Indiánské ženy v umění - Native American women in the arts

Ženy v indiánských komunitách po staletí vyráběly umění propojené s duchovnem, životem a krásou. Podle umělkyně ze smíšených médií Nademy Agardové „domorodé Američanky byly vždy nedílnou součástí tvůrčí vize a nadále přispívají k indické estetice samostatně, ve spolupráci s jinými ženami a v tandemu s indiánskými muži. "[1] Ženy pracovaly na výrobě tradičního umění a předávaly tato řemesla z generace na generaci, stejně jako současné umění v podobě fotografování, tisk, a performance art.[2]

19. století

Edmonia Lewis, sochařka

Edmonia Lewis, an Afro-Američan -Ojibwe sochařka v polovině 18. století začala studovat na Oberlin College, vysoká škola známá jako první ve Spojených státech, která přijala afroamerické studenty. Právě tam Lewis změnil své jméno Ojibwe Wildfire kvůli diskriminaci a tlaku, který cítila z komunity.[3] Po přestěhování do Bostonu v roce 1863 začala studovat pod vedením populárního sochaře Edwarda Augustuse Bracketta a tam vytvořila bustu Plukovník Robert Gould Shaw, velitel afroameričana 54. pluk. Tato práce získala velkou pochvalu od komunity, včetně té od kolegy sochaře Harriet Hosmerová[4] a rodina Shawů, kteří se nabídli, že poprsí koupí.[5] S platbami, které obdržela od Shawovy podoby, mohla Lewis financovat její cestu Řím, Itálie v roce 1865. Tam rozšířila své umění v neoklasicistní říše a stala se první americkou ženou, která hledala výcvik v neoklasické sochařství.[6]

V Římě sdílel Lewis prostor, ateliér italského sochaře z 18. století Antonio Canova,[5] s kolegou sochařem Anne Whitney.[7] Lewis začal řezat do mramoru, aby se vyhnul obvinění některých umělců z kolegy, že jejich práce byla prováděna studiovými kameníky.[8] Inspiraci našla ve svém dvojím původu, abolicionistickém boji a občanské válce. Další její velkou inspirací byla práce Henry Wadsworth Longfellow a jeho báseň, Píseň Hiawatha, a na jeho počest vytvarovala bustu kvůli jejímu obdivu. Jak popsala Anne Whitney, „pan L. seděl za ní a myslí si, že je to nyní docela důvěryhodný výkon, myslím, že je lepší než mnoho jeho podob.“[7] Další její známá socha, Navždy volný, stojí z bílého mramoru. Inspirováno Vyhlášení emancipace,[9] zobrazuje muže se zdviženou rukou se zlomeným řetězem a poutem. Vedle muže se modlí žena na kolenou.

V roce 1876 byla Lewisova práce představena na Philadelphia Centennial Exposition. Lewisovo epické dílo, Smrt Kleopatry, byl pro tuto příležitost představen. V tomto díle ztvárnila Egyptský královna ve zranitelném stavu, což bylo na tu dobu bezprecedentní. Umělec William J. Clark tehdy uvedl:

tato Kleopatra ... připomínala skutečnou hrdinku historie ... Kleopatra slečny Lewisové, stejně jako postavy vyřezávané Storyem a Gouldem, sedí na židli; jed aspu udělal svoji práci a královna je mrtvá. Účinky smrti jsou představovány s takovou dovedností, která je absolutně odpuzující - a je otázkou, zda socha příšerných charakteristik této postavy nepřekračuje hranice legitimního umění. Kromě všech otázek vkusu jsou však nepopiratelné pozoruhodné kvality díla, které by mohl reprodukovat pouze sochař velmi originálních dotací.[10]

Angel De Cora, malíř

V pozdních 1800s Angel De Cora (Ho-kus ) byl malíř a spisovatel, který přispěl k umění jako domorodý Američan, který byl asimilován prostřednictvím politika vztáhl Prezident Grant. Její nejčasnější obrazy se objevily s jejími vlastními příběhy, Nemocné dítě a Dcera šedého vlka, v Harperův časopis. Ve svém psaní se De Cora snažila změnit postoje k domorodým Američanům a popsala situace, s nimiž se mohl každý spojit. De Cora měl talent kombinovat směs indiánského malířského stylu s v té době populárním evropským americkým stylem, jinak popisovaným jako transkulturace, a odrážela emoce z jejích příběhů v jejím umění. Její úspěch s jejími příběhy v Harper je jí pomohl nastartovat kariéru v ilustrování knih o domorodých Američanech pro děti. Ačkoli měla jiné umělecké zájmy, její profesoři ji povzbuzovali, aby se věnovala umění ovlivněnému domorodými Američany kvůli jejich myšlence, že umění a etnická příslušnost jsou spojeny.[11] Ačkoli De Cora vzkvétala jako umělec, stále byla rozpolcená mezi dvěma identitami, které na ni byly kladeny: jednou ušlechtilý divoch, druhý produkt úspěšné asimilace, a ačkoli Harper je publikoval svou práci, popsal ji jako „naivní ... indickou dívku“[12] a jeden z jejích mentorů o ní řekl jen toto: „Bohužel to byla žena a ještě více bohužel americká indiánka.“[13]

V roce 1900 dostala De Cora příležitost navrhnout průčelí pro etnolog Francis LaFlesche kniha, Prostřední pětka, a brzy poté vyhrál soutěž o návrh obalu knihy.[11] Na obálce vytvořila vlastní typografii s vlastním indiánským vlivem a ilustrovala ji zjednodušujícím stylem, který byl v té době populární. Nedlouho poté, co se De Cora stal profesorem domorodého indického umění na Carlisle indická průmyslová škola v roce 1906 a byla investována do budování ocenění pro indiánské umění a historii s myšlenkou na myšlenku vnést indiánské umění do tradiční kultury.[14] De Cora cítil umění bylo ústřední pro ekonomické přežití a zachování indiánské kultury[15] a vyzvala své studenty, aby spojili své indiánské umění s moderním uměním a vytvořili tržní předměty, které by mohly být použity v domácím designu.[16] De Cora tím umožnil trend směrem k umění. Věděla, že domorodí Američané časem zanechají určité aspekty své kultury, ale také cítila, že umění bude jednou z věcí, které vytvoří jednotnou komunitu a pomohou domorodým Američanům být hrdí na své dědictví. „Může se zbavit své vnější kůže, ale jeho znaky leží pod tím a měl by se ukázat jen jasnější,“ řekla o domorodých Američanech během projevu v řízení z roku 1911. Společnost amerických indiánů.[17]

Dat So La Lee, košíkář

Ačkoli historie Dat So La Lee je mírně mýtická kvalita, co se o ní ví, je její objev Amy a Abe Cohn v roce 1895, pro které byly její koše neuvěřitelně zajímavé. Cohnsové začali prodávat své koše ve svém obchodě v roce 1899 turistům z Lake Tahoe.[18] Ačkoli její košíkářství bylo uctíváno, jako mnoho tehdejších domorodých Američanů Dat So La Lee byla představena Amy Cohn jako ušlechtilý divoch prostřednictvím svých přednášek. „Celému publiku neexistovala nesrovnalost v tom, že by bílá žena vysvětlila symboly koše, zatímco tkadlkyně mlčela.“[19] Dále, Dat So La Lee Obraz byl na letácích zobrazen jako prostoduchý, neatraktivní rodák, kterého musel Abe Cohn snášet.[18] Cohnovci si vymysleli většinu svého života pro vlastní reklamní účely. to bylo Dat So La Lee kdo vytvořil degikup styl tkaní košů,[18] ačkoli se Amy Cohn na přednáškách raději chlubila, šlo o rodnou „předkontaminační“ minulost (tedy dříve, než se objevili evropští osadníci). Během této doby bylo hodně přivlastňování a romantizace indiánské kultury populární, a to nutně nebylo na místě: Amy Cohn se na své přednášky oblékala do rodných regál.[18] Nakonec Cohnovi jako trik ke zvýšení poptávky po koších oznámili, že koše budou vyráběny čím dál méně kvůli blížící se slepotě Dat So La Lee,[20] ačkoli reportér v té době, který dělal rozhovor s Abe Cohnem, obviňoval pokles z alkoholismu.[21] Zda jsou některá z těchto tvrzení pravdivá, není dokumentována.

20. století

Fotografování bylo na přelomu století novým médiem a ženy jej rychle přidaly do svého repertoáru a našly způsoby, jak prostřednictvím svých obrazů posílat silné zprávy o identitě.

Tito fotografové zobrazují své kultury ne jako mizející, ale jako součást živé, asertivní skupiny lidí, kteří jsou přesvědčeni o důležitosti jejich kultur v minulosti, jejich důležitosti pro současnost a jejich vlivu na budoucnost. Někdy používají obrázky identifikované s indickými kulturami, ale tyto obrázky se nepoužívají jako emblémy generické jednotné minulosti. Místo toho obrazy nesou konkrétní zprávy nebo příběhy o tom, jak jednotliví umělci interpretují rodinnou a kmenovou historii, jak prožívají přítomnost nebo co promítají do budoucnosti.[22]

Jennie Ross Cobb (Čerokee ) začal prezentací rušit stereotypy o domorodých Američanech Čerokee ženy, které byly „připravené, sebevědomé, módní, sebevědomé nositelky dvou kultur a nesmírně hrdé na své dědictví Cherokee“.[22] Cobb, pravnučka šéfa Cherokee John Ross, začal fotografovat jako dítě v Tahlequah, Oklahoma po obdržení kamery od jejího otce.[23] Ačkoli formální pózy byly v té době tradičnější, Cobb trval na fotografování žen při každodenních činnostech. Prostřednictvím své fotografie dokázala Cobb zachytit ženy s péčí, kterou žádný jiný fotograf nemohl na médium přinést. To bylo přičítáno Cobbově úzkému spojení s jejími poddanými a schopnosti, jako Hulleah Tsinhnahjinnie říká: „skutečně (představte si) indiánské ženy s láskou a humanizujícím okem.“[24]

Jako dítě Mabel McKay (Pomo ) měl sny která předvídala její role sajícího lékaře a košíkář. Během těchto snů se naučila plést koše již ve věku šesti let[25] a byl inspirován pro designy a jejich speciální použití.[26] McKay věřil, že „koše jsou živé bytosti, nejen hezké předměty, na které je třeba se dívat, a každý koš má určitý účel.“[25] Propojila koše s lékařským uzdravením a dala by pacientovi vlastní koš.[25] McKay začala pořádat kurzy, aby se podělila o své dovednosti tkaní košíků, a pomohla představit tradiční tkaní košíků těm, kteří jsou mimo komunitu domorodých Američanů. V letech 1950 až 1960 McKay také dělal mluvení na veřejnosti na univerzitách a muzeích v Kalifornii ohledně indiánské kultury a umění tkaní košů.[27] V roce 1975 byl McKay známý jako poslední zbývající duchovní poradce Pomoanů. McKay o svém tkaní košíků řekla: „To není nic takového umění. Řídím se jen svým snem. Tak se učím.“[25]

Do roku 1920 rostl zájem o indiánské umění, ať už vytvořené nebo ovlivněné domorodými Američany. Pop Chalee, který původně pocházel z Taos Pueblo, když utekla z matčiny domu v Utahu, když jí bylo jen šestnáct. Ona a její rodina se usadili v Taos Pueblo, kde se z větší části cítila jako outsider. Tyto střety způsobily, že se Chalee a její rodina rozhodli přestěhovat zpět do Utahu.

Chalee začala navštěvovat Indická škola v Santa Fe v roce 1930 jako student Dorothy Dunnová. Chalee byl vyučován ve specifickém designu, který by mohl být spojován s Hnutí Kiowa. V ateliéru Dunna byli indiánští studenti poprvé vyzváni, aby se věnovali umělecké kariéře.[25] V roce 1936 jeden z Chaleeových obrazů koupil Disney jako inspiraci pro Bambi.[25] Po ukončení studia byl Chalee pověřen malovat nástěnnou malbu pro Maisel's Trading Post spolu s tehdejšími umělci: Awa Tsireh Joe H. Herrera, Pablita Velarde, Harrison Begay a Popovi Da. Chalee a pokračoval v malování nástěnných maleb, které zahrnovaly například stránky Letiště Albuquerque a Santa Fe železnice.

Chalee nebyl jen vizuální umělec. Vystupovala také při propagaci filmové verze filmu Annie Get Your Gun, vyprávět příběhy, přednášet a dokonce zpívat[25] zatímco nosí nativní šaty a propracované doplňky.[28]

Přibližně ve stejné době, kdy si Pop Chalee získával na popularitě, přišel další umělec, Ellen Neel, riskoval v Kanadě účastí v potlatch.[29] To zakázaly USA i Kanada, které to považovaly za „zbytečný zvyk“.[30] Neel (Kwakwaka'wakw ) byl totem řezbářka, která jako první přenesla prvky svých totemových vzorů na papír a látku[31] a vyřezávané miniaturní sloupy pro turisty. V roce 1946 Neel otevřela Totem Arts Studios a začala pracovat v bývalém bunkru druhé světové války. Během této doby také pracovala na opravách a obnově starších stožárů pro University of British Columbia, ale tato práce se ukázala zdlouhavá a časově náročná a nakonec se vrátila k práci na svém vlastním umění.[32] V roce 1955 Neel vyřezal pět totemů pro Woodward obchodní dům.[33] Ve své historii vyřezávala Neel také hlavní póly pro Stratford v Ontariu a pro kodaňské muzeum v Dánsku. „Navzdory skutečnosti, že předcházela (Mungo Martin ) a působil jako jeho rádce, kanadská rada odmítla žádost o financování jejích projektů totemového pole až v roce 1960. “[32] O šest let později zemře.

Když se Ellen Neel stala pro svou řezbářskou práci celostátně známou, Jaune Quick-To-See Smith (Flathead Salish ) byl ještě na střední škole a absolvoval korespondenční výtvarný kurz od Famous Artists School. Narodil se v roce 1940 a Quick-To-See Smith neměl úplně stabilní dětství. Jako dcera migrujícího pracovníka se její rodina neustále stěhovala a přerušovaně žila v dětských domovech.[25] Její otec by později inspiroval Smithovo umění v oblasti estetiky,[34] a do roku 1978 by Quick-To-See Smith vystavila své obrazy na své první sólové umělecké show[25] ještě předtím, než dokončila M.F.A. na University of New Mexico. Quick-to-See Smithovo „umění reaguje na historická zneužití symbolů domorodých kultur“,[35] s koňmi, buvoli a petroglyfy jako konstanty. V roce 1994 řekla Jaune o své práci:

Moje obrazy vyjadřují mé pocity z konkrétních věcí. Nejsou to obecná díla ... Každý obraz je jakýmsi příběhem o něčem, o čem přemýšlím. A pokud se k tomu nemohu osobně vztahovat, pokud to pro mě nemá význam ... jak o tom tedy mohu udělat obraz?[36]

Další obavy, které ovlivňují práci Quick-To-See Smitha, jsou rasismus, sexismus a problémy životního prostředí. Quick-To-See Smith je členem Zelený mír a organizuje protesty proti pozemkovým právům a používá přírodní umělecké produkty.[25]

Umělecká díla

Viz také

Reference

  1. ^ Agard, Nadema. (1999). Prohlášení umělce. V P. Farris (ed.), Barevné umělkyně: biokritický pramen pro umělce 20. století v Americe. Connecticut: Greenwood Publishing Group.
  2. ^ Farris, P. (2005). Současné indiánské umělkyně: vizuální projevy feminismu, prostředí a identity. Feministická studia, 31(1), 95-109.
  3. ^ „Známé sochařky: díla slečny Edmonie Lewis zdobí domy britské šlechty.“ (17. dubna 1909). Detroitský informátor
  4. ^ King, W. (2006). Podstata svobody: svobodné černé ženy v době otroků. Missouri: University of Missouri.
  5. ^ A b Wolfe, R. (2001). Edmonia Lewis: požár v mramoru. New Jersey: Muse Wood Press.
  6. ^ Sherwood, D. (1991). Harriet Hosmer, americká sochařka, 1830–1908. Missouri: University of Missouri Press.
  7. ^ A b Cleveland-Peck, P. (2007). Odlévání prvního kamene. Historie dnes, 57(10), 13-19.
  8. ^ May, S. (1996). Objekt po ruce. Smithsonian, 27(6), 16.
  9. ^ African American Registry. Edmonia Lewis, umělec s africkými kořeny původních Američanů. Citováno z http://www.aaregistry.org/historic_events/view/edmonia-lewis-artist-african-and-native-american-roots
  10. ^ Woods, N. (2008). Africká královna na výstavě stého výročí ve Filadelfii 1876: Edmonia Lewisova smrt Kleopatry. Meridiány, 9(1), 62-82.
  11. ^ A b Hutchinson, E. (2001). Moderní indiánské umění: transkulturní estetika Angel De Cory. Umělecký bulletin, 83 (4), str. 740-756.
  12. ^ Jak je uvedeno v a Harper je tisková zpráva v indiánské literatuře. (1899, prosinec). červený muž, 15 (10), str. 8.
  13. ^ Curtis, N. (20. ledna 1920). Indiánský umělec. Výhled, str. 64-66.
  14. ^ Proulx, A. (25. června 2005). Sobotní recenze: esej: Jak se točil západ: obraz kovboje jako ušlechtilého průkopníka skrývajícího se v divoké zemi má stále mocný vliv. OpatrovníkStránky Guardian Saturday, str. 4.
  15. ^ Hutchinson, E. (2009). Indické šílenství: primitivismus, modernismus a transkulturace v americkém umění, 1890–1915. North Carolina: Duke University Press Books.
  16. ^ Peyer, B. (2007). Indiánská literatura faktu: antologie spisů, 60. a 30. léta 20. století. Oklahoma: University of Oklahoma Press.
  17. ^ De Cora, A. (1911). „Umění indiána.“ (1911). Zpráva výkonné rady o jednání společnosti amerických indiánů. Washington, DC: Společnost amerických indiánů.
  18. ^ A b C d Moreno, R. (vyd.) (1998). Historický časopis Nevada: vynikající historické rysy ze stránek časopisu Nevada. Las Vegas: University of Nevada Press.
  19. ^ Cohodas, M. (1998). V R. Moreno (ed.), Historický časopis Nevada: vynikající historické rysy ze stránek časopisu Nevada (str. 91). Las Vegas: University of Nevada Press.
  20. ^ Berlo, J. C. (1992). Raná léta indiánských dějin umění: politika stipendia a sběratelství. Seattle: University of Washington Press.
  21. ^ Van Loan, C.E. (16. září 1906). 1 500 $ bylo požádáno o jeden koš vyrobený indickou squaw Washoe. Los Angeles Examiner, str. 5.
  22. ^ A b Jensen, J. (1998). Indiánské fotografky jako vypravěčky. Citováno z http://www.cla.purdue.edu/waaw/Jensen/NAW.html
  23. ^ Tsinhnahjinnie, H, & Passalacqua, V. (Eds.) (2006). Naši lidé, naše země, naše obrazy: mezinárodní domorodí fotografové. California: Heyday Books.
  24. ^ Tsinhnahjinnie, H. (2003). Kdy má fotografie hodnotu tisíc slov? In C. Pinney & N. Peterson (Eds.), Další historie fotografie. North Carolina: Duke University Press Books.
  25. ^ A b C d E F G h i j Farris, P. (vyd.), Barevné umělkyně: biokritický pramen pro umělce 20. století v Americe. Connecticut: Greenwood Publishing Group.
  26. ^ Sarris, G. (1994). Mabel McKay: tkaní snu. Berkeley: University of California Press.
  27. ^ Bibby, B. (1996). Výtvarné umění kalifornského indického košíkářství. California: Heyday Books.
  28. ^ Heller, J. (1995). Severoamerické umělkyně dvacátého století: biografický slovník. London: Taylor & Francis Routledge.
  29. ^ Palmer, C.B. (2008). Opětovné vyjednání identity: „primitivismus“ v umění 20. století jako rodinné vyprávění. Frontiers: žurnál studií žen, 29 (2 a 3), str. 186-223.
  30. ^ Cole, D. a Chaikin, I. (1990). Železná ruka nad lidmi: zákon proti potlatch na severozápadním pobřeží Seattle: University of Washington Press
  31. ^ Townsend-Gault, C. (1994). Umění severozápadního pobřeží: kultura země. Indiánské čtvrtletní, 18 (4), str. 445-467.
  32. ^ A b Kramer, P. (2008). Totemy. British Columbia: Heritage House Publishing.
  33. ^ Stewart, H. (1993). Při pohledu na totemy. Vancouver: Douglas & McIntyre.
  34. ^ Lippard, L.R. (2000). Smíšená požehnání: nové umění v multikulturní Americe. Kanada: Nový tisk.
  35. ^ Ohnesorge, K. (2008). Neklidný terén: obraz, text, krajina a současní domorodí umělci ve Spojených státech. Indiánské čtvrtletní, 32(1), 43.
  36. ^ Abbott, L. (1994). Stojím v centru dobra: rozhovory se současnými indiánskými umělci. Lincoln: University of Nebraska Press.

externí odkazy