Mark Baum - Mark Baum

Mark Baum (1903–1997) byl polský americký malíř známý zpočátku svým samoukem krajiny a městské scenérie který později vyvinul jedinečný neobjektivní malířský styl zaměřený na jediný jedinečný glyf, který nazval „element“. Baumovo rané dílo mělo v New Yorku na konci 20. a na počátku 40. let značný úspěch, s řadou samostatných výstav a muzejních umístění na Whitney Museum a Frick, ale následují druhá světová válka Baum se stáhl z newyorské umělecké scény do Cape Neddick, Maine, kde žil a maloval v relativním temnotě od poloviny 50. let do své smrti.^[1]

Dětství

Mark Baum (Marek v polštině, Munyok doma) se narodil 2. ledna 1903 v Sanoku, městě, které je nyní součástí Polska, ale v té době bylo součástí Rakouska-Uherska, poblíž dnešní Ukrajiny. Jeho rodiče se rozvedli, když byl ještě malým dítětem, což byla v jeho konzervativní židovské komunitě velmi neobvyklá událost. Jeho matka, která měla ve své rodné zemi jen málo možností, emigrovala do Spojených států s Markovou starší sestrou. Mark zůstal se svými prarodiči z matčiny strany, kteří žili ve Frysztaku v Karpatských horách.^[2] Mark měl od té doby velmi malý kontakt se svou matkou a otcem.^[3]

Nakonec se Mark s rodinou přestěhoval do většího města Rzeszów, a když byl Mark ve školním věku, vzdoroval svému dědečkovi a absolvoval zkoušku na německé gymnáziu. Test se konal v sobotu, aby odradil Židy od podávání žádostí. Nastoupil a navštěvoval gymnázium i hebrejskou školu a od mladého věku hovořil vícejazyčně, doma mluvil jidiš, hebrejsky v chrámu, polsky na ulici a německy ve škole.^[4]

První světová válka a imigrace do Spojených států

Během první světové války pracoval Mark v létě na farmě svého dědečka mimo město. Mark připomněl, že v létě 1917 bylo na farmu přiděleno několik ruských válečných zajatců. Byli to bolševici a díky nim získal Mark celé politické vzdělání. Unikli jednoho října v říjnu, když slyšeli o nadcházející revoluci v Rusku, ale ne dříve, než řekli Markovi, kterému bylo 14 let, sbohem.

Na konci války se Mark rozhodl opustit domov a emigrovat do Spojených států. Jel vlaky na konec německého území a dorazil k dánským hranicím. V tomto bodě, bez pasu, byl schopen doslova projít kontrolním bodem a byl chráněn rodinou, která ho dokázala dostat do Kodaně. Tam se mu prostřednictvím rodinných kontaktů podařilo získat průchod do New Yorku, kam dorazil koncem roku 1919.^[5]

New York City a obrat k umění

V New Yorku získal práci v oděvní čtvrti v obchodě s kožešinami. Znovu se sešel se svou matkou, kterou považoval za velmi materialistickou, a poté už spolu příliš neměli kontakt. Na začátku 20. let 20. století byl Mark v metru, když se jednoho dne vrátil domů z práce, když mu byla právě vyplacena týdenní mzda v hotovosti, že se podíval dolů na peníze v ruce a zeptal se sám sebe: „Opravdu jsem přišel celou cestu pro tohle?" Hledal malbu, která více odráží jeho lidskost a ducha.^[6]

Baum krátce navštěvoval kurzy na Akademii designu v roce 1924 nebo 1925, poté v létě 1926 studoval na Cape Cod School of Art v Provincetown v Massachusetts pod vedením Charlese Hawthorna. Od té doby maloval sám. Upadl do rytmu půl roku pracovat jako kožešník a druhou polovinu maloval mimo sezónu.^[7]

Umělecký styl a počátky úspěchu

Od začátku byl Baumův umělecký styl výrazný. Často pracoval v šrafovaných značkách se zploštělou perspektivou, místo aby se snažil poskytnout realistickou prostorovou strukturu nebo perspektivu, zdůrazňoval kolabující úhly budov a krajiny. Zpočátku pracoval v akvarelech a jeho první samostatná výstava představovala výběr akvarelových krajin a konala se v galeriích Whitney Galleries v roce 1929, přičemž několik děl koupila významná sběratelka Julianna Force, která je nakonec darovala Whitney Museum of American Art. Následující rok Baum oslovil slavného fotografa a galeristu Alfreda Stieglitze, který si koupil jeden z jeho vodových barev. Na počátku třicátých let Baum přešel k práci v olejových barvách a Marie a Averil Harriman se stali horlivými zastánci jeho díla a další samostatná výstava v galerii Marie Harriman v roce 1931.^[8] Byl také součástí skupinové výstavy v Brooklynském muzeu v roce 1932.^[9] Prostřednictvím těchto spojení a přehlídek našel Mark na počátku 30. let zdravou sběratelskou základnu.

Během tohoto období, k velkému Baumovu zlosti, byla jeho práce klasifikována jako „primitivní“, což byl v té době zkratkový způsob, jak ji seskupit s nostalgickou Americanou (ironicky vzhledem k tomu, že se narodil v Polsku), která stála v opozici vůči evropským modernismus.^[10] Mark slovo primitivní úplně odmítl, ale také pro jeho důsledky, když do osobního prohlášení uvedl: „V recenzích se opět objevily výrazy„ naivní “a„ primitivní “. Naivní jsem nikdy nebyl. Ale ačkoli jsem nebyl primitivní malíř, stál v určitém vztahu k malbě. Každý recenzent byl při popisu mé práce nucen předložit určité úpravy výrazu „primitivní“. A když Harriet a Sidney Janis, kteří moji práci znají, pak při práci na knize primitivních malířů , přišli za mnou, také si to uvědomili a později ve své knize uvedli, že jsem na primitivního malíře příliš pokročilý. “^[11] Cítil se velmi ovlivněn modernistickými malíři, mezi nimiž byli Kandinsky, Klee, Picasso, Cézanne a Mondrian, z nichž poslední dva měl zvláštní vztah. Před příchodem do Spojených států neměl Mark téměř žádné umělecké vzdělání a vzdělával se v newyorských muzeích a galeriích současného umění.^[12]

Osobní život, deprese a druhá světová válka

V roce 1935 se Mark oženil s Celií Frankovou, ženou ze Schenectady v New Yorku. Následující rok se jim narodil syn Paul a další syn William se narodil v roce 1939. Baumové nejprve žili v Sunnyside v Queensu a poté na Upper West Side na Manhattanu. Mark se stal umělcem WPA, který spolu s prací u kožešníka, kterou udržoval od počátku 20. let, podporoval rodinu.

Mark a Celia byli aktivní v komunistické straně v New Yorku a v roce 1936 kandidoval do Senátu státu New York na komunistickém lístku. Pár měl aktivní společenský život, který byl naplněn bohémy z jejich politické příslušnosti, stejně jako umělci, herci a volní myslitelé.^[13]

Během druhé světové války měl Baum show pro dvě osoby v Perls Galleries a poté samostatná vystoupení v roce 1947 v galerii St. Etienne a v roce 1948 v galerii Laurel. Byl také součástí mezinárodní výstavy pořádané ministerstvem zahraničí. Přesto po válce nastala krize víry. Napsal: "Světová válka přišla, WPA skončila. Roky nejistoty. Světová válka skončila. Pak zprávy o holocaustu. Všichni členové mé rodiny zavražděni nacisty, všichni kamarádi mého dětství, všichni moji kamarádi z dětství a spolužáci zabití nacisty. To vše a řada dalších faktorů přispělo k povědomí: skončila éra, žili jsme v novém jiném světě. Už jsem nemohl malovat jako starý a upadl do deprese . “^[14]

Uhelné doly a aspirační schodiště

Baumova dlouhá malířská krize byla způsobena zprávami z války, ale také současně na newyorské umělecké scéně zažil kolektivní nápor k Abstraktní expresionismus a odmítl to. „Malba se zdála bezcenná. Tuto krizi vyvolalo mnoho faktorů, mezi nimi byl abstraktní expresionismus, který byl v popředí amerického malířství; a ke kterému jsem byl hořký a nepřátelský, ne k jeho původcům, ale k podvodníkům, kteří to praktikovali pouze pro svou vlastní odměnu Sledoval jsem, jak se toho drží. “^[15]

Na konci 40. let až do začátku 50. let strávil Baum zhruba tři roky, nepřetržitě, žil v Pensylvánii a maloval ve městech společnosti enormní provoz s antracitovým uhlím. V roce 1953 Baum měl samostatnou výstavu v Harry Salpeter Gallery, s prací čerpal především z Pennsylvánie série.^[16] O rok později se Baum objeví v Život Časopis jako součást článku o umělcích hledajících rovnováhu mezi životem a prací v New Yorku.^[17]

Asi o tři nebo čtyři roky později se Baum ohlédl za dílem z roku 1948, které bylo zahrnuto do pořadu Salpeter Aspirační schodiště a mělo zjevení: „Jaká úžasná úhlopříčka toto schodiště. Přináší oko nahoru od spodní části plátna k horní části a schody schodiště jsou jednotkami úhlopříčky a fungují jako stálý rytmus hudby. schodiště, fyzický objekt, se stává při malování prvku a - ztrácí svou fyzičnost - se stává diagonálním pohybem nahoru; a dále se stává zobecněným směrovým pohybem a nakonec se stává formativním prvkem ve stylu malby. “^[18]

Duchovnost a „živel“

Současně s tímto zjevením začal Baum v polovině padesátých let soustavněji věnovat pozornost svému duchovnímu životu. Našel v tomto úkolu protilátku proti formalistickému důrazu abstraktního expresionismu a také důvod, proč vůbec pokračovat v umělecké praxi. Za tímto účelem se vrátil k pojmu víry, přičemž čerpal ze svého židovského původu, i když abstraktními způsoby a prostřednictvím světských subjektů. Jak poznamenal jeden autor: „Zdá se, že Baum se přibližuje duchovnu studiem světských věcí, jako jsou schodiště, semafory, rostliny a světelná architektura .... V Baumově práci se začínají objevovat triády předmětů. " Tato studie o trojici odkazuje nejen na tři patriarchy judaismu, ale na tři pilíře Kabbalistického stromu života, křesťanskou Nejsvětější Trojici, tři trikaya praktiky buddhismu.^[19]

To, co Baum navrhoval tímto směrem k duchovnosti v malbě, viděl jako kontinuum s minulostí člověka, později napsal:

Po staletí existoval symbiotický vztah mezi náboženstvím a malbou. Tento vztah skončil s nástupem věku rozumu. Ačkoli náboženství drasticky pokleslo, naše duchovní potřeby přežily. A nyní pomocí špičkových technologií zkoumáme vesmír a celý vesmír. O to více si uvědomujeme jeho rozlehlost, jeho nekonečnost a jeho velikost. Náš pocit úcty se znovu probouzí a náš duchovní život se znovu oživuje. Tato forma duchovna stojí za to být předmětem malby.

^[20]

V tomto okamžiku Baum učinil ve svém malířství radikální krok: v roce 1958 se zcela obrátil k neobjektivnímu a začal vytvářet jediný glyf, který nazval „živel“, který vycházel z jeho zjevení o schodišti. Tento glyf vyvinul po dobu deseti let, od roku 1958 do roku 1968, kdy dospěl k jeho finální podobě. Lutz popisuje tento přechod: „dlouhý 5-hrotý tvar, podobný shluku jehličí z borovice ... široký zakřivený prvek se jeví jako silueta ptáka za letu ... konečný prvek, který téměř vypadá jako hlava v profilu se objeví v roce 1967. “^[21] Od té doby používal prvek v různých kombinacích a barvách jako exkluzivní značku v kompozicích svých obrazů. Lutz to popisuje: „Když Baum začne používat prvek, mikro a makro se sbíhají v tom, co lze popsat pouze jako typ kosmického řádu.“^[22]

Maine a neobjektivní práce

Tento posun v orientaci jeho obrazu odpovídal také přesunu do mysu Neddick v Maine, kde maloval v přestavěné stodole a žil v sousedním statku. Napsal, že: „Tam ... mohu žít s větší intenzitou, vstřebávat zeleň jara a bělost zimy, plnost léta a všechny barvy podzimu. Absorbuji toto bohatství života o mně do sebe, může dát svému obrazu to nejlepší ze mě. “^[23]

Práce v tomto neobjektivním období spadá do tří odlišných období: raný vývoj „prvku“ nebo raný neobjektiv (1959–1967); střední neobjektiv (přibližně z let 1968-1978), kde jsou kompozice prvku v často drahokamových seskupeních proti mnoha různě barevným podkladům od spektra od jasných tyrkysů a bledých levandulí po tmavší fialová a hluboká lesní zeleň. Poslední část práce od konce 70. let až do těsné doby před jeho smrtí kolem roku 1995, kdy byl kvůli svému zdraví přinucen přestat malovat, je považován za „pozdní neobjektiv“. Tato díla jsou na pevném, převážně černém pozadí (některá raná díla z tohoto období jsou na tmavě zelené nebo hnědé), bez seskupení prvků, kromě čar a vln. Baum použil šablony pro své prvky, vysledoval kompozice prvků v tužce a poté každý ručně maloval.^[24]

Celá jeho neobjektivní práce odráží vysoce rafinované barevné vztahy, přičemž tmavší barvy jsou „těžší“ a často na spodní straně pláten stoupají k světlejším, jasnějším barvám a naznačují blížící se víru nebo smysl pro uskutečnění. V tomto ohledu byl velmi ovlivněn Manetem, který citoval konkrétní obraz Krista a andělů v Metropolitním muzeu umění, který pečlivě studoval a našel inspiraci v Manetově „důrazu na barevné vztahy“.^[25]

Během více než 30 let, kdy Baum žil na plný úvazek v Maine, měl jen velmi málo veřejných výstav. V červnu 1962 měl samostatnou výstavu v galerii Bleecker ve East Hamptonu v New Yorku; samostatná výstava v Rose Fried Gallery v New Yorku v roce 1963; a velká výstava jeho neobjektivních prací v galerii Ogunquit v Ogunquit v Maine v roce 1969, která nenašla zvlášť vnímavé publikum. Jeho trvalá víra v jeho obrazy a víra, kterou mu obnovili, však poskytly trvalý podnět k další práci. Baum měl také rozsáhlou zahradu a do této doby mnoho vnoučat, kteří žili poblíž. Rovněž udržoval stálý zájem o vědu a techniku ​​a přihlásil se k odběru řady vědeckých časopisů. Baum měl také sbírku raných obvodových desek, které byly pro jeho práci vizuálně a filozoficky důležité.

V roce 1983 Metropolitní muzeum umění zakoupilo dvě raná díla, která podle nich chyběla v jejich sbírce. Tato skutečnost byla pro Bauma velmi potěšitelná a dala mu naději, že jeho dílo bude nakonec znovu uznáno širším publikem.^[26]

Baum aktivně maloval až do podzimu 1996 a zemřel 8. února 1997 ve svém domě v Cape Neddick v Maine.

Nedávný vývoj

Od jeho smrti shromáždilo Baumovo dílo řada muzeí, včetně Foggova muzea na Harvardu; Galerie Mead v Amherstu, Ogunquit Museum, University of New England (kde byly součástí výstavy „Selections“ v roce 2009); Muzeum umění Berkeley; a Muzeum umění Bowdoin College. Jedno z jeho děl v Metropolitním muzeu bylo reprodukováno v knize pro děti vydané muzeem s názvem Jděte dovnitř a ven z okna.^[27]

V roce 2016 se v Krowswork Gallery v Oaklandu v Kalifornii konala samostatná výstava, k níž byl rovněž vytvořen katalog.^[28]

Reference