raději obraceli ke svým rádiím, než aby nakupovali evidence, nahrávací společnosti byli nuceni opustit své studia v městských centrech při hledání nových venkovských trhů k prodeji desek a nových hudebních stylů k prodeji jim. Přivezli nově vynalezený první elektrický záznamový stroj, který jim poprvé umožnil zaznamenávat všechny hudební žánry. Z Apalačské pohoří, do ghett z Memphis a Louisiana Bayous do Texas gramofonové desky objevily mimořádnou škálu nových talentů. Konkurzy byly otevřeny všem etnickým skupinám Spojených států a nahrávky, které vytvořily, poskytly hlas všem a demokratizovaly národ. První film zkoumá dva divoce kontrastující akty, které byly objeveny Tennessee během první vlny elektrické energie záznam pole zasedání v roce 1927 Ralph Peer - ten, kdo zahájil country hudba a druhý inspirovaný rytmus a blues. A.P., Maybelle a Sara Carter Carterova rodina Na chudém venkově Virginie společenství, A. P. Carter přesvědčí svou mladou ženu, Sara Carterová a devítiměsíční těhotná sestřenice, Maybelle Carter, podniknout nebezpečnou cestu do Bristol, Tennessee vyzkoušet záznamovou relaci s Victor Records A&R muž, Ralph Peer v roce 1927. Konkurz spolu s Jimmie Rodgers a Maybelle popisuje, jak zaznamenávali na voskové kotouče pomocí řemenice soustruh doprovázeno vůbec prvními filmovými záběry relace elektrického záznamu 20. let. Ačkoli Peer zesměšňuje skupinu kvůli jejich vzhledu a tvrdí, že byli „oblečeni do hadrů“, desky, které vytvářejí, vymýšlejí moderní country hudbu a vytvářejí nejdůležitější skupinu v historii country hudby, která vytváří jednu z největších amerických hudebních dynastií - Chet Atkins, June Carter Cash, Rosanne Cash, Carlene Carter, Marty Stuart a Johnny Cash který vystupuje se Sárou a Maybelle Carterovou a pokřtí Bristolské relace „velký třesk country hudby“. Memphis Jug Band Ve stejném roce Ralph Peer zavedl nový elektrický záznamový systém Memphis, Tennessee a založí provizorní studio hned vedle rušného černého ghetta Beale Street. Tam, kolektiv divočiny pouliční hudebníci, vedené Will Shade, vymýšlejí své vlastní nástroje z předmětů domácnosti, včetně a džbán který při foukání poskytuje silný rytmický basový tón. Tvoří vůbec první černou popovou skupinu, The Memphis Jug Band a využívají v nich širokou škálu stylů písní repertoár. Když je Peer zaznamená, jejich záznamy se prodávají mimořádně dobře a jsou velmi vlivné. Nas ukazuje, jak Memphis Jug Band vytvořil plán pro hip hop provedením jejich písně z roku 1928 „On the Road Again“. Peer najme Will Shade, aby se stal jeho mužem A&R v Memphisu, který mu přináší nejlepší talent, včetně umělců jako Memphis Minnie, Gus Cannon, a Furry Lewis, zpevňující Memphis jako centrum pro nahrávání hudby. Koncem 40. let 20. století sklouzla Memphis Jug Band do neznáma a Will Shade žije v naprosté chudobě. Vystopují ho mladíci Charlie Musselwhite kdo se stane Shadeovým hudebním chráněncem. Shade učí Musselwhite kytaru a harmoniku a stále sní o dalším pokusu o nahrávací kariéru, zatímco Memphis se chová jako inspirace Elvis Presley doplňují grafy. Musselwhite se zamýšlí nad hlubokým vlivem Shade na americkou hudbu a film uzavírá provedením nevydané písně, kterou ho Will Shade naučil: „Dostanu někdy pauzu“.
2	"Krev a půda"	23. května 2017 (2017-05-23)[22]
Přehled Druhá epizoda zkoumá sociální dopad prvních elektrických nahrávek. Zaměřuje se na tři hudebníky, jejichž příběhy byly před vydáním filmu záhadou, a na obrovský vliv jejich nahrávek na současnou hudbu. Starší J.E. Burch Hypnotizující gospelový sbor výkon zaznamenaný Ralphem Peerem v roce 1927 vedený neznámým kazatel posílá režiséra Bernarda MacMahona na prohledávání internetu Sony Archiv pro jakoukoli stopu o tom, kdo byl tajemný kněz a co se s ním stalo. Tam najde originální záznamový list s jedním fragmentem informací, adresu, která jednoduše uvádí Cheeraw (sic), Jižní Karolína. Cestuje do Cheraw, SC, a odkrývá příběh mimořádného afroamerického průkopníka, staršího Johna E. Burcha, časného zakladatele NAACP, jehož Posvěcený Triumph Church spojil černé a bílé obyvatele ospalého města v Jižní Karolíně. Členové Burchova sboru, kteří ho neviděli sedmdesát let, si připomínají dopad jeho hudby, jako by to bylo včera, a odhalují, že Burchův kostel pravidelně navštěvoval mladý Dizzy Gillespie který byl inspirován Burchem pokračovat v kariéře v hudbě a vymýšlet bebop a říká: „Dostal jsem svou první zkušenost s rytmem a duchovním transportem dolů do kostela Elder Burch každou neděli a od té doby jsem se jím řídil.“ Sbor z triumfálních kostelů po celé Americe sestupuje do skromného kostela v Jižní Karolíně, kde současný pastor Donnie Chapman vede měšťany a sbor v rámci představení hymnu Elder Burch „Moje srdce stále zpívá“. Williamson Brothers, Dick Justice a Frank Hutchison Když Důl v Západní Virginii šéfové zahájili palbu na stávkující irské a afroamerické pracovníky, jeden z nich slibuje, že unikne svým indentured otroctví konkurzem na soutěž talentů na nahrávání. Frank Hutchison, těžař uhlí v Logan, Západní Virginie, uzavře smlouvu o nahrávání pro Okeh Records, a využije svého úspěchu k získání dvou svých kolegů horníků, Ervin Williamson a Dick Justice, konkurzy s Okehem a Brunswick Records. Hutchison dělá první nahrávku „Stohovač Lee „a Justice zaznamenává 18. století Angličtina balada "Henry Lee Bratři Williamsonovi cestují vlakem do New Orleans v roce 1927 s krajinou kolem nich pod vodou během Velká Mississippi potopa. Když dorazí do studia, nahrají první John Henry píseň, „Umřu s kladivem v ruce“. Všichni najdou krátkou záchranu před těžbami dolů prostřednictvím svých nahrávacích cest, než nakonec podlehnou nepříznivým zdravotním dopadům svého trestajícího života v podzemí. Po jejich smrti soudcův syn řekl, že jeho otec mu nikdy neřekl, že dělá záznamy, syn Ervina Williamsona, Bill, se stává emocionálním, když si představuje, jak pyšný by jeho otec byl, kdyby věděl, že jeho hudba je dnes udržována při životě umělci jako Bruce Springsteen který uzavírá příběh představením „Umřu svým kladivem v ruce.“ Son House Charley Patton Rolling Stones objevit se v Mejdan! a představit jejich „největší idol“, Howlin 'Wolf jehož divoký výkon je vrcholem show. Wolf vysvětluje: „Jak jsem začal dělat záznamy? Bylo to orat. Orat celou mezku na plantáži.“ Vzpomíná: „Muž, který prošel skrz něj a volal na kytaru, zavolal Charley Patton. A jeho zvuk se mi líbil. Každou noc, kdy jsem odešel z práce, jsem šel do jeho domu a naučil se mě, jak si vybrat kytaru. “Film putuje na dálku Dockery Plantation v Mississippi Delta kde pracoval Wolf. Tam na konci 20. let H. C. Speir, podnikavý lovec talentů, vyzkouší Dockery sdílené plodiny a odkrývá zlatý důl talentů, jehož vůdcem byl bouřlivý zpěvák a kytarista jménem Charley Patton. Dva mladí příbuzní Pattona, Kenny a Tracy Cannon, navštíví plantáž, kde se zapojí do neklidného rozhovoru s proudem Dockery dozorce, Bill Lester, který jim žoviálně vypráví příběhy o hudební scéně, kterou Patton inspiroval, a ne ironicky odkazoval na „zajaté publikum“, které Patton na plantáži měl. Pattonovi příbuzní spekulují o utrpení, které jejich příbuzní utrpěli plantáž a jak blues hudba pro afro Američané byl odbytištěm této bolesti a komentoval, že „vždy jsme našli způsob, jak skrz hudbu křičet“. Patton svým štěrkovým hlasem a perkusní hrou na kytaru zahájil vlnu Delta blues hudebníci, včetně Howlin 'Wolf, Robert Johnson, Robert Lockwood Jr., Tommy Johnson, Pops Staples, Son House, a David „Honeyboy“ Edwards který je viděn vystupovat na rohu ulice v některých velmi raných filmových záběrech z roku 1942. To se rozpadá na 91letého Honeyboya s vysvětlením, že Patton byl součástí Rodilý Američan. Přidává se k němu 96letý chlapec Stesk po domově James kdo s láskou vzpomíná na sledování Pattonova vystoupení venku v a rybí smažit. „Vidím, jak veškerý prach skáče a letí. Byl to Charley Patton, který vydával veškerý ten hluk. Charley bylo něco, ano, byl.“ Honeyboy vysvětluje, jak Patton hodně pil “bílá whisky „a„ rozbije své vlastní tance “bojující s publikem. Připojí se k nim 91letý Robert Lockwood Jr. a vystupuje“Marná láska "složil ho jeho mentor a Pattonův chráněnec Robert Johnson. Tři nejstarší bluesoví hudebníci na světě docházejí k závěru, že jedinečný rezonanční hlas, který vlastnili bluesoví hudebníci, pochází z" křičení na toho mezka celý den ". umí dobře zpívat “dodává Honeyboy„ ale jen několik z nich “.„ Nikdy neorali mulu, “uzavírá Homesick,„ a to dělá hlasy. “Rok po Pattonově smrti v roce 1934 nahrává Robert Johnson nejvlivnější blues záznamy všech dob. Bill Lester vysvětluje, že kdy mechanizace přišel na plantáže pracovní síla odešel do hlavních měst jako Chicago na Skvělá migrace. Tam přinesli hudebníci vyškolení Pattonem v Dockery jako Howlin 'Wolf tuto hudbu nové generaci. Pattonův obrovský vliv hodnotí Taj Mahal a Howlin 'Wolf uzavírá příběh představením „Down in the Bottom“.
3	"Z mnoha jediného"	30. května 2017 (2017-05-30)[22]
Přehled Třetí epizoda zkoumá panoráma z etnický hudba zaznamenaná během nahrávání ve 20. a 30. letech a její vliv na hudbu po celém světě. Hopi Indian Chanters Dva Hopi kněží, Leigh Kuwanwisiwma a Elmer J. Satala vysvětlují, že jejich posvátné písně jsou nezbytné pro přežití jejich lidí a přinášejí déšť do drsného prostředí severu Arizona. Film popisuje, jak v roce 1904 utekl z rodinné farmy kavkazský chlapec Milo Billingsley Iowo žít s lidmi Hopi a stát se přítelem a poslem nejvyšších kněží Hopi. V roce 1913 Teddy Roosevelt navštíví Hopi a sleduje jejich nejposvátnější rituál, hadí tanec. Bez vědomí Hopiho je rituál tajně natočen a následná publicita přináší do Hopi záplavu nechtěných turistů. Satala vysvětluje, že rituály Hopi jsou narušeny, pokud jsou zveřejněny. V roce 1926 Kongres Spojených států navrhnout zákon zakazující hadí tanec. „Zamířili na tyto velké obřady," vysvětluje Kuwanwisiwma, „legislativou, která je zakazuje. Protože vláda nemohla lidi Hopi zlomit, pokud neporuší kulturu." Aby se tomu zabránilo, vezme Billingsley delegaci kněží Hopi New York udělat nahrávku svých posvátných písní pro Victor Records v roce 1926, aby prokázali, že nejsou hrozbou pro veřejnost. Hopiové pak cestují do Washington DC. kde jsou rezervováni k vystoupení před Capitol. Kuwanwisiwma spekuluje, že „provedli několik obřadů, aby prokázali, že způsob života Hopi je vždy o míru a štěstí. Nejsem si příliš jistý, zda skutečně provedli Snake Dance. Možná si půjčili od jiného necitlivého obřadu a možná to také využil. “ Tvůrci filmu ukazují Kuwanwisiwmu dosud nevídané záběry události z roku 1926 na Kapitolu a je viditelně rozrušený, když vidí, jak kněží Hopi provedli „skutečný soukromý obřad“ hadího tance před tisíci lidí na Kapitolu. Odráží to, že je velmi „smutné vidět, že Hopis musel jít na tu úroveň, že ve skutečnosti představil velmi soukromý tanec, aby ostatním řekl, že to je způsob Hopi. Neměli na výběr. Nikdy by to nemuseli dělat. " Ukázalo se, že písně, které Hopi nahráli v New Yorku, se v průběhu desetiletí staly velkými prodejci pro Victor Records, a přestože celá snaha byla pro kmen plná velkých náboženských dilemat, Kuwanwisiwma odhaluje, že nahrávky se stále hrají Rádio Hopi dnes a že Hopiova skladba posvátných písní stále zesiluje. Joseph Kekuku Příchodu na břeh Havaj doprovázeno archivním filmovým vystoupením ocelového kytaristy Sol Ho'opiʻi, to je ukázal, že na počátku 20. století havajské skupiny cestovaly po světě s ocelová kytara a mimořádný vliv, který měl na populární hudbu po celém světě. To dokládají představení delta blues kytarista Son House, země hudebník Hank Williams, Nigerijský Jùjú hudebník Král Sunny Adé a Skála skupina Pink Floyd, všichni vystupují s ocelovou kytarou. Na pobřeží Oahu Alyssabeth Kahuini Kinilani Archambault se představuje jako příbuzná vynálezce ocelové kytary - Joseph Kekuku. Procházky podél železniční tratě v Honolulu s jeho kytarou si jedenáctiletý Joseph Kekuku všiml a přepravní šroub lesknoucí se mezi železniční vazby. Zvedne to a přejede přes struny jeho kytara. Zvuk, který vydává, vystihuje jeho představivost a opravy Škola Kamehameha kovový obchod, kde zdokonaluje ocelovou tyč, která může klouzat po strunách kytary a vytvářet jedinečný stoupající zvuk nebo glissando. Jeho neteř Ka'iwa Meyer vysvětluje, že jeho vynález brzy zaplaví celý ostrov a ocelové kytary se hrají po celém ostrově. V roce 1904 Kekuku pluje na pevninu a připojuje se k havajské skupině Toots Paka a cestují Severní Amerika. V roce 1915 vystupuje Kekuku na festivalu Mezinárodní výstava Panama – Pacifik v San Francisco, kterého se účastní více než 17 milionů návštěvníků. Publikum je uchváceno nástrojem Kekuku a do roku 1916 je havajská hudba nejpopulárnějším hudebním žánrem ve Spojených státech. Turné Kekuku ho zavede do celého světa Hluboký jih kde delta bluesoví hudebníci a country kapely začleňují ocelovou kytaru do své hudby. V roce 1919 vypluje Kekuku do Londýn s havajskou revue Pták ráje, show je celosvětovým hitem a inspiruje mezinárodní šílenství havajské hudby. Když se Kekuku v roce 1927 vrátí do USA, objeví novou vlnu havajských skupin, které se těší národnímu úspěchu, jako je Kalamovo kvarteto, které účinkuje ve filmovém klipu z roku 1927. Přesunem do současnosti je v jeho rodném městě odhalena bronzová socha Kekuku La'ie „Oahu a luau se koná na jeho počest s významnými hudebníky z ostrova a členy rodiny. Předpokládalo se, že Kekuku nebyl nikdy komerčně nahrán, ale tvůrci objevili nahrávku, kterou natočil v Londýně v roce 1926, a hrají ji pro shromáždění, kteří jsou ohromeni, když poprvé slyší jeho hru na ocelovou kytaru. „Byl jsem tak vzat zpět, abych slyšel zaznamenat svého prastrýce,“ říká Archambault. Cyril Pahinui poznamenává "Musím uznat strýčka Joea. Kdyby nebylo jeho, možná bychom neměli ocelovou kytaru. Cítím se hrdý, že předávám tuto historii naší ocelové kytary. Takže naše děti, vyrábějí si vlastní ocel kytara." Když skupina hrála zpěvavou havajskou píseň na ocelovou kytaru, jedno z malých dětí v luau se ptá Archambaulta, „jak to znělo [Kekukuova kytara]?“ „zní to tak,“ odpovídá a ukazuje na ocelového kytaristu, „to je zvuk Havaje.“ Lydia Mendoza Lydia Mendoza Cestování po členitém roviny z Texas zvaná vášnivá hybridní hudba Tejano se vyvinula ze staletí konfliktů podél texasko-mexických hranic. Příjezd San Antonio v domě Hernandezových rodin vysvětlují, jak jejich babička, Lydia Mendoza, se narodil v roce 1916 v muzikálu "Mexická cikánská skupina". Lydinin otec pilně pil, často s Lydií zacházel špatně a pokřtil jejich skupinu Cuarteto Carta Blanca po oblíbeném pivu. V roce 1928 skupina úspěšně ucházela o Tommyho Rockwella, zvěda pro Okeh Records, a vystřihnout několik záznamů. Když neprodali, skupina se vrátila k zábavě migrující pracovníci který zahrnoval pravidelné překračování Hranice mezi Mexikem a USA. Americká pohraniční stráž nechala mladou Lydii umýt vlasy benzín a jak vysvětluje rodina, „pohlíželi na Mexičany jako na subkulturu a zacházeli s nimi tak.“ V roce 1934 Manuel J. Cortez, a rozhlasový moderátor vidí Lydii vystupovat na Plaza de Zacate a zve ji k účasti v talentové soutěži na jeho rozhlasový program. Získala o 35 000 hlasů, což přitahovalo zájem Eli Oberstein z Bluebird Records. Pořádá setkání s Lydií v hotelu Texas v roce 1934, kde zaznamenává „Mal Hombre“, vášnivé emancipační tango o chladném muži. Záznam je obrovským hitem a Lydia se pro něj stává ikonickou a inspirativní postavou Mexičtí Američané která ji pojmenovala „La Cancionera de Los Pobres“ („Zpěvačka chudých“). Její vnučka vysvětluje: „být v tom hispánský kultury, bylo pro ženu těžké stát na vlastní pěst. Ale byla to její vlastní osoba. A udělala to. “Rodina popisuje, jak sleduje, jak navrhuje a šije scénické kostýmy s flitry posetými po podlaze, a zobrazuje jeden z dramatických pláštěnek, které navrhla. druhá světová válka, Lydia odstupuje showbyznysu založit rodinu a je vidět jen výjimečně domácí filmy vystupování na rodinných setkáních. Její vnučka vysvětluje: „Zůstala několik let doma. Protože v takové kultuře jsme, jsme velmi blízká rodina, velmi milující.“ Rodina ji ukazuje knihy o složení plná jejích textů a skic pro její scénické kostýmy. Po válce Lydia pokračuje v turné a zaznamenává více než 200 písní a začíná jí být udělen národní uznání za její příspěvek k mexické americké kultuře, což má za následek pozvání k vystoupení na Slavnostní otevření Jimmyho Cartera v roce 1977. Prezident Bill clinton je vidět v roce 1999 představovat Lydii s Národní medaile umění a řekla: „Uměleckým hlasem a darem svých písní překlenula propast mezi generacemi a kulturou. Lydia Mendoza je skutečnou americkou průkopnicí a připravila cestu pro celou novou generaci Latino umělci, kteří dnes nutí všechny Američany zpívat. “V roce 2013 Poštovní služba Spojených států vydal a pamětní razítko na její počest. Její vnuk se ptá: „Kolik lidí může říci, že si na hranicích umyli vlasy benzínem a přesto je uznal prezident Spojených států, byli uznáni za vaše celoživotní dílo?“ Jeho sestra uzavírá: „Nikdo na tomto světě nemá takový příběh.“ Rodina Breauxů Vstupující do klikatých listnatých bažin Louisiana Bayou kde francouzsky mluvící Acadians vytlačen z Východní Kanada, kombinoval staré francouzské písně s hudbou z Španělsko, Německo, Afrika, místní Domorodí Američané vytvořit jedinečný muzikál - Cajun. Louis Michot vysvětluje, že "Cajunská hudba se vždy šířila po rodinách. Cajunská hudba se opravdu podobá krajině, ze které se rodí. Báječní jsou velmi křiví, klikatí a pomalí - stejně jako hudba může být velmi nekonvenční. Není čtvercová. Říkáme tomu je to „háčkování“. Znamená to „křivé“ a nepodobá se žádné jiné hudbě. “ Zaznamenaná hudba Cajun začíná u rodiny Breaux - kytaristy a zpěváka Cléoma Breaux, její bratři Amédée, Ophy, a Clifford a její manžel, Joe Falcon. Columbia Records lovec talentů Frank Walker odhaluje, jak se v roce 1928 rozhodl rozšířit repertoár etikety a prozkoumat okolí Lafayette, Louisiana kde je „ohromen zájmem, který byl o jejich malé sobotní noční tance. Jediný zpěvák by měl trochu nástroj harmoniky a jeden řetězec housle a a trojúhelník, to byly nástroje, ale vždycky měli zpěváka a samozřejmě zpívali Cajun "Organizuje nahrávání v terénu, kde Joe Falcon, Cleoma Breaux a Ophy Breaux nahrávají první Cajunskou píseň"Allons à Lafayette Falcon vzpomíná na Walkera a nahrávací společnost, že se „smějí, víš? Říkají tedy, kolik záznamů byste si ... objednali? Řekl, 500. Chytil [Falconova manažera George Burra] šeková knížka a on řekl, udělej si šek na 500 záznamů právě teď. Řekli 500? Řekli, že jsme nikdy tolik neprodali nikomu velký orchestr, jak bychom na světě mohli prodat 500 jen dvoučlenné kapele? No, řekl, udělej to. A proto jsme to zvládli a vyšlo to. “Záznam se stal obrovským úspěchem a Michot vypráví, jak si jeho dědeček a prateta vzpomněli, jak to slyšelo neustále hrát ze všech domů na Bayou a na hrdost, kterou to vyvolalo Cajunové, aby jejich hudba byla distribuována po celých USA. Vnoučata Amédée Breauxové sedí vedle Bayou; vysvětlují, že Amédée zvítězila v akordeonové soutěži procházkou přes krokve stodoly hrající „Allons à Lafayette“. Popisují hlučné koncerty Cajun kde je bojovný Breaux Brothers byli od publika odděleni kuřecí drát před pódiem: „Myslím, že tam byl kuřecí drát, aby se bratři Breaux nedostali k publiku. Ano, byli, byli něco jiného,“ poznamenává Jerry Mouton. Vztahují se k tomu, jak Cléoma přivedla své bratry k nahrávání pro Columbia Records v roce 1929, kde vystřihli Amédée “Ma Blonde Est Partie „uštěpačný nářek nad jeho ztracenou láskou, který se hraje za doprovodu záběrů z roku 1929 natočených v Rayne, Louisiana kde žili. Píseň je velkým hitem a její název je bowdlerized do „Jole Blon "a vztahuje se na Harry Choates, Buddy Holly a Waylon Jennings, a Bruce Springsteen, nakonec se stal Cajunská národní hymna. Vnoučata vynesou Amédéin akordeon 20. let, na který poprvé nahrál píseň, Ophyho originální housle a Cliffordův trojúhelník. Na oslavu jejich paměti vnuci Amédeé Breaux s Louisem Michotem provedli cover „Ma Blonde Est Partie“ na původních nástrojích, které jejich prarodiče nahráli už v roce 1929. Mississippi John Hurt Geniální starý Afro-Američan člověk je viděn hrát "Spike Driver Blues „v 60. letech televizní show. Po představení hostitel Pete Seeger, představí ho jako Mississippi John Hurt. Ptá se Hurta, jak se poprvé naučil hrát na počátku 20. století. Hurt odpovídá: „Neměl jsem žádného učitele. Byl jsem jen osmiletý chlapec. Šel jsem dovnitř a šel spát, ale nešel bych spát. Dostal jsem kytaru a [hrál] tiše]. Pokračoval jsem v tom, „dokud jsem se nenaučil hrát na jedno číslo a řekl jsem Páni ... A když jsem se naučil hrát na toto číslo, proč, bylo mi jedno, kdo to tehdy slyšel.“ V malém opuštěném, zarostlém osada z Avalon, Mississippi, film dorazí do skromné ​​chatky v lesní mýtině. Mary Francis Hurt zde vzpomíná, jak se kdysi jednalo o prosperující komunitu, přičemž záběry z opuštěných chátrajících chatrčí se rozpouští na fotografie stejných budov, o mnoho desítek let dříve obklopené měšťany a jejím dědečkem, Mississippi Johnem Hurtem. Popisuje benevolentní dědeček „úsměv byl jako oblázek hozený do jezera a ten by se jen rozšířil“. Larry Carver, starý vesničan, vzpomíná na radost, kterou pociťovala jejich malá komunita, když John Hurt poprvé nahrával. Hurtův bývalý manažer Dick Spottswood čte dopis od nahrávacího inženýra Okeh Records Boba Stephense: „S Tommym Rockwellem jsme se vydali na exkurzi do Memphisu, kde jsme již měli nějaké nahrávky připravené k nahrávání. Tommy mi řekl, že se o věci dokáže postarat, a navrhl mi zakopnout po deltě Mississippi a podívat se, co jsem našel v cestě závodní věci. Takže jsem navrhl, abychom uspořádali starodávnou houslistickou soutěž. Vítězové by dostali OKeh smlouva. Zatímco se to dělo, neustále jsme slyšeli o nějakém divokém bluesovém zpěvákovi jménem Mississippi John Hurt. Vydali jsme se ho tedy najít. Problémy, které jsme měli! Nakonec jsme ho vypátrali pozdě v noci. Než jsme zaklepali, museli jsme rozsvítit světlomety na dveře jeho chatrče. Ten chlap přišel ke dveřím, zatraceně blízko zbělel, když nás viděl. Myslel si, že jsme lynčovací párty. Řekli jsme mu, kdo jsme, a zeptal se nás dovnitř. Hodil do ohně několik polen. Vytáhl kytaru a začal zpívat. Byl skvělý! Takže jsme ho zarezervovali do Memphisu, udělal pro nás několik stran ". Hurt Records"Frankie "píseň založená na natáčení filmu z roku 1899 Albert Britt jeho milenkou Frankie Baker poté, co ho chytila ​​v posteli s jinou ženou. Jako „Frankie a Johnny“ se stal oblíbeným standardem, který zaznamenal Jimmie Rodgers, Bob Dylan, Stevie Wonder, a Elvis Presley. Nahrávací společnost pošle Hurtovi kopii záznamu, ale nemá gramofon. Jde do sousedova domu, aby vyslechl jeho záznam. Stoletá Annie Cooková vzpomíná: „Měli jsme ten starý čas Victrola že jsi zabočil A bylo to neuvěřitelné, jako když jsme dostali první auto, jak vzrušující bylo něco takového tehdy. “ Hurt dostane od Okeha dopis New York dělat více nahrávek. Nahrává tam jednu ze svých nejslavnějších písní „Candy Man“ a sám ve velkém městě píše poctu svému rodnému městu „Avalon Blues“; „Dostal jsem se do New Yorku dnes ráno, zhruba o půl deváté Hollerin, jedno ráno v Avalonu, těžko nemohl plakat.“ Vrací se do Avalonu a píše Okehovi v naději, že vytvoří další nahrávky, ale jeho dopisy zůstanou nezodpovězeny. The Velká deprese zasáhl a už 35 let vydělává na živých plodinách a myslí na krávy, jeho nahrávky zapomenuty. Archivář společnosti Columbia Records Michael Brooks vysvětluje, že v následujících desetiletích jsou mistři Hurtových nahrávek a 90% záznamů pořízených před druhou světovou válkou vyhozeni nebo roztaveni, aby bomby pro Válečné úsilí, s ironickým komentářem „může dojít k pádu Mississippi Johna Hurta nad Německem“. V 50. letech začali sběratelé záznamů znovu objevovat tyto pozoruhodné nahrávky 20. let a pokoušet se najít záhadné umělce, kteří je vytvořili, zejména Mississippi John Hurt, který inspiruje celostátní pátrání. Spottswood vzpomíná, jak v roce 1963 sběratel našel kopii „Avalon Blues“ a jak vyhledal Avalon v Atlasu a našel ji jako „tečku na silnici“ v Mississippi. Požádá přítele, který jede na výlet, aby se zastavil u města a zjistil, zda nenajde nikoho, kdo by si pamatoval Hurta. Když se jeho kolega dostane do Avalonu, obyvatel ho nasměruje na Hurtovu chatu. Mary Hurtová vzpomíná, že její dědeček už neměl kytaru a netušil, jak slavný se stal legií folkových a bluesových nadšenců. Spottswood dostane Hurt rezervovat v roce 1963 Newportský folkový festival a film ukazuje jeho dosud neviděné filmové záběry z jeho představení „Stagger Lee „Před zuřivým mladým publikem. Říká:„ Je to už docela dlouho, co jsem něco z toho udělal, a jsem opravdu šťastný, že jsem s Y'all. Víš, nemohu si pomoct, ale být šťastný. Nakonec si pamatuji, že jsem hodně z toho dělal, proč jsem byl ve společnosti OKeh Company a nahrával pro ně v 28 a 29. Spottswood mě tedy objevil dole v Avalonu v Mississippi. Proč, myslel jsem si, že je to opravdu legrační, řekl jsem proč, co jsem udělal? Tady je FBI hledá mě. “ Taj Mahal, který byl na festivalu, vzpomíná na hluboký dopad Hurtovy hudby na něj, „když jsem poprvé slyšel hudbu Johna Hurta, bylo to, jako by to byl někdo, koho jsem hledal, bylo to jako, ten hudební dědeček, kterého jsi hledal. měl další klíč k hudebnímu vesmíru “. Kytarou předvádí, jak Hurtova hudba ovlivnila jeho styl. Na vzácném barevném filmovém klipu Hurt předvádí „Louis Collins“, což Mahal vysvětluje, ukazuje, „jak jemnost s ním skutečně prošla“. Po návratu do Avalonu kráčí Mary Hurt lesem poblíž Hurtovy chatky; vysvětluje, jak Hurt, když tam lovil v roce 1966, dostal mrtvici. Skrčená u svého náhrobku v lese říká: „Řekla bych, že to byla tragédie, ale zemřel tak, jak miloval. A je pohřben na tomto místě. Je doma. Domov táty John.“ Annie Cook se slzami v očích říká: „No, vždy jsi slyšela, že černá je krásná a John byl jeden krásný muž. Byl laskavý a byl ... miloval lidi a lidé ho milovali. Jen bych si přál, abychom měli víc jako on." Jako repríza je Hurt viděn hrát „Spike Driver“ na Newport Folk Festivalu 1964 za nadšeného potlesku. Po představení je pohovor. Skromně vysvětluje, proč tam je: „No, víš, četl jsem to v bible, říká, že starší muži učí mladší. A já jsem rád, že mám něco, co chtějí. "V pozadí je slyšet hrát Boba Dylana"Pane tamburína „na nedalekém jevišti. Voyager 1 zvedne se zlatým diskem na palubě Slepý Willie Johnson Je vidět raketa vzlétající z Mys Canaveral. NASA vědec Timothy Ferris vysvětluje, že tato raketa byla Voyager 2, 1977 vesmírná sonda určené ke studiu vnější planety z Sluneční Soustava. Vysvětluje to, když to letí kolem Jupiter, je kosmická loď zrychlena na takovou rychlost, že se nikdy nevrátí do sluneční soustavy a „unáší se mezi hvězdami mléčná dráha galaxie navždy. “ Vysvětluje, že on a jeho kolega, astronom Carl Sagan, přišel s nápadem dát a zlatý gramofonový záznam kódovaný fotografiemi a zvuky ze Země, připojený k mezihvězdné kosmické lodi. Prozrazuje, že si vybral hudbu, kterou si nasadil na tento fonograf, a že to bylo zdrojem velké debaty: „Svět obsahuje mnoho druhů lidí a neexistuje nic jako nejlepší druh hudby. Není to olympiáda; nějaký skladatel nevyhrává. Mezi nejpokročilejší hudbu, kterou máme, patří západní klasická hudba a něco z toho na Voyageru - Bach a Beethoven, to jsou úžasné úspěchy. Ale jak by ti sami skladatelé řekli, například Bach byl v šestnácti letech houslista vysekávání. Beethoven byl studentem lidová hudba. Hudba vychází z velké masy lidí. Přichází pro každého, nejběžnějšího člověka a má navždy. Neexistují lidé, kteří by se hudbou nějak neúčastnili. Narazil jsem na to pozoruhodné Slepý Willie Johnson terénní záznam, vyrobený v Texasu, 1927, nazvaný „Temná byla noc, studená byla země ". Melodie je převzata ze staré Skotská hymna, sahá před mnoha staletími a byl transformován Williem Johnsonem. V této nahrávce neobsahoval žádné texty, pouze ji zpíval jako sténání nad kytarovou instrumentálkou. Mělo to nadčasovou kvalitu. “Jak kamera v noci prochází zemí, vysvětluje Ferris„ Je to jistě kousek o utrpení a tragédii života a pocitu být sám, zoufalý a bez domova. Noc ještě musí padnout kdekoli na planetě, aniž by se přesně v této situaci dotkla mužů a žen. Jednou z mých prvních priorit tedy bylo, dát tuto nahrávku na tuto nahrávku, která má trvat miliardy let. “Jak je vidět, že plavidlo opouští sluneční soustavu na své nekonečné cestě do vesmíru,„ Dark Was The Night, Cold Was The Při hodnocení kreditů se hraje země.

Rozvoj

Inspirace

Režisér Bernard MacMahon řekl: „Amerika mě fascinovala od dětství. Moje velká láska je americká kinematografie, zejména raná americká kinematografie, a vždy mě fascinovalo to období 20. let, kdy technologie a umělecký jazyk filmu byly vynalezeny. “^[24] Poznamenal, že ho současně fascinovaly umělce pro nahrávání hudby z 20. let.^[24] Odhalil American Epic filmy byly inspirovány reklamou v časopise v roce 2006 na bluesový festival v Lake District, představovat Honeyboy Edwards, Stesk po domově James, a Robert Lockwood Jr. - tři muži v devadesátých letech, kteří vyrostli ve 20. letech ve výšce Delta blues éra.^[25][26] Podle MacMahona „hlas ve mně řekl:„ Potřebuji vzít kamerový štáb a natáčet tam. Jednoho dne to budu potřebovat. ““^[27]

„Takže jsme se dohodli, že přineseme [film] osádka do venkovský hostinec kde pobývali a natáčeli je, jak mluví o svém mládí a hudbě, se kterou vyrostli, včetně jejich vzpomínek na formujícího génia stylu delty, Charley Pattona. “^[25] MacMahon recalled, "It was an amazing experience listening to these men who had lived through all the changes from the nineteenth to the twenty-first century…watching them sitting together, trading stories and talking about the music and the Delta and how both had changed, and getting a sense of their outlook and the way they related to each other was a very profound experience."^[25] MacMahon said that when he screened the footage for his producer and screenwriting partner, Allison McGourty, she said, "This is great…We need to make this into something larger."^[21] MacMahon decided the films would "explore the vast range of ethnic, rural, and regional music recorded in the United States during the late 1920s."^[28] A story he considered would bring together music, social issues, freedom of speech and technology.^[29] He also viewed the story as fundamental in culturally, creatively and technologically shaping and influencing the modern world.^[4][5] MacMahon said this was the first time America heard itself. He posited that these 1920s recordings "allowed working people, from Native American farmers to a woman picking cotton in Mississippi, to have their thoughts and feelings distributed on records throughout the whole country. On the modern digital platform, we take that freedom of speech for granted. Back then, it was a revolutionary idea."^[5]

Výzkum

MacMahon began extensively researching the period, concentrating on approximately 100 performers who had made recordings in the late 20s and early 30s at the field recording sessions.^[30][26] With very little information about the 1920s field recording sessions and the artists involved published in books,^[31] MacMahon elected to research almost exclusively in the field by tracking down eyewitnesses and direct family members to piece together the most accurate picture of the events at that time.^[5] One of the artists he was endeavoring to track down was Dick Justice. Suspecting that Justice was from západní Virginie a a Horník, MacMahon began running stories in the místní noviny from the 1920s coal mining communities in West Virginia that were still in print. After a number of failed attempts, he ran an advert in the Logan Banner that read, "British film company looking for relatives of Dick Justice." The advert resulted in a response from Bill Williamson who knew Justice's daughter, Ernestine Smith. Ernestine, who was in her late eighties at the time and still living in Logan, had a photograph of her father and dramatic stories of his life in the coal mines and his recording career. Bill Williamson revealed his father was the founder of another legendary group from the period, Williamson Brothers.^[32] Inspired by what he'd discovered, MacMahon began to pursue other musicians of interest from the era. His production partner Allison McGourty encouraged him to use this research for the basis of a film.^[21] She reasoned that this would be the last opportunity to tell these stories before all the direct relatives and witnesses had died.^[33] MacMahon, on embarking on this vast research expedition, commented that "almost a century later, we wanted to see if we could still experience that music directly, among the people who made it, in the places it was played. We started by choosing some artists and recordings that we found particularly moving, then set out to trace them through space and time. At times it seemed a quixotic quest, but as we traveled, we kept being startled by the overlaps of old and new, the ways in which the music of the past continued to resonate and reflect the present. We had left our home in twenty-first-century Británie to travel across a foreign country and deep into the past, but over and over again, the people we met and the places we visited felt very familiar and very much in the present."^[28]

MacMahon and McGourty travelled extensively in 37 Státy USA for over 10 years researching the films.^[34] Some performers, like the Breaux Frères, had been misrepresented for years by erroneous photographs^[35] while others, like Elder J.E. Burch and the Hopi Indian Chanters, had no known photographs and no biographical information whatsoever.^[7][36] These had to be found by carefully studying census records and recording ledgers, and by placing adverts in local papers to help locate living family members.^[31][37] In the case of Burch, a solitary reference in a 1927 Victor Records recording ledger to Cheraw, Jižní Karolína led the producers to travel to that town. When they arrived, they did not find anyone who remembered the preacher until they were introduced to Ted Bradley, a town elder who attended Burch's church as a boy in the 1930s.^[12] Bradley took them to Burch's church and revealed that Burch had been an emancipatory figure in the town, helping found the local chapter of the NAACP and unifying the black and white townsfolk at a time of extreme segregace.^[38] Bradley introduced them to another contemporary, Ernest Gillespie, who revealed that his cousin had lived next door to Burch's church and that Burch's music had inspired him to pursue a career in music. That cousin was Dizzy Gillespie, a major figure in the development of bebop and modern jazz and one of the greatest jazz trumpeters of all time.^[39][37] MacMahon researched other little-known musicians, like Joseph Kekuku, whom they confirmed to be the inventor of the Hawaiian ocelová kytara. They charted his journey from Oahu to the mainland and uncovered his touring itineraries which demonstrated how he had popularized that instrument throughout Severní Amerika a Evropa, resulting in it being incorporated into Delta blues, country, African Jùjú a dokonce Pink Floyd.^[40][41] One of the biggest challenges was that the first electrical recording equipment from 1925 that made the field recording sessions possible^[4][26] had not been seen in almost 80 years.^[42] This equipment had huge scientific and cultural significance,^[5][29] as it was not only the origin of all modern electrical sound recording today, but also was used to record sound for the first mluvící obrázky.^[42][43]

The production's sound engineer, Nicholas Bergh, spent ten years rebuilding the recording equipment from parts scavenged from around the world^[27] and the team located the first ever period images of the equipment from an archive of over 1,000,000 uncatalogued photos in the Western Electric archiv. Most importantly, they located the rare film footage showing it in operation from a film collector in Belgium and a severely damaged reel in the Britský filmový institut.^[35][44] MacMahon summarized the research, stating the "process wasn't all sunshine and smiles—we traveled to beautiful places and met some of the most wonderful people we have ever known, but we also heard stories of poverty and discrimination, of hard times and troubled lives. The power of the music comes in a large part from its role as a comfort and release for people trapped in difficult situations. But the journey was always rewarding, not despite, but because of those connections. As we traveled, the songs became less and less connected to old discs and vanished eras, and more and more to living people and communities."^[37]

Výroba

Rozhovory

MacMahon resolved to interview only direct family members and first-hand witnesses for the documentary series.^{[1][3][12][45]} With the large amount of new and unpublished research in the films,^[8] he deemed it would be inappropriate to interview historians as they would be ineffective commenting on stories that were entirely based on new research.^[35] MacMahon also felt that the stories were the property of the family members, and it was their sole right to tell them.^[35][46][47] Some of the interviewees were close to 100-years-old, and a number of them died shortly after filming.^[48] MacMahon used every available archival interview with the performers themselves although filmed examples were extremely uncommon. Very rare archival audio interviews were used with key characters like Joe Falcon, Maybelle Carter, Will Shade, Ralph Peer a Frank Walker.^[12] These required extensive restoration work by the audio team to render them usable for the film.^[49] MacMahon remarked that the original ¼ inch tape of the Peer interview was "virtually unintelligible before Nick [Nicholas Bergh, sound engineer] got his hands on it, but it was vital for the audience to get a sense of this man's personality by any means possible."^[35]

Natáčení

All filming for the series was done on location with interviewees shot in places of significance to each story – on the porch of Maybelle Carter's house in Maces Spring, Virginie for the Carter Family story;^[12] in the building of the former Monarch Nightclub in Memphis, Tennessee pro Memphis Jug Band příběh;^[51] and on the shores of Oahu pro Joseph Kekuku příběh.^[27] The production involved extensive filming trips across 37 states^[52] that producer Allison McGourty coordinated "from Cleveland, Ohio do Mexický záliv a od New York na Havaj."^[53] MacMahon determined a comprehensive anthology of the period was impossible within the time constraints of a documentary film series.^[21] Mindful of the vast number of musicians who participated in these recording sessions, MacMahon decided to focus on eleven stories in detail to give the viewer an emotional connection to the musicians and their music, and to their culture and geographical surroundings.^{[10][54][55][56]} He employed a creative device to demonstrate that the films were a selective exploration; each story began with a leather bound 78rpm record album, of the type used in the 20s, being opened to reveal sleeves containing the disc of the artist that would be the subject of the story, thereby indicating that this story was one of thousands in a vast library.^[10] This technique is known as an antologický film. MacMahon said he took his inspiration for this approach from "one of my favorite films – Dead of Night."^[35]

Kinematografie

Extensive tracking shots were filmed of the landscape in each state and used as a device to demonstrate how much the geography influenced the music of the musicians in the 1920s. MacMahon explained, "As a filmmaker, I'm fascinated by how the eye informs the heart. Driving through these remote locations with the film crew, we would play the music from that area in the van and it was extraordinary how closely the melodies and rhythms reflected the terrain from which they sprung. I see music visually and I think it mirrors its environment perfectly. The music of the Hopi sounded otherworldly when I first heard it, but after traveling to the Hopi reservation and having the honor of being allowed to film there, I started humming their songs. 'Chant of the Eagle Dance' now sounds like a pop single to me."^[7] He added, "Things sound like the place they're from, the music makes sense. You're never going to hear Miles Davis make more sense than listening to him in a New York cab, and the Carter Family will never make more sense than if you listen to the music, watching the farm scenes from the 1920s from right where they lived."^[24] MacMahon coined the term "geographonics" for this phenomenon.^[57] MacMahon went to great lengths to find the locations of old historic photographs related to the stories and made frequent use of dissolves between these old photographs and contemporary footage he shot to show the passage of time.^[35] The interviews were all filmed using an Arri Alexa on a slider or a kamera dolly. All the interviews and the occasional musical performances were storyboarded by MacMahon prior to filming.^[58] "We set out to explore why particular recordings gave us particular feelings and touched particular emotions and found that an important part of that was the way they reflected particular communities and the particular geography of the places where those people lived. The more we traveled, the more we became convinced that sounds and styles arise from specific environments, and you can only truly understand them when you go where they came from. Of course, you can enjoy music without hearing it in its native setting, but we kept finding that we had never fully experienced a recording or felt it to the depth of our souls until we listened to it in its home."^[54]

Úpravy

Dan Gitlin, senior editor on the films, developed a pacing for the series in collaboration with director Bernard MacMahon to complement the leisurely speaking pace of the elderly interviewees.^[35] MacMahon said when Robert Redford offered to narrate the film he knew it would match the editorial style. He described Redford's voice as "untainted but also very American" adding that "he has a very low-key, understated way of speaking that suits this film. His voice has no baggage but it has enormous gravitas; it sounds like Mount Rushmore."^[24] MacMahon decided to showcase most of the archival music performances in their entirety. He said, "This technique was employed to allow the viewer to emotionally connect with unfamiliar music smoothly."^[35] Intense research went into ensuring all the archival film clips and stills were from the correct location and time period of each story.^[31] This technique was used to match the music with the landscapes that had inspired it.^[30] All the archival film footage and stills were naskenovaný at the highest possible rozlišení, and extensive obnovení work was undertaken on hundreds of rare and damaged photographic stills.^[5][20][52] Producer Allison McGourty explained that "it was really to do justice to the people themselves and the families, because for example when we found photos of Mississippi John Hurt or [the Tejano musician] Lydia Mendoza you want the public now to see them as they were then, which was beautiful. You don't want to see them in a raggedy old photograph, so we wanted to do justice to them and once you start doing [restoring] one, you have to do all of them."^[59] MacMahon was dissatisfied with the contemporary methods of presenting archival film footage in documentaries and innovated a new technique to blend the 4:3 poměr stran of the 1920s film footage^[60] with the 16:9 aspect ratio of his contemporary footage. Traditionally the 4:3 footage had been either panned and scanned to fill the 16:9 screen, losing the top and bottom of the image, or reproduced intact with pillarbox, resulting in black bars on either side of the frame.^[60] To overcome this, MacMahon overscanned the nitrátový film revealing the edges of the frame and created mattes out of scans of the black vůdce from the same film reel to create a 16:9 frame. This new technique, called "Epic Scans" gave a full-screen appearance to archival film clips without losing any of the images, allowing the viewer to experience these clips as they were originally intended but on a widescreen format without cropping or black bars.^[52][61]

Zvuk

New sound restoration techniques were developed for the films and utilized to restore the recordings featured in the series.^[21] The 78rpm disc transfers were made by sound engineer Nicholas Bergh, using reverzní inženýrství techniques garnered from working with the first electrical recording system on The American Epic Sessions^[62] along with meticulous sound restoration undertaken by Peter Henderson and Joel Tefteller to reveal greater fidelity, presence, and clarity to these 1920s and 1930s recordings than had been heard before.^{[10][62][63][64][65]} Nicholas Bergh commented that the 1920s recordings "are special since they utilize the earliest and simplest type of electric recording equipment used for commercial studio work. As a result, they have an unrivaled immediacy to the sound."^[9] Some of the recordings were repressed from the original kovové části, which the production located while researching the films.^[66] Peter Henderson explained, "In some cases we were lucky enough to get some metal parts – that's the originals where they were cut to wax and the metal was put into the grooves and the discs were printed from those back in the '20s. Some of those still exist – Sony had some of them in their vaults"^[65] The same care was taken in transferring and restoring the audio pulled from archival film clips, again using techniques and proprietary equipment devised by sound engineer Nicholas Bergh, who specializes in the restoration of audio tracks for the major Hollywoodská studia.^[42] The films were mixed in mono to match the contemporary audio with the 1920s and 1930s recordings.^[35]

Soundtracks and albums

The quality of the audio restoration of the recordings used in the film series inspired MacMahon, McGourty and Erikson to source the best surviving masters of over 169 songs from the period and reissue them on a series of nine compilations.^[53] One compilation, American Epic: The Soundtrack, selected musical highlights from the American Epic films and five other compilations collected the best performances by some of the musicians profiled in the films. There was a country and blues compilation and a five CD 100 song box-set, American Epic: The Collection,^[67] featuring one track by each of the hundred artists researched as potential subjects for the films.^[68]

Rezervovat

A book documenting the 10 years of research and journeys across the United States to create the American Epic films was written by MacMahon, McGourty and Elijah Wald. American Epic: The First Time America Heard Selfelf was published on May 2, 2017, by Simon & Schuster.^[69]

Recepce

Uvolnění

The film was previewed as a work in progress at film festivals around the world throughout 2016, including a Special Event at Sundance hostila Robert Redford,^[70] Mezinárodní festival dokumentárních filmů Amsterdam,^[71] Denver International Film Festival,^[72][73] Filmový festival v Sydney,^[74] a Britský filmový institut. The film was completed in February 2017 and aired on PBS in the US and BBC in the UK in May and June 2017. An NTSC DVD and Blu-ray of the series was released in the US on June 13, 2017.^[67]

Kritický příjem

The films were released to widespread critical acclaim, with many publications praising the direction, cinematography, archive footage, research and the quality of the sound.^{[5][9][17][18][19][20][75]}

Mike Bradley wrote in Pozorovatel, "Bernard MacMahon's landmark documentary series is one of the most interesting music programs ever broadcast. It's hard to believe so much fascinating material can fit into one film. A gorgeous history lesson and exceptional television."^[17] Randy Lewis v Los Angeles Times described the films as "an extraordinary star-studded four-part music documentary exploring the birth of the recording industry and its impact on world culture"^[3] Catherine Gee in The Daily Telegraph wrote, "This landmark three-part documentary from British director Bernard MacMahon brings us an evocative account of the birth of recorded music and the USA's cultural revolution."^[76] Michael Watts in Ekonom described the series as "an unmissable new trilogy of documentaries, [which] uncovers the origins of popular music. One of the strengths of the films is that they resurrect the forgotten and obscure. Hardly anyone remembers J.E. Burch, a preacher from South Carolina who, in 1927, recorded 11 tracks of 'sanctified' music with his church choir that presaged the rage for gospel. Fewer still know that he inspired another musical giant, Dizzy Gillespie, who was raised a block away from his church in the town of Cheraw."^[19]

Iain Shedden v Australan reported that "one of the highlights (and audience prize winner) of last year's Sydney Film Festival was the American Epic series of documentaries by British filmmaker Bernard MacMahon and producers Allison McGourty and Duke Erikson. It's an exquisite representation of the primitive power of American roots music and its enduring charm - music that stirs the soul."^[77] Elizabeth Nelson in Pánský deník observed that "over the decades, many filmmakers have dealt with the rich and woolly topic of American roots music, but few have ever approached the ambition of the current three-part PBS documentary American Epic. An immersive and panoramic overview of American song in the 20th century, the film tramps an itinerant path throughout the roadhouses and juke joints of the rural South, the border towns of Texas and the Southwest, and eventually reaches as far as Hawaii. Abetted by the extraordinary vintage footage, much of it recently unearthed, American Epic offers fresh revelations regarding artists ranging from the iconic to the obscure, all the while stitching together the diverse quilt of regional and cultural influences into a coherent and stunning whole."^[7]

Alain Constant reviewing the French broadcast in Le Monde wrote, "this documentary retraces with archive and testimonials the wonderful epic poem of country music, gospel, rhythm, and blues. American Epic is an ambitious project led by film director and producer Bernard MacMahon. His mission to trace the history of the origins of American popular music. The final result of this work co-produced with Arte, BBC Arena, and the ZDF, is impressive, with exceptional film and sound archives, as well as unpublished testimonies spread over three and a half hours."^[78] Steve Appleford in Valící se kámen described the series as "The Lawrence of Arabia of music documentaries"^[79] adding that "the goal was not simply to retell the Wikipedia version of the story. MacMahon and producer Allison McGourty spent a decade seeking original sources in the field, going from family to family. They discovered artifacts and previously unknown photographs of such originators as Son House, the Memphis Jug Band, and West Virginia mine workers the Williamson Brothers and Dick Justice."^[79] Garth Cartwright in Písňové linky stated that "as a connoisseur of American music I'm constantly surprised by some of the musical treasure American Epic discovers and shares. Not least the Hopi Indian snake dance footage of a performance in front of the Capitol in Washington, DC in 1926, a stunning find."^[75]

Phil Harrison in Opatrovník wrote that "from the jug-bands of Memphis to the woebegone country blues of the Appalachian Mountains, early 20th-century America was full of unique musical forms developing in isolation. This first episode of a three-part series deals with the 1920s, the first decade during which these disparate yet analogous styles took flight from their places of origin and reached the rest of the nation. It's a treasure trove of picaresque stories, evocative footage and strange and beautiful music."^[80] Jay Meehan in the Parkovací záznam, covering the launch at the Sundance Film Festival, wrote, "Thursday night's Sundance special event at the Eccles Center was one not to miss. One thing that came through quite clearly from the entire evening is how deeply everyone involved cares about this project."^[81] Ellie Porter in TVTimes awarded the show 5 stars, calling the series "an absolute treat."^[82] Brian McCollum in the Detroit Free Press noted that the films were "stocked with rare images and scrupulously restored audio,"^[5] explaining how "American Epic solves mysteries, brings a lost musical era back to life."^[5] He praised it as "a documentary which pairs a scholarly eye for detail with a buoyant fan passion."^[5] Sarah Hughes in Pozorovatel noted that Robert Redford's "languid tone is a perfect fit," and that "this three-part documentary is a deep dive into the music that built America. Along the way love is lost, younger generations step up to the mic and reputations fade, but, as this glorious film makes clear, the music is always there, still vibrant and vital despite the passing of the years."^[83]

Joe Boyd v Opatrovník praised the series as "remarkable ... American Epic, tells the story of how this existential moment for the music industry coincided with the arrival of electrical recording. Victor and Okeh Records' response to the crisis laid the groundwork for popular music as we know it today. Filmmakers Bernard MacMahon and Allison McGourty have focused on key individuals and archetypal stories, bringing the characters and times to life with great sensitivity and thoroughness. Here, we see the birth of 'race records' and country music, two strands of the fast-expanding record industry that converged, in 1954, with Elvis and rock 'n' roll. The series shows us how the record industry introduced America to its true self, selling hundreds of thousands of records in cities as well as in the sticks, and creating a worldwide taste for the rural roots of urban music. While the first three parts of the series delve into history, making up for the absence of live footage with great interviews and a stunning assemblage of photographs, the fourth crowns the achievement with something different. Miss it at your peril."^[20] Jonathan Webster in Ať žije vinyl wrote, "An Anglo-American team of documentary filmmakers, led by producer Allison McGourty and director Bernard MacMahon, set out on an epic journey to explore the huge variety of folk, rural and rregional music recorded in the United States during the late 1920s, culminating in a magnificent BBC TV series called American Epic"^[21] adding "with wins and nominations already earned at various film festivals, including Calgary and Sydney, it's a safe bet American Epic is going to carve a niche in the pantheon of TV's great documentaries."^[21] Ben Sandmel in Znáš Louisianu pointed out that "instead of presenting a host of music experts as talking heads, American Epic takes a novel and commendably populist approach by interviewing descendants of the featured musicians, or people who actually knew them. The most effective use of this technique can be seen in a segment about Elder J. E. Burch, a deeply soulful gospel singer from Cheraw, South Carolina. In Cheraw, director Bernard McMahon interviewed an elderly man named Ted Bradley, who had been a member of Burch's congregation. The scene where Bradley sees a photo of Burch for the first time in seventy years is truly touching, and such moments stand among the series' greatest strengths."^[45]

Daniel Johnson in Kurýrní pošta concurred, noting that "one of the most touching moments in the series occurs when MacMahon and his team meet with an elderly man named Ted Bradley in the small town of Cheraw, South Carolina. In his youth, Bradley had been a member of musician and preacher Elder Burch's congregation, and when the American Epic team produced an old photo of Burch, Bradley's emotion is palpable. Similar scenes are repeated throughout the series and for MacMahon, being able to go to the sources, the places where the artists featured came from and where they wrote their songs, and talk to their descendants, gave him an even greater appreciation for the music."^[24] David Brown in the Radio Times praised the series as "a deep loving look at the roots of American popular music"^[84] noting, "There are dozens of lip-smacking clips in this series about America's formative music."^[85] Ludovic Hunter-Tilney in the Financial Times wrote that "the project's scope is vast but its argument is simple" acknowledging how "exhaustive legwork and first-rate archive footage bolster the narrative. Relatives of long-dead musicians are tracked down while archivists bring to light the fieldwork of record label scouts and recording engineers. In a touching vignette, three bluesmen in their nineties reminisce about their great predecessor Charley Patton; each of the trios died soon after the interview was made."^[48] He concluded, "Appearing at a time when the nation's lack of unity is starkly visible, American Epic makes for a beautifully presented, richly enjoyable fairy tale"^[48] Matt Baylis v Denní expres wrote, "In this sweeping, electrifying, Old Testament-style account of America's musical journey, it was fitting that the first chapter ended in Memphis, with a young man called Elvis Presley, whose sound merged the two kinds of lightning Peer had captured in his bottles. The rock of the mountains and the roll of the streets."^[86]

Robert Lloyd in the Los Angeles Times praised the series as a "useful reminder that there is more to life than the noise coming from our capitals and cable news. Music may not save the world, but it unites us anyway. It can still knock holes in our prejudices, making way for open hearts and willing spirits. I don't mind telling you I got a little emotional watching this series, and you might too."^[87] Robert Baird dovnitř Stereofil commented that "the films have a wise structure that uses a single tune by a single artist such as Tejano/conjunto legend Lydia Mendoza's 'Mal Hombre' as jumping-off point for a deep dive into that artist's life and career" and praised the sound commenting, "What's most interesting for audiophiles is the huge improvement in the quality of the sound coming from these 78 transfers, both in the film and especially in the 5-CD boxed set of the same name." He adds that "the resolution and level of detail on these CDs is audible and impressive."^[9] Blair Jackson dovnitř Akustická kytara stated, "Be sure to check out the brilliant three-part documentary series American Epic. The story is masterfully told by director Bernard MacMahon, who artfully combines amazing archival footage, still photographs, vintage recordings, old and new interviews. Rather than attempting some sort of comprehensive historical narrative littered with endless names and factoids (Robert Redford is the series' calm and thoughtful narrator), MacMahon has chosen to focus on a few representative musicians from different genres to tell the tale in a more personal way. It's an approach that really brings the history to life. I can't recommend this series highly enough. It's constantly entertaining and inspiring, often moving (such as the section on Hopi Indian music), and full of surprises."^[18]

The films have received a number of awards, including the Foxtel Audience Award at the 2016 Sydney Film Festival^[88] and the Discovery Award at the 2016 Calgary International Film Festival,^[14] and were nominated for a Primetime Emmy for Outstanding Music Direction.^[15] 23. dubna 2018 se konal Focal International Awards nominován American Epic for Best Use of Footage in a History Feature, as well as Best Use of Footage in a Music Production.^[89]

Ocenění

Reference

Poznámky

Bibliografie

• Wald, Elijah a McGourty, Allison a MacMahon, Bernard. American Epic: The First Time America Heard Selfelf. New York: Prubířský kámen, 2017. ISBN  978-1501135606.

externí odkazy

• American Epic na IMDb
• Oficiální webové stránky